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Noti per la loro visione cruda e senza compromessi su guerra, violenza e storia, i Bear Mace tornano con il nuovo e devastante album “Slaves of the Wolf”, pubblicato in modo indipendente. Un disco che scava negli abissi dell’umanità senza mai perdere coerenza e direzione. Abbiamo parlato con il cantante Chris Scearce, che ci ha raccontato i dettagli e i concetti alla base dell’album.
Benvenuto su Il Raglio del Mulo! Il vostro nuovo album, “Slaves of the Wolf”, è un’opera potente e coinvolgente di death metal. Puoi presentare il disco ai nostri lettori e spiegare come il brano d’apertura, che porta lo stesso titolo, ne anticipa i contenuti?
“Slaves of the Wolf” è il risultato di molte sessioni di scrittura nate nel periodo post-pandemico, che all’epoca mi sembravano interessanti a livello lirico. Il brano omonimo parla dell’esercito tedesco che marcia verso il fronte orientale e della maggior parte dei soldati che non farà più ritorno a casa. La Seconda Guerra Mondiale è un tema centrale in diversi brani.
L’album affronta temi intensi come la guerra, la sopravvivenza e il trauma storico. Cosa vi ha spinto verso questi argomenti e in che modo riflettono la vostra visione artistica come band?
Mi sono perso in alcuni tunnel su YouTube facendo ricerche su argomenti che mi intrigavano, e alla fine erano molto simili a quelli che avevo già trattato in passato. In questo senso, continuano a riflettere la nostra visione artistica, anche se ci sono un paio di eccezioni che abbiamo inserito, come “Cancerous Winds” e “The Iceman Cometh”, che non avevamo mai affrontato prima.
Un momento particolarmente inquietante è “The Iceman Cometh”, dedicato al famigerato Richard Kuklinski. Cosa ti ha ispirato a scrivere su di lui e come hai trasformato la sua storia in una canzone?
Girovagando in TV a tarda notte, mi sono imbattuto in un documentario HBO in cui lui viene intervistato a lungo sui suoi crimini. Tutti i metodi di uccisione descritti nel testo sono realmente quelli che ha usato sulle sue vittime. In pratica, il testo è una lista dei suoi crimini. Aveva lo sguardo più morto che abbia mai visto. Immaginare Richard Kuklinski come ultima cosa che vedi dev’essere terrificante.
“Captured and Consumed” vede la partecipazione vocale di Kam Lee. Come è nata questa collaborazione e cosa ha aggiunto la sua presenza all’impatto del brano?
Kam Lee è il primo cantante del death metal e il mio preferito in assoluto nel genere. Abbiamo suonato un paio di volte insieme e a lui piace quello che facciamo, quindi ha accettato di partecipare con delle parti vocali su questo brano. È stata la scelta perfetta, perché la sua voce trasmette una tensione e un terrore reali.
Brani come “Worthless Lives” e “Drown Them in Their Blood” presentano variazioni di ritmo e tono emotivo. Quanto era importante per voi bilanciare aggressività e atmosfera su questo album?
Era molto importante, perché se fai tutto veloce diventa monotono, e se fai tutto lento diventa doom. Il ritmo è anche dettato dai testi, soprattutto quando serve creare atmosfera.
Dal punto di vista della produzione, avete registrato presso gli Hypercube Studios e i Miracle on Mace Street St. Studios, con mix e master a cura di Damian Herring. Com’è stato il processo e in che modo queste scelte hanno influenzato il suono di “Slaves of the Wolf”?
Abbiamo registrato le tracce di base agli Hypercube Studios sotto l’occhio vigile di Sanford Parker e il resto lo abbiamo fatto ai M.O.M.S. Studio con Mark (Sugar – chitarra). Per il mix e master ci siamo affidati di nuovo a Damian Herring, che aveva già fatto un lavoro eccellente con il nostro disco precedente, “Charred Field of Slaughter”. Damian sa istintivamente come dobbiamo suonare, quindi non c’è bisogno di dargli troppe indicazioni.
L’artwork di Dedy Badic riflette l’intensità e la profondità storica della musica. Qual era il concept visivo dell’album e quanto avete collaborato con l’artista?
L’idea era una rappresentazione abbastanza letterale del brano d’apertura. Abbiamo fornito a Dedy un’idea molto basilare di ciò che volevamo vedere e lui l’ha sviluppata magnificamente. I toni scuri trasmettono un’atmosfera cupa e danno davvero l’impressione che quella massa in marcia non farà ritorno.
Con oltre dieci anni di carriera alle spalle e una formazione stabile da cinque, in che modo i Bear Mace sono cambiati musicalmente e tematicamente da “Butchering the Colossus”?
Dal punto di vista musicale abbiamo musicisti eccellenti che hanno avuto tempo per amalgamarsi e rafforzarsi come gruppo. Si nota chiaramente nelle nuove composizioni. Amo “Butchering the Colossus”, ma per quanto riguarda il suono e la produzione siamo su un altro livello. Tematicamente restiamo legati a certi argomenti, ma ci sono anche idee nuove. Non avevamo mai scritto un pezzo su delle pale eoliche mortali… fino ad ora!
Vi state preparando a portare “Slaves of the Wolf” dal vivo. Cosa possono aspettarsi i fan dai prossimi concerti e come rende questo nuovo materiale in sede live?
Aspettatevi intensità e potenza: faremo del nostro meglio per abbattere i muri, perché questi nuovi pezzi sono fatti apposta per essere suonati forti e veloci!
Known for their unflinching take on war, violence, and history, Bear Mace return with their crushing new full-length “Slaves of the Wolf”, a self-released album that delves deep into mankind’s darkest chapters. While their music deals with brutality and loss, the band’s vision is far from chaotic — it’s a structured descent into historical horror. We spoke with vocalist Chris Scearce, who shed light on the concepts and intensity behind the album.
Welcome to Il Raglio del Mulo! Your new album, “Slaves of the Wolf”, is a powerful and immersive piece of death metal storytelling. Can you introduce the record to our readers and explain how the opening, eponymous track sets the stage for what’s to come?
“Slaves of the Wolf” is the culmination of a lot of post-pandemic writing that lyrically was interesting at the time. The title track is about the German army marching off to war on the Eastern front and most never returning home. WWII plays prominently in a few of the tracks.
The album explores intense themes like warfare, survival, and historical trauma. What drew you to these subjects, and how do they reflect your artistic vision as a band?
I went down a few YouTube rabbit holes researching things that intrigued me, and they ended up being a lot of the same subjects that I had written about in the past. I suppose in this way they continue to reflect our artistic vision from previous material, but there were a couple of exceptions that we snuck in, like “Cancerous Winds” and “The Iceman Cometh” that we had not dealt with before.
One particularly chilling moment is “The Iceman Cometh”, which focuses on the infamous Richard Kuklinski. What inspired you to write about him, and how did you approach turning his story into a song?
Flipping through late night TV, I came across an HBO documentary about him where he is interviewed extensively about his crimes. Every method of killing that I describe in the lyrics are ways that he actually used on his victims. Basically, the lyrics are a list of his crimes. That man had the most dead eyes I’ve ever seen. I imagine that Richard Kuklinski as your last sight would be terrifying.
“Captured and Consumed” features guest vocals by Kam Lee. How did this collaboration come together, and what did his presence add to the track’s impact?
Let me say first off Kam Lee is the original DM vocalist and my personal favorite vocalist in the entire genre. We’ve played a couple of shows with them, and Kam likes what we do so he agreed to do some guest vox on this track. He’s the perfect choice because his voice lends a sense of real tension and terror to the proceedings.
Songs like “Worthless Lives” and “Drown Them in Their Blood” vary in pace and emotional tone. How important was it for you to balance aggression with atmosphere on this album?
It was very important because when you do everything fast it becomes monotonous and when you do everything slow it becomes doom. The pace is also dictated by the lyrics when atmosphere is required.
From a production standpoint, you recorded at both Hypercube Studios and Miracle on Mace Street St. Studios, with mixing and mastering by Damian Herring. What was the process like, and how did these choices shape the sound of “Slaves of the Wolf”?
Hypercube Studios was where we laid down the basic tracks under the watchful eye of Sanford Parker and the rest we did at M.O.M.S. Studio with Mark (Sugar – Guitar). We had Damian Herring do the mix and master again because he did such a masterful job on our last record “Charred Field of Slaughter”. Damian just instinctively knows how we are supposed to sound, so we don’t have to give him much guidance.
The artwork by Dedy Badic matches the intensity and historical depth of the music. What was the concept behind the visual side of the album, and how closely did you work with the artist?
The concept was a fairly literal visualization of the title track; we gave Dedy a very basic idea of what we saw, and he fleshed it out beautifully. The darker colors set a somber tone for the art, and you really get the feeling that the hive mind will not be returning from wherever they’re going.
With over a decade behind you and a steady lineup for the past five years, how would you say Bear Mace has evolved musically and thematically since “Butchering the Colossus”?
Musically we have excellent musicians who have had a few years to gel and really tighten up. It shows in the latest compositions for sure. I love “Butchering the Colossus”, but sound and production wise I think we’re light years past it. Thematically we still stick with a lot of the same things, but there are new ideas. We’ve never had a track about deadly windmills before – until now, of course.
You’re preparing to bring “Slaves of the Wolf” to the stage. What can fans expect from your upcoming live shows, and how does this new material translate to a live setting?
Expect intensity and power in our efforts to blow the walls down because the new songs are totally geared to be played fast and loud!
Il Raglio del Mulo 