Sigh – The cherry blossom

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

Probabilmente il Giappone non è stato mai così protagonista in un album dei Sigh come nel nuovo “Shiki” (Peaceville Records). La volontà di parlare di un tema quale la morte, ha rafforzato paradossalmente il legame tra Mirai Kawashima e il suo Paese natio.

Benvenuto Mirai, è appena uscito il tuo vostro nuovo album “Shiki”. Non ti nascondo che il primo approccio, quello visivo, mi ha riportato alla mente “Infedel Art”. Questa somiglianza tra le copertine è intenzionale? C’è qualche collegamento tra il vostro secondo full lenght e il nuovo album?
L’artwork di “Shiki” si basa su un poema tradizionale giapponese di 800-900 anni fa. Descrive la scena in cui un vecchio osserva i fiori di ciliegio spazzati via dal forte vento primaverile. Il fiore di ciliegio è davvero bello ma allo stesso tempo è il simbolo della fragilità poiché scompare in una settimana circa. Il vecchio identifica i petali nel vento con se stesso, che devrà morire abbastanza presto. Ho pensato che fosse molto intrigante che qualcuno 800-900 anni fa si sentisse esattamente come noi adesso. Tante cose si sono evolute in questi 800-900 anni, ma dobbiamo ancora avere paura della morte. Questo è uno dei temi dell’album. Quindi la somiglianza tra questo artwork e quello per “Infedel Art” non è intenzionale. Ovviamente l’ho notato quando l’artista mi ha inviato lo schizzo e ho pensato che potesse essere un buon riferimento a “Infedel Art”, ma non era qualcosa di pianificato in anticipo.

La parola “Shiki” ha vari significati in giapponese come quattro stagioni, tempo di morire. Perché hai voluto affrontare questi argomenti in questo momento della tua vita?
Sì, ha molti significati come tempo di morire, quattro stagioni, colori, cerimonia, direzione di un’orchestra, morale ecc., e i primi due sono i temi principali dell’album. Il motivo per cui ho scelto la morte come tema è che semplicemente ero letteralmente spaventato dalla morte quando ho scritto questo album. È stata la sensazione più grande che ho provato e volevo esprimerla nel modo più onesto e diretto possibile.

Pensi che ci sia un disco nella tua discografia che è particolarmente vicino nei contenuti a “Shiki”? Se si, quale?
In realtà il mio primo piano per “Shiki” era di fare un album sulla scia di “Scorn Defeat”. Avevo intenzione di renderlo più o meno primitivo. Tuttavia, con il passare del tempo, si stava rivelando abbastanza diverso come al solito, ma immagino che tu possa ancora sentirne alcuni rimandi. “Kuroi Kage” è la prima traccia che ho scritto per questo album, quindi probabilmente ha un sacco di riferimenti a “Scorn Defeat”.

Eri più libero al tuo debutto, quando non avevi fan da tenere in considerazione o oggi che hai guadagnato una tua credibilità artistica e una storia decennale alle spalle?
Sì, credo di sì. La maggior parte delle canzoni sono state scritte senza sapere che saremmo stati in grado di pubblicare un album. Una volta uscito un disco, diventa il tuo standard. Di solito pensi di dover superare i tuoi album precedenti e, a volte, questo ti lega. Alcune persone dicono che “Scorn Defeat” è il nostro miglior album e lo capisco. Ovviamente è l’album più primitivo da noi composto, ma ha un’atmosfera magica. Se lo registrassimo nuovamente con tecnica e tecnologie odierne, perderebbe sicuramente la sua magia.

Frédéric Leclercq (Kreator) e Mike Heller (Fear Factory \ Raven) compaiono nell’album. Quando lavori con musicisti occidentali, noti delle differenze rispetto a quando registri con degli orientali? Pensi che ci sia un approccio culturale diverso o la musica è un linguaggio universale?
No, non ho sentito alcuna differenza culturale. La differenza più grande è ovviamente che entrambi sono musicisti di gran lunga superiori. Ad essere onesto, ero abbastanza frustrato dai musicisti con limitazioni tecniche, ma questa volta non ho dovuto pensarci. Inoltre siamo stati in grado di parlare “musicalmente” se capisci cosa intendo. Ero completamente stufo di sentirmi dire che non potevano suonarlo, non capivano le scale ecc. a dire il vero… Questa volta è andato tutto molto bene. Apprezzo che Mike e Fred abbiano fatto parte dell’album.

Nel disco vengono utilizzati alcuni strumenti della tradizione musicale giapponese come Shakuhachi, Hichiriki, Shinobue, Shamisen, Taishōgoto, Shruti box. Quando hai imparato a suonarli? A scuola o dopo?
Ho iniziato con il Shakuhachi solo qualche anno fa. Suono il flauto e fondamentalmente se suoni il flauto, puoi suonare lo Shakuhachi. Lo stesso per lo Shinobue. E se suoni il piano / le tastiere, puoi suonare il Taishogoto.

Ai tempi di “Scorn Defeat” avresti mai pensato di utilizzare questi strumenti tradizionali nei tuoi dischi?
Per nulla. Anche se abbiamo usato alcune immagini giapponesi nei testi e nell’artwork, non volevo riferimenti alla musica giapponese nei Sigh perché non ne sapevo nulla. Ma quando sono cresciuto, ho iniziato ad ascoltare molta musica tradizionale, non quella ad alto volume però. Poi ho iniziato a suonare quegli strumenti tradizionali. Per “Shiki” volevo esprimere il mio più intimo sentimento di paura della morte, dovevo usare la mia lingua. E come ho detto, la copertina si basa su una poesia tradizionale giapponese. Tutto sommato, volevo renderlo un album molto giapponese con uno spirito giapponese. Questa è la ragione per cui ho usato molti strumenti tradizionali.

Lo scorso agosto vi siete esibiti al Brutal Assault, come hanno accolto le nuove canzoni i vostri fan?
Abbiamo suonato a “Mayonaka No Kaii” e “Shoujahitsumetsu” al Brutal Assault, e le reazioni sono state davvero buone. Ma sai quando suoni ai festival, la maggior parte del pubblico non ha molta familiarità con le tue canzoni, il che significa che non c’è differenza tra le nuove canzoni e quelle vecchie per loro.

Ci saranno altre date a supporto dell’album?
Suoneremo con gli Anaal Nathrakh a Londra il 14 dicembre. E a febbraio andremo in Australia e probabilmente a Singapore. Ci dovrebbero, poi, essere altre date.

Japan has probably never been so featured on a Sigh album as in the new “Shiki” (Peaceville Records). The desire to talk about a theme such as death paradoxically strengthened the bond between Mirai Kawashima and his native Country.

Welcome Mirai, your new album “Shiki” has just been released. I do not hide from you that the first approach, the visual one, brought to my mind “Infidel Art”. Is this similarity between the covers intentional? Is there any connection between your second full length and the new album?
The artwork for “Shiki” is based on a Japanese traditional poem from 800 – 900 years ago. It describes the scene where an old man watches the cherry blossoms being blown off by the strong Spring wind. The cherry blossom is really beautiful but at the same time it is the symbol of fragility as it goes away in a week or so. The old man identifies the petals in the wind with himself, who has to die quite soon. I thought it was very intriguing that somebody from 800 – 900 years ago felt exactly the same as we do now. So many things evolved over these 800 – 900 years but we still have to have a fear of death. That’s one of the themes of the album. So the similarity between this and that for “Infidel Art” is not intentional. Of course I noticed it when the artist sent me the sketch and I thought it could be a good reference to “Infidel Art”, but it wasn’t something planned beforehand.

The word “Shiki” itself has various meanings in Japanese such as four seasons, time to die. Why did you want to deal with these topics at this time in your life?
Yes, it has a lot of meanings such as time to die, four seasons, colors, ceremony, conducting an orchestra, morale etc., and the first 2 are the main themes for the album. The reason I chose death as a theme was simply I was full of a fear of death when I wrote this album. It was the biggest feeling I had, and I wanted to express it as honestly and straightforwardly as possible.

Do you think there is a record in your discography that is particularly close in content to “Shiki”? If so, which one?
Actually my first plan for “Shiki” was to make an album in the vein of “Scorn Defeat”. I was planning to make it pretty much a primitive one. However, as the time went by, it was turning out to be quite different as usual, but I guess you can still hear its remnants. “Kuroi Kage” is the first track I wrote for this album, so it must have a lot of “Scorn Defeat” feel in it.

Were you freer at your debut, when you didn’t have fans to account for or today you have gained your artistic credibility and a decade-long history behind you?
Yes, I guess so. The most of the songs on it were written without knowing we’d be able to release an album. Once you have an album out, it becomes your standard. You usually think you have to top you previous albums, and sometimes it binds you. Some people say “Scorn Defeat” is our best album and I understand that. Obviously it’s the most primitive album by us, but it’s got some magic atmosphere. Even if we re-recorded it with today’s technique and technology, it’d just lose the magic.

Frédéric Leclercq (Kreator) and Mike Heller (Fear Factory \ Raven) appear on the album. When you work with Western musicians, do you notice any differences compared to when you record with Easterners? Do you think there is a different cultural approach or is music a universal language?
No, I didn’t feel any cultural difference. The biggest difference is obviously they both are by far superior musicians. To be honest I was pretty much frustrated with musicians with technical limitations, but this time I didn’t have to think about it. Also we were able to ‘musically’ talk if you know what I mean. I was totally sick of being told that they couldn’t play this, they didn’t understand scales etc. to be honest… This time everything went really smoothly. I do appreciate that Mike and Fred were a part of the album.

In the album you use some instruments of the Japanese musical tradition such as Shakuhachi, Hichiriki, Shinobue, Shamisen, Taishōgoto, Shruti box. When did you learn to play them? At school or after?
I just started playing Shakuhachi about a few years ago. I play flute and basically if you play flute, you can play Shakuhachi. The same for Shinobue. And if you play piano / keyboards, you can play Taishogoto.

At the time of “Scorn Defeat” would you have ever thought that you would use these traditional instruments in your records?
Not at all. Though we used some Japanese images in the lyrics and the artwork, I didn’t want to take in Japanese music in Sigh as I knew nothing about it. But as I got older, I started listening to lots of Japanese traditional music, not the high-blow one though. Then I started playing those traditional instruments. For “Shiki”, I wanted to express my naked feeling about a fear of death, I had to use my own language. And as I said, the artwork is based on a Japanese traditional poem. All in all, I wanted to make it a very Japanese album with a Japanese spirit. There is a good reason that I used a lot of traditional instruments for this one.

Last August you performed at Brutal Assault, how did your fans welcome the new songs?
We played ‘Mayonaka No Kaii’ and ‘Shoujahitsumetsu’ at Brutal Assault, and the reactions were really good. But you know when you play at festivals, most of the audience are not too familiar with your songs, which means there’s no difference between the new songs and the old ones for them.

Will there be other dates to support the album?
We will play with Anaal Nathrakh in London on December 14th. And we’ll go to Australia and probably Singapore in February. There should be more dates for sure.

Night Attack – Riding the whirlwinds

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

I Night Attack sono la nuova band fondata da Charles Lucia, meglio noto come Verigo (Vesterian and Ancestral Blood). Dopo aver firmato un contratto con la Metal Scrap Records, la compagine ha pubblicato l’EP di debutto “The Initiation”, un vero e proprio “attacco notturno” di aggressive blackned death thrash!

Benvenuto Verigo, potresti presentare la tua band ai nostri lettori?
Siamo i Night Attack da Charlotte, North Carolina. La nostra prima formazione risale al 2016, composta principalmente da amici della mia gioventù. Dopodiché, è diventato difficile scovare membri che potessero suonare abbastanza velocemente del metal old school. Trovare musicisti affidabili è sempre stato un grosso problema in NC. A volte, in passato, mi sono ritrovato a lavorare con le persone sbagliate solo perché erano le uniche disponibili in città. Alla fine ho deciso di registrare tutto il materiale da solo. Ho trovato il batterista Jake Anantha per caso e sono contento, abbiamo dato il via insieme alle registrazioni di “The Initiation”. Tutte le canzoni le ho scritte principalmente in tre giorni nel 2015, durante una baldoria mattutina a base di caffè. Sono molto contento della nostra attuale formazione.

Come descrivi il vostro suono?
Lo definisco aggressive blackened death thrash in stile fine anni ’80 per distinguerci dal thrash metal più popolare e moderno di oggi, che io etichetto come party-thrash con voci fastidiose. Il moniker definisce anche il modo in cui ci approcciamo alla nostra musica, cioè in uno stile più tradizionale e con un atteggiamento serioso e cupo. Ho sempre pensato che tra la metà e la fine degli anni ’80 il thrash è diventato decisamente troppo buono. Tuttavia, non fraintendermi, ci piace fare festa a base di thrash e ci piace ascoltare alcune di queste band, ma musicalmente non è ciò che vogliamo esprimere. Andrò sempre a casa e metterò sul piatto “Coma of Souls” dei Kreator. Non siamo qui per seguire nessuna moda dettata dalle band moderne oggi o per reinventare il thrash degli anni ’80. Vogliamo solo rivivere i vecchi tempi del metal con personalità, attitudine, visione e una certa vena oscura. Questa è la musica che volevo suonare durante la mia adolescenza, ma in quel momento ho pensato che fosse una cosa vetusta, una cosa ormai passata. Parlo di un’epoca in cui il thrash di fine anni ’80 si stava spostando verso il death metal o l’hardcore punk. Le persone della vecchia scuola sanno di cosa sto parlando.

Potresti presentare il vostro EP di debutto, “The Initiation”?
“The Initiation” contiene metal estremo, tecnico e oscuro, influenzato da visioni occulte e teatralità vampiresca, ricco di sfumature blackned death metal e parti aggressive di war metal. Uno stile musicale che credo possa essere ben accolto dai thrasher e dai metallari in genere inclusi quelli che ascoltano black metal, punk, persino goth e hardcore.

Quali obiettivi vorreste raggiungere con questo album?
Intendiamo portare il metal old school a un pubblico più ampio con un approccio artistico, fantasioso e ortodosso.

Dai una valenza politica ai tuoi testi?
I Night Attack non provano alcun interesse per la politica.

Che mi dici della copertina?
La copertina dell’album è stata ideata da me e da un mio amico. Siamo entrambi molto interessati alle leggende occulte e oscure.

Avete realizzato in collaborazione con Metal Scrap Records il vostro EP di debutto, sei soddisfatto del lavoro svolto dalla vostra etichetta?
Sono molto contento del lavoro e dell’impegno della nostra etichetta. Sono sempre sul pezzo e ci hanno aiutato molto.

Promuoverete sul palco il nuovo EP?
Sì, ci siamo appena esibiti nel nostro primo live e abbiamo ricevuto reazioni positive dal pubblico. Da quello che abbiamo visto, la nostra musica è decisamente per headbanger e mosher!

È tutto!
Grazie, CD e merchandising sono disponibili all’indirizzo Nightattack.bandcamp.com e
www.facebook.com/nightattackband

Night Attack is the new band founded by Charles Lucia, better known as Verigo (Vesterian and Ancestral Blood). After signing a deal with Metal Scrap Records, the band released the debut EP “The Initiation”, a real “nocturnal attack” of aggressive blackened death thrash!

Welcome Verigo, could you introduce your band to our readers?
We are Night Attack from Charlotte NC. Our first line up was established in 2016 which mostly consistent of guys from my youth. After that, it became difficult to find members that could play fast enough and into the old school metal. Finding reliable musicians, as always been a big problem in NC. Sometimes in the past we end up working with people we shouldn’t had just because he is the only guy in town. Eventually I decided to record all of the material myself. I found drummer Jake Anantha by chance and glad. We gave birth to the recording of Night Attack’s, “The Initiation”. All songs I mostly wrote in three days back in 2015 on a morning coffee thrash spree. Ha. I am very happy with our 2022 line up.

How do you describe your sound?
We call it late 80s aggressive blackened death thrash to separate us from todays more popular and modernized thrash metal. Those are the more party style thrash with annoying to me vocals. The title also defines how we approach our music, which is in a more traditional style and with a serious attitude and dark. I did feel in the mid and late 80s all thrash started to get really good. However, don’t get us wrong, We like to party and thrash and we enjoy listening to some of these bands, but it’s not musically what we feel to express. I will always go home and play Kreator’s “Coma of Souls”. We are not here to follow any trend of modern bands today. Or to reinvent the 80s thrash. Only to bring back the old days of metal with our own redevelopment, attitude, representation and a darker shade of style. This is the music I wanted to play in my early teens. But I thought it was overdue and a thing of the past at that time. A time when the end of 80s thrash was moving towards death metal or hardcore punk. Old school people know what I’m talking about.

Could you to introduce your debut EP, “The Initiation”?
“The Initiation” brings dark, upbeat extreme technical metal based on occultic views and vampirism done with a theatrical twist into imaginative thought and with a blackened death and war metal aggressions. The musical style I believe can be accepted by thrashers, and metal heads of all genres including black metal, punk, even goth, and hardcore.

What goals would you like to achieve with this album?
We intend to bring old school metal to a wider audience with a artistic and imaginative and old world approach.

Do you give a political meaning to your lyrics?
Night Attack has no connection with politics.

What’s about the cover artwork?
The album cover was represented by myself and a friend of mine. We are both equally deep into the occult and dark legends.

You realized in cooperation with Metal Scrap Records your debut EP, are you satisfied with the work done by your label?
I’m very happy with the work and dedicated effort we are getting from our label. They definitely keeps on their toes and have helped us out greatly.

Will you promote on stage the new EP?
Yes, we just performed our first show and got great positive crowd reactions. From what we witnessed, the music is definitely for headbangers and moshers.

That’s all, thanks!
Thanks you, CDs and merch can be found at Nightattack.bandcamp.com and www.facebook.com/nightattackband

Hierophant – Mortem aeternam

Probabilmente gli Hierophant c’hanno impiegato più del previsto per dare un successore a “Mass Grave”, però dalle parole di Fabio Carretti appare subito chiaro che l’attesa non è stata vana, i ravennati, infatti, sono pienamente soddisfatti di “Death Siege” (Season of Mist). E noi non possiamo che condividere questa opinione…

Benvenuto Fabio, “Death Siege”, il vostro quinto full-length uscirà il 26 agosto. Ho letto una dichiarazione di Lorenzo che dice che si tratta del miglior disco degli Hierophant. Cos’ha di più questo disco rispetto ai suoi predecessori?
Ciao Giuseppe. Che dire, non posso che essere d’accordo con Lorenzo: “Death Siege” è il frutto di un’evoluzione durata anni, ed è esattamente il disco che avevamo in testa e volevamo fare da tempo. Se gli ultimi due anni non fossero stati così, sarebbe arrivato molto prima.

Quando avete iniziato a lavorare sui brani avevate già un’idea di massima sul risultato finale?
Assolutamente sì, siamo partiti da un mood (total chaos), che ci ha guidati durante la stesura dei brani. Ad oggi, dopo mesi e mesi di ascolti, personalmente non cambierei una virgola.

In qualche modo avete cambiato il vostro modo comporre e registrare in questa occasione?
Nostro malgrado, sì. Il piano era di metterci a testa bassa sul disco nuovo a inizio 2020, per farlo uscire idealmente appena dopo l’estate ed iniziare la promozione con tour invernali e fest estivi dell’anno successivo, ma ovviamente non è stato possibile. La scrittura dei pezzi è avvenuta al 100% da remoto, ci siamo dovuti far andare bene un qualcosa che non ci appartiene, ma se non c’è soluzione non c’è neanche problema. Il disco andava fatto, e così è stato.

L’EP “Spawned Abortions” in qualche modo vi è servito come “palestra” per “Death Siege”?
Beh sì, ricollegandomi al discorso delle tempistiche fatto sopra, già nel 2018 – anno di uscita del 7″ “Spawned Abortions” – era molto chiaro dove eravamo diretti. Credo che “Death Siege” sia un’evoluzione molto naturale di quello che il sopracitato singolo aveva preannunciato.

Gli avvenimenti nefasti in questi ultimi anni non sono mancati, la pandemia e il ritorno della guerra sul territorio europeo sono solo alcuni degli aspetti che hanno condizionato la nostra vita ultimamente. A livello lirico queste vicissitudini vi hanno influenzato in qualche modo?
Avendo scritto io tutti i testi, credo di poterti rispondere in modo piuttosto esaustivo: no, in nessun modo. Volevamo trasmettere questo tipo di emozioni anche prima, anche perché il disco è pronto già da diverso tempo. Sicuramente gli ultimi due anni non ci hanno fatto cambiare idea, anzi.

Mi pare che in questa occasione avete scelto un approccio grafico differente, almeno per la copertina. Chi è l’autore della cover e cosa significa?
Corretto. Abbiamo voluto dare un taglio più evocativo ed oscuro agli artwork che accompagneranno tutto il periodo di “Death Siege”. L’autore è Abomination Hammer (IG: @abomination.malleo) e in realtà non c’è tanto da dire sul processo creativo dietro all’artwork; chiunque abbia lavorato con degli artisti di talento potrà confermati che il modo migliore per ottenere un risultato eccelso sia comunicare un mood, stabilire qualche idea a grandi linee, e lasciare piena libertà.

Il vostro precedente album, “Mass Grave”, è uscito per Season of Mist, il passaggio a una grande etichetta ha in qualche modo favorito la vostra crescita e la vostra notorietà?
Molte persone hanno un’idea piuttosto sbagliata e lontana dalla realtà riguardo le case discografiche. La label si occupa della produzione, promozione e distribuzione del disco; tutto quello che viene dopo come ad esempio tour, festival o qualsiasi tipo di altra attività relativa alla band è responsabilità di quest’ultima.

Al di là della presenza di un etichetta più o meno influente alle spalle, quanto conta poter girare per poter promuovere un disco e quanto i blocchi dovuti alla pandemia vi hanno danneggiato da questo punto di vista?
Suonare nelle giuste situazioni è l’unica cosa che realmente conta, e non poterlo fare per due anni è stato a dir poco devastante. Come dicevo nella domanda precedente, l’etichetta è piuttosto ininfluente al fine di trovare buoni ingaggi, ma è un discorso generale e ovviamente non legato alla nostra situazione nel dettaglio. Season of Mist sta lavorando molto bene su “Death Siege”, siamo contenti di come stiano andando le cose per ora.

Quali brani di “Death Siege” proporrete dal vivo nelle prossime date?
Se il tempo del set lo permetterà, tutti.




Madvice – Under the burning sky

Questa volta la nostra collaborazione con Metal Underground Music Machine ci ha fatto incontrare i Madvice, autori di recente del secondo album della loro carriera, “Under the Burning Sky” (Nova Era Records).

Benvenuti, vi ho scoperto qualche anno fa in occasione del vostro esordio discografico, “Everything Comes to an End”. Come è stato accolto quel disco da addetti ai lavori e ascoltatori?
Asator: Il nostro “Everything Comes to an End” ha ricevuto molti apprezzamenti da parte dei recensori (recensioni tutte molto positive tranne una). Abbiamo avuto anche un buon incremento di numero di fan, segno che il disco è stato apprezzato anche dal pubblico.
Devo dire che, durante i live di promozione dell’album, abbiamo avuto sempre ottimi riscontri.

Mentre, voi siete ancora soddisfatti di quel disco?
Maddalena: Come tutti i dischi “precedenti” e, soprattutto, come tutti i primi dischi, ci sarebbero mille cose che non faresti più, o che faresti in un altro modo, o che avresti voluto suonare meglio, o che avresti voluto produrre meglio. Ma poi ti rituffi nel contesto e nel periodo nel quale hai fatto quel disco, e ti convinci che non avresti potuto far meglio, semplicemente perché in quel momento era così che doveva venir fuori, per tutta una serie di motivi. Abbiamo voluto fortemente quel disco, nonostante le nostre disillusioni musicali e la stanchezza nei confronti delle attuali dinamiche del mondo underground, contornate da una serie di difficoltà nel portarlo a termine, vogliamo particolarmente bene ad “Everything Comes to an End” e sì, ne siamo ancora molto soddisfatti!

Quanto siete cambiati voi come persone in questi anni, non proprio semplici, e quanto questo ha influito sulla band?
Maddalena: Purtroppo, situazioni come quella che abbiamo vissuto e che ancora stiamo in parte vivendo, non possono non lasciare tracce negative. Volendo rimanere in tema musicale, tanti gruppi non hanno resistito e si sono sbriciolati, ma fortunatamente noi siamo riusciti a non farci scalfire troppo da questa cosa, e abbiamo portato avanti lo stesso i nostri programmi, seppur con ovvio ritardo. Non aveva senso pubblicare un disco quando si aveva la certezza di non poter suonare dal vivo, e quindi abbiamo aspettato pazientemente.

“Under the Burning Sky” è il titolo scelto per il vostro ritorno: che significato date a queste parole?
Asator: “Under the Burning Sky” è un album incentrato sulla ribellione di Lucifero e sul fallimento della razza umana e la sua conseguente estinzione. Il cielo che arde è il preludio della guerra per detronizzare Dio e annientare la sua creazione preferita. L’uomo è visto come un parassita di madre Terra, per questo deve sparire.

Come sono nati i nuovi brani?
Asator: Le idee principali vengono da Maddalena, che è in tutto e per tutto la nostra mastermind. Oltre a scrivere i riff portanti, pensa già ad una struttura e ha sempre ben chiaro come deve suonare il pezzo. Generalmente ci propone già una base strumentale strutturata e comprensiva di batteria, per darci un’idea di ciò che ha in mente. Dopodiché io mi occupo delle voci e delle lyric e ognuno pensa all’arrangiamento del proprio strumento.

La copertina, disegnata da Toderico, ha dei toni molto oscuri, quasi in contrasto con il bianco dominate del predecessore. Ha un significato particolare questa scelta oppure avete lasciato libera scelta a Roberto?
Asator: Quando è stato il momento di pensare a una copertina, mi sono fatto una bella chiacchierata con Roberto per spiegargli di cosa parlavano le lyric e per fargli capire l’atmosfera che volevamo ottenere. Tutto il resto è farina del suo sacco, noi gli abbiamo dato carta bianca e lui non ci ha deluso!

“Quelli uguali non contano” salta all’occhio nella tracklist per il titolo in italiano, che mi dite di questo brano?
Maddalena: “La lunghezza effettiva della vita è data dal numero di giorni diversi che un individuo riesce a vivere. Quelli uguali non contano”, citazione dell’immenso Luciano De Crescenzo. Cercavamo un titolo insolito, per un brano insolito; quel pezzo è uno strumentale di circa due minuti partorito da Raffaele (Lanzuise, bassista), e proprio a lui è venuta l’idea di omaggiare De Crescenzo dedicandogli il titolo.

Ci sono dei pezzi che avete escluso, invece, dalla tracklist definitiva?
Maddalena: No, nella nostra fase compositiva, ad un certo punto, abbiamo deciso di fermarci e di concentrarci sulla produzione vera e propria dei pezzi. Abbiamo pensato che fosse meglio fare un disco più breve, più leggero e digeribile (termini poco adatti ad un disco death metal, ma rendono l’idea). Meglio lasciare l’ascoltatore con la voglia di averne ancora un po’ che rischiare una ridondanza.

Promuoverete il disco dal vivo?
Asator: In realtà abbiamo già iniziato a promuovere il disco suonando dal vivo. Non abbiamo la palla di cristallo e non possiamo sapere cosa succederà nel prossimo futuro tra guerra e pandemia, quello che posso dirti è che, situazione mondiale permettendo, abbiamo intenzione di fare tutti i concerti che possiamo nei prossimi mesi!

Brutality – Sempiternity

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

I Brutality sono giunti al canto del cigno? Forse sì, forse no… Nemmeno Scott Reigel ci ha chiarito quale sia la vera natura di “Sempiternity” (Emanzipation Productions), il nuovo album che raccoglie brani inediti, nuove versioni di vecchie canzoni e tracce live.

Ciao Scott, che posto occupa il nuovo album “Sempiternity” nella vostra discografia? Dovremmo considerarlo una compilation, un album dal vivo o il vostro canto del cigno?
Per me è il nostro quinto album. Non la considero una compilation, un album dal vivo e per ora non siamo sicuri se questo sarà l’ultimo nostro disco che i nostri fan ascolteranno!

Che ruolo ha giocato Michael H. Andersen, l’A&R dell’Emanzipation Productions, nella realizzazione di questo disco?
Lavoriamo con Michael da diversi anni. Ha sempre voluto fare un album con noi. Dopo che ci siamo sciolti nel 2020, è venuto da noi e ci ha chiesto se c’era del materiale che potevamo pubblicare come possibile “Swan Song”. Così nato “Sempiternity”!

Le due nuove canzoni dell’album sono “Orchestrated Devastation” e “Fluent In Silence”, come sono nate queste tracce?
Abbiamo lavorato su queste tracce per anni per inserirle in un full-length. Queste due tracce erano le più complete e quelle che sentivamo che si adattavano al meglio a ciò che siamo oggi.

Quanto è difficile rimettere insieme una band dopo una lunga pausa, anche solo per registrare due nuove tracce?
Siamo tutti amici da oltre 30 anni, quindi non è stato difficile stare insieme e preparare queste canzoni in studio. Quando stiamo tutti insieme, la musica scorre semplicemente fuori di noi in modo spontaneo.

“Crushed” e “Artistic Butchery” sono state ri-registrati, fino ad ora erano disponibili solo su un EP limitato autoprodotto dalla band uscito nel 2018. Quali sono le differenze tra queste nuove versioni e le originali?
Le canzoni sono sostanzialmente le stesse tranne per il fatto che Ronnie Pamer ha suonato la batteria e Jay Fernandez si è occupato delle chitarre in entrambe le canzoni. Li abbiamo registrati per divertimento un fine settimana negli studios di Jarrett Pritchards su un registratore analogico da 2 pollici che aveva acquistato. Poi abbiamo deciso di pubblicarle in vinile per i nostri fan.

Le ultime quattro tracce (“These Walls Shall Be Your Grave”, “Cries Of The Forsaken”, “Cryptorium” e “48 To 52”) sono state registrate dal vivo al Maryland Deathfest nel maggio 2019. Perché avete scelto queste quattro canzoni?
Il nostro set quella sera aveva una durata limitata, quindi abbiamo usato le tracce che ritenevamo suonassero al meglio. Ci sono ancora alcune registrazioni di quella notte, ma avevamo già deciso di usare delle versioni ri-registrate per questo album. Forse in futuro le pubblicheremo per farle ascoltare ai fan.

Che ricordi hai del concerto in cui sono stati registrati?
È stato un grande spettacolo con molti fan e feedback positivi. Probabilmente una delle nostre migliori esibizioni dal vivo nella nostra carriera di oltre 30 anni! Presentavamo una formazione particolarmente sul palco quella notte. Penso che i fan lo avvertiranno nell’album quando lo ascolteranno!

Senza i Brutality, pensi di unirti a un altro progetto o di fondare una nuova band?
In realtà sto lavorando a un progetto parallelo che per ora si chiama Primal Drift e ho intenzione di pubblicare un album completo nel 2023. Aggiornerò i fan man mano che le cose andranno avanti!

Grazie per l’intervista, vuoi salutare i fan di Brutality con un addio o un arrivederci?
Vorremmo ringraziare tutti i nostri fan in tutto il mondo che sono rimasti con noi durante i nostri alti e bassi. Abbiamo i fan più devoti del metal! Stay Brtual!

Have Brutality come to swan song? Maybe yes, maybe not … Not even Scott Reigel has clarified the true nature of “Sempiternity” (Emanzipation Productions), the new album that collects unreleased titles, new versions of past songs and live tracks.

Hi Scott, what place does the new album “Sempiternity” occupy in your discography? Should we consider it a compilation, a live album or a swansong?
Well for me it is our 5th album. I don’t consider it a compilation, live album and for now we are not sure if this is the last our fans will hear from us!

What role did Michael H. Andersen, Emanzipation Productions A&R, play in the making of this record?
We have been working with Michael for several years. He always wanted to do a album with us. After we disbanded in 2020 he came to us and asked if there was any material we had we could we release as a possible Swan Song. “Sempiternity” was born!!!

The two new songs on the album are “Orchestrated Devastation” and “Fluent In Silence”, how are born these tracks?
We had been working on these tracks for years for a full length album. These 2 tracks were the most complete and the ones that we felt and best fit who we are today.

How hard is it to put a band back together after a long hiatus, even if just to record two new tracks?
We all have been friends for over 30 years so it wasn’t hard to get together and get these songs ready for the studio. When we are all together the music simply flows out of us organically.

Crushed” and “Artistic Butchery” were re-recorded in 2018, and only available until now in a limited 7” EP self-released by the band. What are the differences between these new versions and the originals?
The songs are basically the same except Ronnie Pamer is on drums and Jay Fernandez is on guitar playing all the parts on both songs. We recorded them for fun one weekend at Jarrett Pritchards studio on a 2in analog tape machine he had purchased. Then we decided to release it on vinyl for our fans.

The last four tracks (“These Walls Shall Be Your Grave”, “Cries Of The Forsaken”, “Cryptorium” and “48 To 52”) were recorded live at the Maryland Deathfest in May 2019. Why did you choose these four tracks?
Our set that night was only a certain of time length so we used the tracks we felt sounded the best that night. There are a few more tracks from that night but we were already using them from the re-recorded songs we were putting on this album. Perhaps in the future we will release them for fans to hear.

What memories do you have of the concert in which they were recorded?
It was a great show with lots of fans and positive feed back. Probably one of our best live performances in our 30 career! This line up was ferocious on stage that night. I think fans will hear that on the album when they listen to it!

Without Brutality, do you think you merge another project or join a new band?
I’m actually working on a side project now called Primal Drift and plan on releasing a full length album 2023. I will be updating fans as it progresses!

Thanks for the interview, do you want to greet Brutality fans with a farewell or a goodbye?
We would like to thank all of our fans world wide that have stuck with us through all our ups and downs. We have the most dedicated fans in metal! Stay Brutal!

Deathcrush – Il regno del serpente

Dopo la parentesi live album, “Spreading the Pest”, i Deathcrush tornano con un disco di inediti, “Under Serpents Reign”, uscito per la Time To Kill Records lo scorso 26 aprile.

Ciao ragazzi, nel 2019, poco prima che la pandemia bloccasse tutto, in particolare i concerti, avete pubblicato in modo quasi “profetico” un live album, “Spreading the Pest”. Come è andato quel disco?
Ciao! Si, in effetti il titolo è stato davvero “profetico” perché come hai detto è uscito appena prima che il covid bloccasse tutte le attività live ed il mondo in generale. In realtà, la decisione di intitolare il nostro primo live in quel modo deriva dal fatto che è stato registrato in Polonia durante il nostro ultimo tour, chiamato appunto Spreading The Pest Over Europe. La performance è stata registrata al Rudeboy Club. In seguito abbiamo girato tutto alla nostra precedente label che assieme ad altre etichette italiane ha voluto produrre un live album in edizione speciale con alcuni inserti all’interno. Devo dire che, nonostante il culto del live album si sia un po’ perso negli anni, questa nostra release è andata abbastanza bene.

Ora, quando pare che le cose in ambito live stiano per tornare alla normalità, avete pubblicato il vostro nuovo full-length, “Under Serpents Reign”. In qualche modo la cattività causata dal Covid ne ha influenzato il contenuto?
Più che altro ci siamo dati da fare e abbiamo sfruttato la situazione a nostro vantaggio. Tendiamo sempre a vedere il lato positivo delle cose, di conseguenza abbiamo tramutato questa pausa forzata in più tempo per lavorare. Ci siamo dedicati con molta più cura a tutti gli accorgimenti e ai dettagli, in particolare siamo stati estremamente minuziosi sugli arrangiamenti di ogni singolo pezzo per produrre un album che ci rispecchiasse al 100%. Saremmo dovuti entrare in studio già dopo la prima fase della pandemia, ma poi ci ha bloccati la seconda ondata. Quindi, consapevoli e forti anche di tutto il lavoro fatto a priori, va da sé che appena è stato possibile siamo entrati in studio carichi e determinati come non mai.

Da un punto di vista stilistico, come si pone “Under Serpents Reign”? Dà in un certo senso continuità alla vostra produzione o rappresenta uno snodo verso nuove soluzioni?
“Under Serpents Reign” è senza ombra di dubbio il nostro miglior album sino ad ora. Come ti dicevo, abbiamo curato tutto nei minimi dettagli, artwork, liriche e produzione in senso lato. Non a caso abbiamo voluto e avuto l’onore di lavorare con professionisti che seguiamo e stimiamo da anni. In questo lavoro c’è tutta la nostra anima. L’album presenta alcune soluzioni innovative rispetto al passato e certamente ci saranno delle sorprese, ma siamo comunque rimasti fedeli al nostro trade-mark musicale e stilistico.

Avete già testato dal vivo i nuovi brani?
Ancora no, anche se abbiamo già ricevuto proposte per alcune date in Sardegna. Stiamo aspettando che il pubblico riceva e ascolti l’album, poi partiremo in tour per tutta l’Europa. Abbiamo già provato le nuove song varie volte e ti posso assicurare che sono davvero violente dal vivo.


In passato avete girato parecchio, soprattutto nell’Europa dell’Est, pensata che il conflitto Russo-Ucraino possa in qualche modo penalizzarvi?
Visitare l’Est Europa è stata un’esperienza davvero fantastica, sia a livello professionale, perché abbiamo suonato in posti davvero fighi, sia personale perché abbiamo girato città e luoghi in cui si respira storia in ogni angolo. Avevamo parecchie proposte di live in quelle zone oltre a un tour in Russia. Ci dispiace molto non poter suonare lì vista la situazione attuale. Speriamo
che in futuro si possa realizzare il tutto.

Quello che non mi pare mutato è l’approccio lirico, di cosa parlano i testi?
No, le liriche non sono mutate. Consideriamo l’ingerenza della religione nel nostro paese un’oppressione anacronistica che vincola le menti e ogni aspetto della società tutta a uno stato di strisciante regresso. I nostri testi sono vero e proprio veleno stracolmo di ribellione verso i falsi
profeti e ogni aspetto che riguarda la Chiesa così come qualsiasi autorità o istituzione religiosa.

Il serpente richiamato nel titolo chi o casa rappresenta?
Il serpente che si morde la coda è sempre stata una figura che ci ha attratto. Considerando il titolo e l’artwork dell’album non potevamo non inserirlo in prima linea. Rappresenta il ciclo del potere che si rigenera divorando se stesso, è l’energia universale che si consuma e si rinnova continuamente. Non c’è nascita senza morte, non c’è creazione senza distruzione, per parafrasare i Nile. Il serpente simboleggia l’unità, la totalità del mondo e l’eternità. E’ una figura
che rappresenta al meglio il modo in cui Deathcrush concepiscono il male.

La copertina è splendida, chi l’ha realizzata?
La copertina è stata dipinta a mano da Paolo Girardi che ha creato un vero e proprio capolavoro. E’ sempre stato un sogno avere una sua opera realizzata appositamente per un nostro album perché stimiamo e seguiamo Paolo da tanti anni, per cui non possiamo che essere onorati. Tra l’altro ha fatto davvero un lavoro maestoso che rappresenta fedelmente lo spirito dell’album
sia musicalmente sia a livello di tematiche trattate nei testi.

In conclusione, quali obbiettivi vorreste realizzare con “Under Serpents Reign”?
“Under Serpents Reign” è già partito bene, abbiamo firmato con la Time To Kill e siamo davvero soddisfatti del lavoro superbo che stanno facendo. I pre-orders dell’album stanno andando benissimo ed abbiamo tante belle news da annunciare a tempo debito, ma vi assicuro che sono davvero delle grandi cose. Volevamo chiudere l’intervista ringraziandovi per lo spazio e per l’interesse dimostratoci. Rimanete aggiornati. AVE SERPENTS!

Speckmann Project – Fiends of Emptiness

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

Dopo tre decenni, il primo album degli Speckmann Project (1991) resta un capolavoro per gli amanti del death metal di tutto il mondo! Speckmann Project ritorna con un secondo album, intitolato “Fiends Of Emptiness” (Emanzipation Productions), scritto da Rogga Johansson (Paganizer, Johansson & Speckmann, Massacre, Necrogod, Ribspreader) con Paul Speckmann che si è occupato di tutti i testi.

Ciao Paul, vivi in ​​Europa da alcuni anni, cosa provi in questi giorni in cui la guerra è tornata qui in nel Vecchio Continente?
La guerra non è mai una buona cosa. Certo, Putin è un megalomane, e non certo il primo! Tutto quello che possiamo fare in questo momento è guardare e aspettare perché nessuno desidera davvero la terza guerra mondiale! Sono anni che scrivo canzoni su politici e governi pazzi, ma vedere queste cose diventare realtà è certamente terrificante! Politici e governi hanno troppo potere su tutti! È tempo di sottomettere i politici!

Quando hai capito che era giunto il momento di pubblicare un nuovo album con il moniker Speckmann Project?
L’idea è venuta da Rogga con il quale ho pubblicato cinque album come Johansson-Speckmann e molte di queste registrazioni sono passate inosservate. È davvero un peccato, dato che abbiamo registrato degli ottimi dischi insieme! Rogga mi ha detto che un disco con il logo Speckmann avrebbe avuto maggiori possibilità di essere ascoltato, ho accolto con entusiasmo questa idea, e sembra che effettivamente ci sia già più interesse per questa pubblicazione!

Pensi che questo album sia paragonabile in qualche modo al debutto, “Speckmann Project”?
È completamente diverso, con scariche di energia brevi, veloci e aggressive! La prima uscita aveva tracce più lunghe. Questa nuova versione va dritta al punto.

Pensi che ci siano differenze tra Speckmann Project e Master?
Ovviamente, di solito scrivo tutta la musica per la band, mentre per “Fiends of Emptiness” se ne è occupato esclusivamente Rogga! Ancora una volta si è trattato di una grande collaborazione! Mi piace lavorare con Mr. Johansson! Per quanto riguarda il primo Speckmann Project, ho scritto la maggior parte delle tracce, ma c’erano anche alcune grandi parti din Jim Martinelli!

La musica è stata scritta da Rogga, i testi da te: cosa hai provato quando hai ascoltato le nuove canzoni per la prima volta? Erano i riff che ti aspettavi per Speckmann Project?
Per nulla, scriviamo in modo diverso l’uno dall’altro! Posso spiegare come ha funzionato: Rogga mi ha inviato due tracce e mi ha chiesto se mi piaceva quello che avevo sentito. Fondamentalmente ha detto che si trattava di old school e che scriveva solo un po’ di punk, in stile death metal primordiale, secondo lui! In realtà, ho scritto i testi per la prime traccia in circa 10 minuti, seguite dalla seconda più tardi la sera. Sono andato in studio e ho registrato la voce e l’ho inviata ai ragazzi per la loro opinione. Hanno convenuto che si trattava di killer song e hanno iniziato a scrivere più canzoni e a inviarmele! Non mi ci vuole molto a scrivere i testi se le canzoni sono già killer! Un punto importante che devo sottolineare è che ho buttato giù tutti i testi per questa uscita, così come per la prossima del J-S, durante una positività di 7 settimane per Covid! E’ accaduto nel 2020! L’ho scoperto solo 4 mesi fa, dopo un esame del sangue per qualcosa di non correlato!

Che mi dici dei testi?
I testi vengono sempre scritti in un certo momento e in un certo luogo della storia, quindi nulla è cambiato in questa disamina, amico mio! Il mondo intorno a noi è un’ottima guida per i testi!

La copertina del nuovo album si ispira all’artwork del primo: dopo tutti questi anni sei cambiato di più come uomo o come musicista?
Entrambi, scrivo i testi più velocemente, e ovviamente sono invecchiato come fanno tutti, ho 58 anni e viaggio ancora per il mondo! Non si può certo dire che lo facciano ancora tutti nel giro!

Guardando indietro, sei soddisfatto della tua carriera con il Master?
Una domanda un po’ bizzarra, i Master e tutti i miei progetti mi hanno portato in giro per il mondo innumerevoli volte, e sono riuscito a guadagnarmi da vivere con la mia musica: per alcuni è un hobby, per me è uno stile di vita!

Sei sicuramente uno dei pionieri del metal estremo, ma ti consideri il padre del death metal?
Ci sono molti persone che possono rivendicare il titolo, ma di certo io ci sono stato dall’inizio. “Fuckin’ Death” dei Deathstrike è stato registrato nella primavera del 1985, direi che questo possa bastare!

After three decades, first Speckmann Project album (1991) is a masterpiece for the death metal lovers around the world! Speckmann Project returns with a sophomore album entitled “Fiends Of Emptiness” (Emanzipation Productions), written by Rogga Johansson (Paganizer, Johansson & Speckmann, Massacre, Necrogod, Ribspreader) while Paul Speckmann has penned all of the lyrics.

Hi Paul, you have been living in Europe for some years, how do you feel in these hard days when the war is back here in Europe?
War is never a good thing. Of course, Putin is a megalomaniac, and certainly not the first! All we can do is watch and wait at the moment as no one including yours truly, wants to see World War 3! I have been writing songs about politicians and crazy governments for years, but to see these things become a reality is certainly terrifying! Politicians and governments have too much power over everyone! It’s time to subdue the politicians!

When did you understand that was the time release a new album under the moniker of Speckmann Project?
The idea came from Rogga as he and I have released 5 recordings together as Johansson-Speckmann and many of these recordings have slipped by un-noticed. It’s really quite a shame, as we have recorded some excellent records together! Rogga said to me that a record under the Speckmann moniker would have a better chance of being heard, so I went along with this idea, and it seems that yes, there is more interest in this release already!

How do you think this album compares to your debut, “Speckmann Project”?
It’s completely different, with short, fast, aggressive bursts of energy! The first release had longer drawn out tracks. This new release gets right to the point.

What do you think separates Speckmann Project from Master?
That’s obvious, I write all the music for the bands normally, and this time Rogga wrote the music for the “Fiends of Emptiness”! It’s a great collaboration once again! I enjoy working with Mr. Johansson! As for the first Speckmann Project, I wrote the biggest majority of the tracks, but there were also a few great collaborations with Jim Martinelli back in the day!

The music was written by Rogga, lyrics by you: What did you feel when you listen to the new songs for the first time? Were riffs you’ve come to expect by Speckmann Project?
Not at all we write differently from one another! I can explain how it worked. Rogga sent 2 tracks to me and asked if I liked what I heard. He basically said this was old school writing just simple punky, Death Metal style from the early beginnings of the genre in his opinion! I actually wrote the lyrics for the first tracks in about 10 minutes followed by the 2nd track later in the evening. I went to the studio and recorded the vocals and sent them to the guys for their opinion. The agreed that the tracks were killer and they began to write more songs and send them to me like always! It doesn’t really take long to write lyrics for me if the songs are killer already! An important point I need to make was that I recorded all the lyrics for this release as well as the next J-S release during a 7-week bout with Covid! This was back in 2020! I only found out about it 4 months ago after a blood test for something non-related!

What’s about lyrics?
Lyrics are always written around a time and place in history, so nothing has changed at all in this retrospect my friend! The world around us is a great map for lyrics!

The new album cover is inspired by the artwork of the first one: after all these years have you changed more as a man or as a musician?
Both, I write lyrics faster, and of course I have aged as everyone does, I am 58 years old, and still bringing it to the world!  It cannot be said for everyone still in the genre!

Looking back, are you satisfied of your career with Master?
A bit of a silly question, Master and all my projects have taken me across the globe countless times, and I have managed to make a living off my music, as for some it’s a hobby, for me it’s a way of life!

You are definitely one of the pioneers of extreme metal, but do you look at yourself as the father of death metal?
There are many fellas that can claim the title, but I certainly have been around since the inception of the genre. Deathstrike “Fuckin’ Death”, was recorded in the spring 1985, enough said!

Vito Marchese – The witness marks

I Novembers Doom sono una delle più importanti band doom statunitensi. Nati a Chicago nel 1992, fino ad oggi hanno realizzato 11 album nell’arco di una carriera incredibile. Vito Marchese, chitarrista di questa fantastica band, ci ha parlato della sua musica, dei Novembers Doom e dell’odierna industria musicale metal…

Ciao Vito, benvenuto su Il Raglio del Mulo, è un piacere di averti qui. Come è iniziata la tua avventura nel metal?
Ciao, Luis e Il Raglio del Mulo. Grazie per avermi fatto questa intervista! Mi sono avvicinato alla musica rock per la prima volta quando avevo circa 9 o 10 anni e ho sentito i Rush. Lì è iniziato il mio viaggio musicale, poco dopo ho scoperto il “Black Album” dei Metallica, questo mi ha fatto venire voglia di suonare la chitarra. Ho iniziato a imparare ogni riff dei Metallica che potevo e ho passato ore e ore al giorno a esercitarmi. Un paio di anni incontravo la scena rock/grunge alternativa degli anni ’90, cosa che ha portato nuovi elementi nel mio modo di suonare. Poi ho sentito il metal estremo per la prima e da quel momento i miei gusti musicali hanno continuato a diventare sempre più pesanti. Stavo cercando di imparare il più possibile da tutti i tipi di rock e metal. All’età di 20 anni, mi è stato chiesto di fare un provino per i Novembers Doom, il che è stato piuttosto pazzesco. Ero un grande fan della band, quindi è stato un grande shock per me.

Com’è fare metal in Europa, cosa significa far parte di una grande band come Novembers Doom?
Esibirmi dal vivo in Europa era un mio sogno e sono così contento di averlo potuto fare con i Novembers Doom. I fan europei sono fantastici e ci danno sempre il benvenuto ovunque andiamo. Alcuni dei miei ricordi ed esperienze preferite della mia vita sono legati ai tour in Europa.

Hai mai pensato di mollare tutto per tornare a una vita normale?
Non credo che smetterò mai di fare musica per tornare a una vita “normale”, anche perché la mia vita è comunque abbastanza “normale”! Sono semplicemente fortunato perché a volte posso andare a suonare concerti incredibili in diverse parti del mondo.

Quali sono i principali problemi che devono affrontare le band all’interno della ormai satura scena metal?
Penso che il problema principale che le band devono affrontare ora sia cercare di convincere la gente a prestare loro attenzione. Ci sono così tante band e musicisti che cercano di farti ascoltare la loro musica o guardare i loro video che a volte può essere davvero troppo: è difficile far emergere la tua band dal resto! Un altro problema è che le persone tendono ad avere una bassa soglia di attenzione, ciò significa che potrebbero ascoltarti per una settimana e poi dimenticarti e magari passare alla cosa successiva. Fortunatamente per noi, i Novembers Doom hanno una fedele fanbase che ci ha supportato nel corso degli anni.

Secondo te, cos’è che impedisce la crescita di una band underground?
Penso che l’underground sarà sempre l’underground, il che è sia una cosa negativa che una buona. È brutto perché le persone non presteranno sempre attenzione a cose che non sono nel mondo della musica mainstream, ecc, la cosa buona dell’underground è che fa sentire le persone e le band che ne fanno parte legate tra loro perché hanno qualcosa di speciale in comune. È molto difficile guadagnare facendo musica al giorno d’oggi, specialmente nell’underground. Non c’è neanche bisogno di tirare in ballo il Covid, che con i suoi blocchi ai tour, perché già da prima le persone molto raramente compravano musica. Tutto è sui siti di streaming, con pochi soldi che vanno agli artisti. Penso che le band debbano iniziare a cercare altre entrate, realizzando prodotti o offrendo servizi ai fan e ad altre band.

Le piattaforme, quindi, sono più una maledizione che una benedizione per le band?
Penso che avere accesso alle piattaforme di musica digitale sia al contempo una benedizione e una maledizione. È una benedizione perché ora è facile per le persone avere un posto dove ascoltare la musica, hai accesso praticamente a tutta la musica mai fatta sul tuo telefono o sul tuo computer. Lo svantaggio di tutto questo è che ora le persone sono portate a pensare di non aver bisogno di pagare per la musica o pensano di supportare sufficientemente band e artisti semplicemente ascoltando in streaming la loro musica. Questo aiuta, ma le entrate sono state drasticamente ridotte. Inoltre, ora che ogni band può diffondere la propria musica sulle piattaforme di streaming, non importa quanto sia buona o cattiva, è molto difficile farsi notare senza che tu sbatta costantemente il tuo nome in faccia alle persone.

Per quella che è la tua esperienza, una band underground può avere successo solo se ha una grande etichetta alle spalle o può farne a meno sfruttando al meglio i social?
Penso che questo dipenda dalla band. Puoi assolutamente farcela senza un’etichetta discografica, ma devi avere buone basi di marketing per poter raccogliere i soldi necessari per le registrazioni e per la pubblicità, ecc. Può essere molto difficile e opprimente dover pubblicare una miriade di post sui social media ogni giorno per mantenere alta l’attenzione sulla tua band. Senza dimenticare che devi preoccuparti, allo stesso tempo, di creare nuova musica. Avere un’etichetta discografica è fantastico perché c’è un team che può aiutarti a fare tutto mentre tu ti concentri solo sulla musica. Noi siamo fortunati ad avere la Prophecy Productions come nostra etichetta discografica, si prende molta cura di noi.

Cosa pensi che debba cambiare urgentemente nell’industria musicale?
Penso che ci siano molte cose che devono cambiare, ma non so se sarà possibile cambiarle a breve. Come ho detto prima, i siti di streaming hanno reso troppo facile per le persone pensare di non dover pagare per la musica. Questo ovviamente danneggia le band e la loro capacità di continuare a fare quello che stanno facendo. Cercare di usare i social media per convincere le persone a prestare attenzione alla tua band è super difficile. La maggior parte delle volte devi spendere soldi affinché i tuoi post raggiungano tutti i tuoi follower. E i social media non mostreranno le tue cose alle persone se stai cercando di convincerle a lasciare la loro piattaforma, pubblicare qualcosa con un link esterno dal quale le persone possono acquistare le tue cose è difficile. Magari qualcuno che ha miliardi di dollari ed è un grande fan della musica underground un giorno creerà una nuova piattaforma che aiuti le band a promuoversi gratuitamente, dove vendere prodotti fisici senza prendere alcun tipo di denaro per questo.

Torniamo alla tua carriera, a quali altri progetti, oltre ai Novembers Doom, hai contribuito?
Finora ho registrato sette a full con i Novembers Doom, ho fatto un album con i Divinity Compromised, attivi dal 2009, ma non sono più in quella band. Ho un progetto strumentale post-rock/metal chiamato The Kahless Clone e finora abbiamo fatto due EP. Ho registrato anche un paio di parti di chitarra come ospite in alcuni dischi, gli ultimi dei quali per i Myrkgand dal Brasile/Portogallo e i Dismal dal Paraguay.

Cosa ti spinge a fare metal?
Creare musica metal è qualcosa che mi viene naturale ogni volta che mi siedo con una chitarra in mano. Ovviamente scrivo anche cose che non sono metal, ma la maggior parte delle volte è metal. Posso trarre ispirazione dalle colonne sonore di film, da qualcosa che un’altra band ha scritto o semplicemente stando in una stanza e suonare con i membri della mia band. Mi dà molte più soddisfazioni scrivere metal che altri generi musicali.

Qual è il sogno che non hai ancora realizzato ma per il quale stai lavorando duramente?
In questo momento mi sto concentrando sull’avviamento della mia attività di libri di tablature per chitarra che ho chiamato Resistance HQ Publishing. Ho iniziato questa attività per i Novembers Doom, poi sono passato anche quelli di altre band. Il mio sogno è riuscire a rendere questo business abbastanza grande da poter scrivere libri per molti tipi diversi di band e artisti. La maggior parte del mio tempo lo dedico al lavoro e alla creazione di nuova musica.

Over a Barrel – Ferite autoinflitte

Luca Cocconi (The Modern Age Slavery, Browbeat) e Imer Bigi (Ex-Dark Lunacy) sono tornati a lavorare insieme come ai tempi dei Biotech (un paio di demo e un EP, “New World Disorder”, pubblicati verso al fine del secolo scorso). Un death metal ruvido e aggressivo, quello contenuto in “Self-Inflicted Wounds” (Neecee Agency), una vera e propria di valvola di sfogo per il duo durante la cattività imposta dal Covid.

Benvenuto Luca , verrebbe da dire che avete trasformato un momento di crisi come la pandemia in un’opportunità, dando vita a una nuova band, gli Over a Barrel: ti andrebbe di spiegare nel dettaglio come sono andate le cose?
Gli Over a Barrel sono l’unione di due amici con una grande passione per tutto quello che suona estremo che cercano di trasformare questa passione in musica. Sia io che Imer ci conosciamo da tantissimo tempo e abbiamo suonato insieme nella nostra prima band i Biotech dal 1992 al 2000. Durante l’inizio della pandemia Imer aveva alcune idee registrare e dopo avermele inviate mi ha proposto di formare questo progetto che ho trovato fin da subito interessante, data anche la nostra amicizia. Quindi abbiamo cominciato a scrivere e arrangiare le canzoni e successivamente siamo entrati all’Audiocore Studio per registrare “Self-Inflicted Wounds”.

La band nasce come duo ed esordisce come tale con “Self-Inflicted Wounds”, ma avete mai pensato di coinvolgere altri musicisti nel progetto?
Per il momento non abbiamo intenzione in fase di scrittura di coinvolgere altri musicisti. Abbiamo gusti musicali molto affini e questo ci ha portato ad avere idee molto chiare sulla composizione dei pezzi e sul sound che doveva avere questo progetto. Però non siamo persone con i paraocchi e se ci fosse la possibilità di coinvolgere in futuro musicisti che possano portare nuove idee per far crescere e migliorare la band ben vengano!

Avete ambizioni live per gli Over a Barrel?
Assolutamente sì! E’ nostra intenzione farlo il più possibile perché oltre a divertirsi è un ottimo modo per promuovere la tua musica. Vista la situazione speriamo che si possa ritornare a suonare al più presto e che la gente possa andare ai concerti a divertirsi!

Cosa vi siete portati dietro, dalle vostre band precedenti, negli Over a Barrel?
Grazie alle precedenti e attuali band ci siamo fatti molta esperienza, visto che suoniamo da molti anni e abbiamo fatto numerosi concerti sia in Italia che all’estero. Un altro fattore importante, anzi direi fondamentale, è la nostra amicizia! Ci conosciamo da molto tempo e questo ha creato un ottimo feeling musicale e umano che ci permette di lavorare senza grossi problemi e confrontarci in maniera costruttiva!

Invece, questo duo cosa vi ha permesso di sperimentare di nuovo?
Gli Over A Barrel non sono una band che dice “faccio questo perché adesso va di più una cosa rispetto ad un altra”, ma cerchiamo invece di mantenere la nostra attitudine e portare avanti la nostra idea di musica. Semplicemente suoniamo quello che ci piace cercando di farlo al meglio possibile senza seguire le mode. Il disco è stato concepito così, in maniera naturale, e spero che questa genuinità venga percepita dall’ascoltatore.

C’è un brano che possiamo ritenere il più rappresentativo del vostro sound?
Penso che “Distrused Victims” sia il brano più rappresentativo dell’album perché rispecchia in pieno ciò che sono gli Over A Barrel, ovvero un potente mix di velocità e groove il tutto condito dal sound marcio e crudo dell’Hm2! E’ stato strutturato con una dimensione che parte molto brutale e veloce per poi passare ad una parte più pesante e cadenzata. Piccolo spoiler: tra qualche settimana gireremo il video di “Distrused Victims”!

Qual è invece quel pezzo che ci ha messo un po’ convincervi prima della sua stesura definitiva?
“Over A Barrel” è stata la canzone su cui abbiamo avuto più difficoltà, perché è stata la prima che abbiamo composto. Volevamo capire come sviluppare il nostro stile, sia dal punto di vista del sound che delle lyric! E’ stata cambiata diverse volte, aggiungendo e togliendo riff, arrangiamenti, metriche vocali ecc.. Questo ci ha fatto capire che direzione prendere per comporre gli altri brani.

Mentre, cosa vi ha spinto a proporre, “Cyberwaste”, la cover dei Fear Factory?
I Fear Factory musicalmente sono molto lontani da noi, ma è una band che rispettiamo, che ascoltiamo sin dai loro primi album e cha abbiamo visto live diverse volte. Abbiamo scelto “Cyberwaste” perché ha un riffing che permette essere reinterpretato al meglio con il nostro stile e il nostro sound.

Avete dei brani non utilizzati per “Self-Inflicted Wounds” che potrebbero finire in un secondo album o in un prossimo Ep?
Per questo album sono stati composti una dozzina di brani, successivamente dopo una cernita abbiamo deciso di utilizzare gli otto che ritenevamo i migliori e di forte impatto. Sinceramente non so se I brani scartati possono essere riutilizzati. Nel caso ci fosse la necessità verranno sicuramente rivisti e sistemati. Personalmente preferisco scriverne altri per continuare a migliorare e crescere musicalmente.

E’ tutto, grazie…
Ti ringraziamo per averci dato questo spazio. Il 18 marzo esce il nostro album di debutto “Self-Inflicted Wounds”. Siamo carichi e eccitati ma allo stesso tempo speranzosi che possa piacere. Noi ci abbiamo messo molto impegno, anima e cuore per ottenere il massimo e spero che tutto questo possa essere percepito anche da chi lo ascolta!

Sign of Death – No compromise

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

Fondati nel febbraio 2019, i Sign of Death sono una nuova band thrash metal tedesca. Nell’ottobre 2021 il gruppo è entrato in studio per registrare il suo primo EP di cinque canzoni, “Revival” (Solid Rock Pr).

Benvenuti, potreste presentare la vostra band ai nostri lettori?
Puggy: Batteria (gruppi preferiti:Trivium, Alter Bridge, Gojira, As I Lay Dying).
Jannis: Chitarra (band preferite: Slayer, Kreator, Exodus, Death e molti altri…).
Oskar: Chitarra, voce (gruppi preferiti: Kreator, Testament, Exodus, Death, Death Angel).
Klaus: Basso (musicisti preferiti: Phil Rudd, Steve Harris, Cliff Burton, Malcom Young, Scott Rockenfield, Steve Di Giorgio, Louis Johnson).

Come definireste il ​​vostro suono?
Fondamentalmente, è thrash metal che a causa del suo stile di canto, suona un po’ come death metal. La band è anche influenzata da realtà americane come Slayer, Testament, Exodus e tedesche come Destruction, Kreator, Sodom, ecc.

Ora che “Revival”, il vostro EP di debutto, è uscito qual è il vostro obiettivo?
Raggiungere più persone possibile. Per promuovere i Sign sulla scena metal. Avere il riconoscimento del nostro impegno da parte del pubblico e poter fare un sacco di concerti, sarebbe il nostro più grande successo.

“Revival” è uscito come pubblicazione indipendente, è stata una vostra scelta o non avete trovato una buona etichetta?
In questo momento abbiamo deciso di rilasciare il “Revival” in modo indipendente per mostrare chi siamo, speriamo di avere presto proposte interessanti!

Quali sono le vostre canzoni preferite di “Revival”?
Klaus: “Hope and Dreams”, perché il riff ti taglia le palle.
Jannis: A me piacciono tutte le canzoni, perché ognuna ha il suo stile.
Oskar: Mi piacciono tutte le canzoni di “Revival”, perché nelle nostre song non c’è posto per i riff che non ci piacciono.
Puggy: Tutte le canzoni per me!

Perché avete incluso l’ultima traccia, “Lost”, come bonus?
Perché “Lost” è stato fatta prima che arrivassimo in studio. La canzone è stata registrata e mixata da Oskar e Jannis. Quindi suona un po’ diversa rispetto alle altre!

C’è un messaggio in particolare che sperate che gli ascoltatori traggano dalla tua musica?
Speriamo che gli “Heavy Metal Maniacs” là fuori impazziscano e si divertano ad ascoltare la musica dei “Sign of Death”. Divertiti e godetevi la nostra musica e la vostra vita. Speriamo di diventare una parte importante della vostra vita e, ultimo ma non meno importante, speriamo di vederci là fuori!

Avete già eseguito queste cinque canzoni sul palco?
Sfortunatamente no, a causa della situazione del Corona!

Se poteste collaborare con un altro artista chi sarebbe?
Klaus: Ce ne sono molti là fuori, alcuni di loro sono morti! Mike Howe, dei Metal Church, purtroppo, è morto l’anno scorso – ci manca così tanto! Kurd Vanderhof – Metal Church, Iron Maiden e tanti….
Oskar: Kreator, Testament, Overkill, Death Angel, Exodus e molte altre band thrash metal!
Jannis: Sono d’accordo con Oskar per questa domanda!
Puggy: Mi piacerebbe collaborare con molte band, come As I Lay Dying!

Set up in February 2019, Sign of Death is a new German thrash metal band. In October 2021 group came into the studio to record its first five songs EP, “Revival” (Solid Rock Pr).

Welcome, could you to introduce your band to our readers ?
Puggy: Drums (Favorite bands: Trivium ,Alder Bridge, Gojira, As I Lay Dying).
Jannis: Guitar (Favorite bands: Slayer, Kreator, Exodus, Death and many more…).
Oskar: Guitar, vocals (Favorite band: Kreator, Testament, Exodus, Death, Death Angel).
Klaus: Bass-guitar (Favorite musicians …Phil Rudd ,Steve Harris ,Cliff Burton ,Malcom Young, Scott Rockenfield , Steve Di Giorgio,Louis Johnson…

How would you define your sound ?
Basically, it’s thrash metal, because of he singing style, it sounds a bit like death metal. The band is also influenced by US American bands like Slayer, Testament, Exodus and also German bands like Destruction, Kreator, Sodom etc.

“Revival”, your EP, is out which is your goal with this debut release??
Reach as many people as possible. To promote our own Sign on the metal music scene. The recognition of our effort by the public and the achievement of many good concerts will be our greatest success.

“Revival” is out as independent release your choose or didn’t find a good label?
At this time we decided to release the “Revival” independently to show who we are, we hope to have interesting proposals soon!

Which are your prefer songs from “Revival”?
Klaus: “Hope and Dreams” because the riff cuts off your balls.
Jannis: For me personally I like all the songs,because each one has its own style.
Oskar: I like all the songs from “Revival” because in our songs there is not place for riffs that we don’t like.
Puggy: All songs are good for me!

Why did you include the last track “Lost” as bonus?
Because “Lost” was done before we got in studio.The song was recorded and mixed by Oskar and Jannis. Therefore it sounds a bit different compared to the other songs!

Is there a particular message you hope listeners take from your music ?
Hopefully the “Heavy Metal Maniacs” out there go crazy and have fun listening to the music of Sign of Death. Have fun and enjoy our music and your life, hopefully we become a big part of your life, and last but not least we hope we will see ourselves out there!

Did you already perform these five songs onstage?
Unfortunately not because of Corona situation!

If you could collaborate with another artist who would it be?
Klaus: There a lot out there, a few of them have died! Mike Howe, of Metal Church, unfortunately, died last year – we miss him so much! Kurd Vanderhof, Metal Church, Iron Maiden and so many…
Oskar: Kreator, Testament, Overkill, Death Angel, Exodus, and many other thrash metal bands!
Jannis: I will agree with the Oskar on this question!
Puggy: I would like to collaborate whit lot of bands like As I Lay Dying!