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Tra controllo totale e visione interiore prende forma “The Grotesque Within”, il nuovo lavoro degli Oreyeon, pubblicato da Heavy Psych Sounds. Registrato tra l’Outside Inside Studio e uno spazio domestico trasformato in laboratorio creativo, il disco segna un momento di piena autonomia produttiva e di maturazione espressiva. L’immaginario oscuro e sospeso dialoga con le visioni esistenzialiste di Thomas Ligotti, non come citazione diretta ma come vibrazione sotterranea che attraversa atmosfera e scrittura sonora.
Benvenuti su Il Raglio Del Mulo e complimenti per l’uscita di “The Grotesque Within”, il vostro nuovo album pubblicato da Heavy Psych Sounds. Questo lavoro rappresenta il primo vero disco completamente autoprodotto e segna un passo importante nella vostra evoluzione sonora. Come nasce la scrittura di questo album e in che modo l’autoproduzione totale ha influenzato le scelte artistiche e sonore rispetto ai lavori precedenti?
Andrea: Ciao a tutti, questo album a livello di composizione nasce circa tre anni fa per alcuni brani e si è poi delineato nel 2024. L’idea che man mano si sviluppava era quella di creare una circolarità dei riff più che un continuo susseguirsi degli stessi, a differenza dei precedenti album. Anche se in questo disco ci sono comunque brani come “Nothing But Impurities Pt.1” e “Pt.2” e la title track che sono pur sempre delle suite, nascono da una ricerca di ricorrenza del riff principale senza divagazioni, cercando di concentrarsi sull’idea di base del brano. A differenza del vecchio modo di comporre, in questo caso abbiamo speso molto più tempo soffermandoci su ogni aspetto, riflettendo, cambiando e modificando spesso più volte alcune parti fino a quando non ci soddisfacevano completamente. Il fatto di aver seguito anche la produzione e il mixaggio con Matteo ha influito molto nel creare finalmente quello che avevamo in mente, sia a livello di sonorità sia perché abbiamo avuto molto più tempo da dedicare alle registrazioni, riascoltando più volte e rivedendo molti arrangiamenti. È un processo che ci è piaciuto molto seguire e credo che faremo anche in futuro.
Il riferimento alle atmosfere e alla poetica di Thomas Ligotti è centrale nell’immaginario del disco. In che modo avete tradotto quella visione letteraria in linguaggio musicale senza limitarvi a un semplice richiamo concettuale?
Richard: È stato un processo abbastanza semplice. Avevamo subito in mente e ben delineate le direzioni dei primi brani. Anche i testi si sono sviluppati quasi di pari passo con la creazione dei pezzi. Questo mix di strumentali molto pesanti con una voce più melodica, a tratti quasi amara, capace di esprimere concetti esistenziali quasi insostenibili, ha prodotto un risultato che per noi è stato sin da subito quasi destabilizzante. Ed è proprio questo aspetto che ha delineato gran parte della produzione.
Registrare tra l’Outside Inside Studio e il vostro home studio ha creato un equilibrio tra controllo e spontaneità. Quali sono stati i vantaggi e le difficoltà principali di questo approccio produttivo?
Andrea: Per noi sono stati soprattutto vantaggi. Veniamo dal fatto che abbiamo uno studio utilizzato come sala prove a casa di Matteo ormai da diversi anni e partivamo già da preproduzioni molto strutturate. Abbiamo deciso di registrare la parte ritmica all’Outside Inside Studio per una questione di resa sonora, soprattutto per le batterie. Poi abbiamo registrato tutto il resto con calma nel nostro studio, seguendo i tempi che volevamo. Questo ci ha permesso di concentrarci sui colori che compongono il disco, sugli arrangiamenti, sui synth e sugli esperimenti sonori inseriti nel lavoro. In una situazione con pochi giorni a disposizione in studio non avremmo avuto il tempo materiale per affrontare tutto questo in modo adeguato.
Brani come “Nothing But Impurities Pt.1” e “Pt.2” suggeriscono una continuità narrativa. Come avete deciso di strutturare queste divisioni e quale ruolo giocano all’interno dell’architettura complessiva dell’album?
Matteo: Tutte le tracce dell’album hanno una continuità quasi organica. Personalmente pensiamo che dal primo brano fino all’ultimo, per come abbiamo strutturato la tracklist, sia un unico racconto, come sfogliare un libro. Questo viene rimarcato anche dalle transizioni che legano un brano all’altro. La stessa “Nothing But Impurities” nasceva come un unico brano, poi diviso in due parti per motivi pratici, ma in origine era concepito come un pezzo solo.
Dal punto di vista compositivo, sentite che questo disco spinge ulteriormente verso un territorio più psichedelico e progressivo rispetto a “Equations For The Useless”? Oppure rappresenta una sintesi consapevole del vostro percorso?
Peo: “The Grotesque Within” lo vediamo più come una personalizzazione del nostro sound, qualcosa di più personale. I due album precedenti avevano elementi e brani nati nel corso di diversi anni, soprattutto a cavallo tra un disco e l’altro. Questo invece è nato quasi interamente sotto un’unica idea. Forse per noi è l’album più doom e, se vogliamo, più Grunge, a dispetto della psichedelia e del rock progressivo. È quello che sentiamo più diretto, forse anche un ritorno alle nostre origini.
La vostra formazione nasce da esperienze musicali differenti e progetti paralleli. In che modo queste diverse provenienze continuano a influenzare l’identità degli Oreyeon oggi?
Andrea: Lo fanno costantemente. Siamo quattro persone che arrivano da ascolti e background musicali diversi, e questi aspetti si fondono continuamente. In questo disco c’è stata quasi un’apoteosi di queste differenti influenze.
Nel panorama heavy/stoner/psych contemporaneo, dove vi posizionate artisticamente e cosa credete distingua realmente il vostro suono rispetto ad altre realtà della scena?
Matteo: Sicuramente non cerchiamo un esercizio stilistico fine a sé stesso. Cerchiamo di uscire un po’ da quello che spesso accade in certe nicchie. Vediamo molti progetti — anche molto piacevoli e interessanti — ma spesso molto simili tra loro. Molti in questo periodo stanno accostando il nostro nuovo album a un mix tra grunge e doom e sinceramente, in mezzo a tanti gruppi “stoner” e psichedelici, almeno per noi è una ventata di novità fuori dalla moda del momento. Scelte di questo tipo spesso non si rivelano vincenti, probabilmente ahah, ma fanno parte del nostro percorso.
Ci sono stati momenti durante la lavorazione di “The Grotesque Within” in cui un brano ha cambiato direzione rispetto all’idea iniziale? Se sì, quale traccia ha subito la trasformazione più significativa?
Matteo: Potrei dire quasi tutte. Con questo album abbiamo cambiato le cose in modo quasi perpetuo durante la composizione. Quella che sicuramente ha avuto più modifiche rispetto all’idea iniziale è stata la title track, trasformata nella sua totalità sia nella parte strumentale sia nelle linee vocali rispetto alla versione iniziale.
Dopo questo capitolo che sembra rappresentare una forte maturazione artistica, quali direzioni immaginate per il futuro degli Oreyeon? State già esplorando nuove idee o territori sonori oltre questo album?
Peo: Al momento abbiamo già altri brani in corso d’opera e stiamo ragionando sulla direzione da prendere, come abbiamo sempre fatto. Fortunatamente siamo stati sempre molto prolifici a livello compositivo e abbiamo tonnellate di riff e brani che spesso abbiamo anche scartato. È così anche adesso. Crediamo che ci sarà probabilmente un nuovo concept anche per il prossimo lavoro e forse — chissà — dopo il grunge aggiungeremo anche qualche nuova influenza. È pur sempre una costante evoluzione.
Between full creative control and an introspective vision, “The Grotesque Within” takes shape as the new work by Oreyeon, released via Heavy Psych Sounds. Recorded between a professional studio and a private creative space turned into a sonic laboratory, the album marks a decisive step toward artistic autonomy and deeper self-definition. Its dark, suspended atmosphere resonates with the existential and unsettling vision of Thomas Ligotti, not as a direct quotation of his work, but as an underlying presence that subtly shapes mood, texture, and narrative tension.
How did the writing process for “The Grotesque Within” begin, and how did full self-production influence your artistic and sonic choices compared to previous releases?
Andrea: The album’s composition started about three years ago with a few initial songs and gradually took shape throughout 2024. The idea behind it was to create a circular flow of riffs rather than a linear succession, unlike our previous records. Even though the album includes tracks like “Nothing But Impurities Pt. 1” and “Pt. 2” as well as the title track — which are structured as suites — they are built around a strong focus on the main riff, without unnecessary digressions, concentrating on the core idea of each song. Compared to our earlier approach to writing, we spent much more time refining every detail, constantly revising and modifying parts until we were completely satisfied. Taking care of both production and mixing with Matteo had a major impact on achieving what we had in mind, both in terms of sound and creative control. We had more time to revisit the recordings and rethink arrangements. It’s a process we truly enjoyed and one we plan to continue in the future.
How did you translate Thomas Ligotti’s atmosphere and poetic vision into music without reducing it to a simple conceptual reference?
Richard: It was a natural process. From the very beginning, we had a clear direction for the first songs, and the lyrics developed almost simultaneously with the music. The combination of heavy instrumentals and a more melodic, sometimes bitter vocal approach — capable of expressing almost unbearable existential themes — created a result that felt destabilizing to us from the start. That feeling defined much of the production and shaped the overall identity of the album.
Recording between Outside Inside Studio and your home studio created a balance between control and spontaneity. What were the main advantages and challenges of this approach?
Andrea: For us, the advantages clearly outweighed the challenges. We’ve been using Matteo’s home studio as a rehearsal space for several years, and we already had very structured pre-productions before entering the recording phase. We recorded the rhythm section at Outside Inside Studio to achieve the best possible drum sound. Everything else was recorded later at our studio, giving us the freedom to work at our own pace. This allowed us to focus on the album’s textures — arrangements, synth layers, and sonic experiments — something we wouldn’t have had time to explore in a short studio session.
Tracks like “Nothing But Impurities Pt. 1” and “Pt. 2” suggest a strong narrative continuity. How did you structure this division, and what role does it play within the album’s overall architecture?
Matteo: All the tracks share an almost organic continuity. For us, the album feels like one single narrative from the first song to the last, structured like a book that unfolds chapter by chapter. The transitions between tracks reinforce this flow. “Nothing But Impurities” originally started as one long composition and was later split into two parts for practical reasons — but in its original conception, it was meant to be a single piece.
From a compositional perspective, does this album push further into psychedelic and progressive territory compared to “Equations For The Useless,” or does it represent a conscious synthesis of your journey so far?
Peo: We see “The Grotesque Within” more as a personalization of our sound — something more intimate and direct. Our previous albums included songs written over several years, often developed between releases. This record, instead, was born largely from one unified creative vision. It feels like our most doom-oriented and, in some ways, most grunge-influenced album — more direct and perhaps closer to our roots, even if those elements were always part of our identity.
Your lineup comes from different musical backgrounds and parallel projects. How do these diverse influences continue to shape Oreyeon’s identity today?
Andrea: They shape it constantly. We are four people with different listening habits and musical backgrounds, and these perspectives continuously merge in our songwriting. In this album, those influences reached almost an apotheosis — they blended together naturally and strongly defined the final result.
In today’s heavy/stoner/psych scene, where do you position yourselves artistically, and what do you think truly distinguishes your sound from other bands?
Matteo: We definitely don’t approach music as a mere stylistic exercise. We try to move beyond the repetitive patterns that often dominate certain scenes. There are many bands that are interesting and enjoyable but also quite similar to one another. Recently, many people have described our new album as a mix between grunge and doom — and in a landscape filled with stoner and psychedelic acts, that feels like something slightly different from current trends. Of course, choices like this are not always commercially safe — but they are part of our path.
Were there moments during the creation of “The Grotesque Within” when a song changed direction compared to its original idea? If so, which track underwent the most significant transformation?
Matteo: Almost all of them. Throughout the writing process, we continuously reworked and reshaped the material. The track that changed the most was definitely the title track, which evolved significantly — both in its instrumental structure and vocal lines — compared to its initial version.
After this chapter, which seems to mark strong artistic growth, what directions do you envision for Oreyeon’s future? Are you already exploring new ideas beyond this album?
Peo: We already have new songs in progress and we’re reflecting on the next direction, as we’ve always done. We’ve always been very prolific in terms of composition, and we often accumulate many riffs and ideas — some of which we eventually discard. That’s still the case today. The next release will likely follow a new conceptual path, and perhaps new influences will emerge as well. It’s an ongoing evolution.
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