Guineapig – I parassiti del goregrind

I Guineapig sono tornati per riprendere l’attacco batteriologico iniziato con il precedente album in studio, “Bacteria”, uscito nel 2014. “Parasite” (Spikerot Records) è un portatore (mal)sano di germi goregrind, una vera è propria bomba virulenta dalla quale è impossibile difendersi…

Ciao ragazzi, “Parasite” è il vostro secondo album è finalmente uscito: quanto il risultato finale si avvicina all’idea che avevate del vostro ritorno discografico prima che iniziaste a scriverlo?Fra: Dopo otto anni dal nostro primo disco l’idea era quella di scrivere un album che avesse sicuramente alcune delle caratteristiche del suo predecessore ma che contenesse anche degli elementi nuovi, freschi per il genere di appartenenza, sia per quanto concerne il songwriting che la produzione. Sono passati diversi anni e noi siamo persone diverse, con una vita diversa e con ascolti diversi quindi non potevamo riproporre la stessa cosa del passato, non avrebbe rispecchiato chi siamo adesso. Secondo me ogni disco di una band deve sempre un po’ raccontare lo stato attuale dei componenti. I cloni hanno poco senso di esistere.

Allargando la visuale, invece, quanto i Guineapig di oggi si avvicinano all’ideale di band che avevate al momento della vostra creazione?
Fra: Guineapig nasce come un mio progetto solista, al tempo non avevo nessun obiettivo preciso ma soltanto quello di divertirmi e cercare di fare qualcosa di diverso da quello che già facevo. Poi però mi sono detto, perché non coinvolgere anche altre persone e portarlo dal vivo? E da lì a poco è nato il gruppo vero e proprio. Abbiamo sin da subito cercato di dare un’importa professionale al progetto, nonostante il goregrind sia un genere caratterizzato da band dall’approccio comico e spensierato. La nostra idea era quella di differenziarci dalle altre band del genere, cercando di avere un orientamento più serio sia per quanto concerne la musica che le tematiche. Ma questo soltanto sul palco perché poi sostanzialmente siamo tre cazzoni e ci divertiamo a dire e fare stronzate!

Rimanendo in ambito di creazione, come mai per creare questo album ci sono voluti ben otto anni?
Fra: Perché siamo una band di pigroni! E anche perché abbiamo avuto la fortuna di suonare molto dal vivo dopo l’uscita del nostro primo disco.

Il vostro modo di comporre è mutato in questo lungo lasso di tempo?
Fra: Assolutamente sì. All’inizio l’attenzione al dettaglio non era maniacale come ora. Buttavamo giù un pezzo e se funzionava era buono così. Per quanto riguarda questo disco invece i pezzi sono cambiati e ricambiati nel tempo, nella struttura e con l’aggiunta di diversi elementi. Abbiamo cercato di rendere sia il riffing che il lavoro di batteria più vario e dinamico. Ad un ascolto superficiale questa cosa forse non emerge tanto ma con un ascolto più attento si possono apprezzare le diverse sfumature che abbiamo voluto inserire. E’ stato sicuramente un disco “faticoso” da questo punto di vista ma siamo assolutamente soddisfatti del risultato.

Il disco è stato registrato ai Kick Recording Studio di Roma, in qualche modo Marco Mastrobuono, dall’alto della sua esperienza, vi ha indirizzato su scelte che da soli non avreste fatto?
Fra: Senza dubbio. Marco ci ha spinto a sperimentare ancora di più di quello che avevamo in progetto di fare. Eravamo un po’ timorosi all’inizio, i fan del Grindcore e del metal estremo in generale sono solitamente restii alle sperimentazioni. Abbiamo voluto inserire degli elementi che non sono tipici del genere ma che hanno contribuito a rendere il tutto ancora più originale e personale.

Introducendo il primo singolo, “Taxidermia”, avete dichiarato: “E’ un brano veloce e diretto con i tipici elementi dei Guineapig, come breakdown e mid-tempo, ma anche con parti più fresche, presenti in tutto il nuovo album”. Cosa sono queste “parti più fresche” di cui parlate?
Alessio: Il primo singolo in realtà è stato “Mermaid In A Manhole”. Scegliemmo questo pezzo proprio perché diverso dal resto delle tracce e aveva diverse parti “nuove” che abbiamo inserito in “Parasite”. “Taxidermia” è stato scelto come secondo singolo proprio perché diretto è più canonico, se vogliamo, ma che alla fine, pur essendo un tipico brano “Guineapig”, possiede anch’esso novità introdotte su questo disco quali cambi di riff e tempo repentini, controtempi di batteria e via dicendo. Anche se le vere novità potrete trovarle su pezzi più articolati quali “Zatypota” e “Deformed Doppelgänger”, dove gli ascoltatori più attenti potranno trovare addirittura influenze Djent, oltre al Death/Grind.

A livello concettuale, invece, avete introdotto delle novità nei testi?
Alessio: Il filo conduttore di tutto il disco è la trasformazione. Diciamo che tutto ruota intorno a quello, oltre ai tipici testi su malattie genetiche, deformazioni e parassiti simpatici (come il Candiru – correte a leggere il testo di “Urethra Candiru Terror” –, che pur essendo un invertebrato, si comporta come tale). Chiaramente da cinefili quali siamo, non mancano i vari riferimenti alle pellicole più becere dell’underground horror ed estremo in generale.

Il disco è uscito in più edizioni, vi andrebbe di presentarle ai nostri lettori?
Gina: Intanto ringraziamo i ragazzi di Spikerot Records che hanno fatto un ottimo lavoro, gliene siamo davvero grati. Ci hanno permesso di dare totale sfogo alle nostre idee per la produzione di questo album. Il disco si presenta in formato LP disponibile in due versioni (Black e Ultra Clear) ed in versione cd digipak, oltre a vari bundle. All’interno dell’album troverete un ampio booklet di 16 pagine, contenente i testi e le fantastiche illustrazioni del Maestro Timpanaro che ha fatto davvero un ottimo lavoro.

Prossime mosse dal vivo?
Gina: Dopo questi due interminabili anni di pandemia, finalmente qualche spiraglio di luce comincia ad illuminare i tanto attesi palchi che ci sono mancati da morire. Saremo impegnati come prima data al nostrano Frantic Fest a Francavilla al Mare il 19 agosto, poi un’altra chicca da annunciare a settembre, sempre in Italia, mentre a novembre partiremo per il tanto atteso tour in Europa con i fratelli Gutalax e Spasm, toccando anche Milano come penultima data. Per le altre date, ovviamente seguiteci sulle nostre pagine social!

Bottomless – Lentezza senza fondo

Doom, doom e ancora doom! Non si arresta la produzione italiana di album dalle cadenze metalliche più lente. Fortunatamente, quantità, in questo caso, fa rima con qualità, così all’elenco di band doom tricolori che abbiamo intervistato in questi mesi, aggiungiamo con i piacere gli esordienti, su Spikerot Records \ Metaversus Pr, Bottomless. Che poi a ben vedere i tre tanto esordienti non sono, potendo già vantare esperienze con realtà del calibro, tra le altre, di Messa, Haemophagus e Assumption.

Benvenutio Giorgio (Trombino) dopo aver collaborato in diverse band come Assumption, Undead Creep, Haemophagus e Morbo con David Lucido haio iniziato la nuova avventura Bottomless. Cosa vi ha spinto a mettere su questo nuovo progetto?
I Bottomless sono cominciati nel segno della certezza di ritenere i Sabbath la vera stella fissa delle nostre esistenze musicali. A partire dalle prime registrazioni degli Haemophagus fino ad arrivare a oggi sentirai sempre degli elementi specificamente sabbathiani (non sempre in quella precisa accezione ortodossa) nelle nostre produzioni. Sparsi, sporadici, a volte impercettibili e invece altre palesi, ma sempre parte del nostro bagaglio sonoro.

I Bottomless, rispetto alle vostre esperienze precedenti, quali aspetti nuovi della musica vi permette di
esplorare?
L’obiettivo è stato da subito quello di seguire, oltre ai Sabbath, il solco del doom americano, probabilmente il meno fortunato da queste parti in termini di influenza sulla scena nazionale. Va anche bene così, visto che abbiamo la fortuna di avere qui alcuni dei gruppi più dirompenti, oscuri e affascinanti dell’intero genere. doom e occult sound “all’italiana” sono già seguiti da un buon numero di gruppi, dunque ci tenevamo a non
ripetere quello ancora una volta e volevamo piuttosto valorizzare le influenze che sentiamo di avere da parte di Internal Void, Asylum, Pentagram, Penance, Revelation, Saint Vitus, The Obsessed e altri.

Mentre come mi spieghi questo particolare feeling che ti lega a Davide?
Io e David siamo grandi amici e compagni di gruppo da tanto tempo, abbiamo gusti, visioni musicali e un fiume di esperienze condivise. Ho cominciato a suonare con lui più o meno 17 anni fa e da allora la stragrande maggioranza dei nostri progetti è stata progettata e gestita in tandem. A livello puramente musicale ed esecutivo penso che ormai ci conosciamo a vicenda come nessun altro, tanto dal vivo quanto in studio.

Restando in tema di feeling, cosa vi ha convinto a puntare proprio su Sara Bianchin per completare un duo già di per sé molto affiatato?
Sara è esattamente sulla nostra frequenza d’onda. Con i Messa ha approfondito sonorità lente e pesanti, dunque il doom metal è proprio nelle sue corde, tanto a livello attitudinale ed espressivo quanto su quello sonoro. Altrove no, ma all’interno del gruppo Bottomless siamo risolutamente impermeabili ad influenze estranee a quelle citate, alle quali aggiungerei però grosse dosi di heavy metal tradizionale se anche per te, come per noi, gli Steppenwolf, i Third Power o alcuni pezzi dei Poe sono heavy metal ahah! Su questo triplo
livello ci siamo incastrati a meraviglia.

Avete scelto la formazione a tre, cosa vi piace di questo tipo di line-up tanto non aver voluto cercare altri componenti?
Dal rock nasce l’heavy, dai Cream nasce tutto. Abbiamo suonato in altre formazioni e sperimentato il power trio in diversi contesti. Personalmente amo avere arrangiamenti in cui possa esserci spazio per l’interplay. La massa sonora è molto diretta, senza orpelli, e si impara, se possibile, a “coprirsi le spalle” a vicenda e a mantenere un’intesa reciproca molto forte. Il trio probabilmente lascia filtrare la performance individuale più di qualsiasi altra formazione.

Il vostro sound mi sembra particolarmente ispirato dai Saint Vitus e dagli Obssessed, ovviamente su tutto aleggia la mano nera dei Black Sabbath: come mai avete scelto questa formula classica a discapito del doom imbastardito con stoner e sludge che va più di moda oggi?
Non saprei risponderti con precisione. Abbiamo tutti molti progetti, anche di genere diversi e non comunicanti al 100%, ma con i Bottomless cerchiamo di esplorare alcune sonorità specifiche e molto vicine al cuore, concedendoci la possibilità di sperimentare altrove. Se avessimo un unico gruppo saremmo costretti a ficcarci dentro tante di quelle influenze che il risultato sarebbe orrendo! Ogni progetto può offrire spunti per imparare e il nostro intento è scrivere pezzi sempre meglio congegnati e con strutture capaci di restare
in testa.

I pezzi che compongono il vostro debutto hanno avuto una gestazione lenta o sono il frutto di repentini raptus creativi?
Il materiale è stato composto nell’arco di due anni a partire dal 2016. La gestazione è stata lenta e con vari ripensamenti legati a modalità di registrazione, arrangiamento vocale, disponibilità di tempo e così via. Mi piace cercare di concentrare la scrittura dei brani in un arco abbastanza ristretto di tempo per avere una certa compattezza di intenti, sonorità e arrangiamenti. Mescolare pezzi distanti fra loro nel tempo e nel suono solitamente porta a dischi poco coesi e indecisi, dunque decisamente meglio, almeno per noi, lavorare al completamento di un album concepito da subito in quanto tale, in maniera organica, e scrivere solo per quell’obiettivo e nient’altro.

Dal punto di vista lirico avete mantenuto un approccio classico alle tematiche trattate nel doom oppure ve ne siete distaccati in parte o in toto?
I testi parlano di pensieri oscuri, ricordi e, senza che io ci abbia riflettuto in maniera del tutto razionale, il senso di giudizio interiore derivante dal pensiero cristiano, specie in “Vestige” e “Monastery”. In questo paese abbiamo una chiara visione della sofferenza e dell’angoscia delle atmosfere ecclesiastiche, del volto sofferente di Cristo, della crocifissione, dell’incombere del castigo. Come di sicuro tanti altri, anche io da ragazzino provavo un senso di chiusura e disagio nei confronti delle icone cattoliche. Tutto ciò che
nutre questi sentimenti si insinua fra i testi dei Bottomless lasciando spazio a ben pochi spiragli di luce, dunque si, non credo che al momento ci siamo distaccati da quei canoni. Non sono bravo a giudicare la roba che faccio e nel momento in cui la butto fuori solitamente passo già ad altro senza pensarci troppo.

Una cosa che mi ha portato indietro nel tempo, a quando i CD erano da poco sul mercato, è la presenza della bonus track presente in esclusiva solo su quel formato. Nei primi anni 80 lo si faceva per lanciare il compact e farlo preferire al vinile, voi invece perché avete fatto questa scelta?
La scelta è stata suggerita dalla nostra etichetta, Spikerot Records. Ci è sembrata una soluzione interessante e sì, se è una scelta anni ’80, allora è azzeccata!

Shores of Null – Al di là della riva

C’era molta attesa intorno al nuovo disco degli Shores of Null: oltre al valore dei lavori precedenti, ad ad aumentare la curiosità è stata la scelta della band di concentrarsi su un’unica lunga traccia ben 38 minuti. Scelta coraggiosa, ma ora che “Beyond the Shores (On Death and Dying)” (Spikerot Records \ Metaversus PR \ All Noir) è qui possiamo tranquillamente affermare che non si è trattata di una mossa azzardata, nonostante le difficoltà dell’impresa. A guidarci oltre la riva, ci hanno pensato Raffaele e Davide, rispettivamente chitarra e voce.

Benvenuti ragazzi, e complimenti per il nuovo album. Al terzo giro, con “Beyond the Shores (On Death and Dying)”, vi giocate una carta molto ambiziosa: un’unica traccia di di 38 minuti circa. L’idea è venuta fuori lavorandoci oppure avevate già deciso di muovervi in questa direzione prima di iniziare a scrivere il nuovo disco?
Raffaele: Un saluto a tutti i lettori e grazie mille per i complimenti. La composizione di questo brano/album è avvenuta in un modo totalmente naturale. Volevamo lavorare a qualcosa di differente rispetto ai precedenti lavori, e quando io e Gabriele abbiamo iniziato a comporre i primi riff abbiamo capito subito che non sarebbe stato un brano breve. Ad ogni nuovo riff che si aggiungeva, ne veniva naturalmente un altro e arrivati ad un certo punto il problema era cercare di farlo rientrare nella durata accettabile per un vinile. La composizione strumentale è avvenuta in circa un mese e mezzo e questo ci ha dato modo di renderlo unico con una propria identità, tale da non riuscire a spezzarlo, anche se ovviamente non è mai stato nelle nostre intenzioni.

Parlo di mossa coraggiosa perché andate controcorrente, ormai l’industria discografica è tornata alle suoe origini, quindi al singolo. Un unico brano così lungo è quasi anacronistico oggi e difficile da promuovere, almeno che non abbiate intenzione di proporre degli estratti come singoli, più facili da condividere. Come credete di muovervi per bilanciare esigenze artistiche e promozionali?
R: Siamo sempre stati consapevoli della sfida che ci aspettava e proprio il fatto che vada controcorrente ci da consapevolezza che la strada si fa leggermente più ripida. In effetti veniamo da un’esperienza in cui le case discografiche hanno il dovere di promuovere le band che hanno nel proprio roster, ma abbiamo sperimentato l’impossibilità di avere il controllo sulla promozione e sulle decisioni connesse. Proprio per questo motivo abbiamo deciso di collaborare con Spikerot Records, un’etichetta giovane ma in crescita. Davide è uno dei fondatori di Spikerot Records e anche grazie a questo riusciamo ad avere il totale controllo dei social e delle attività di promozione necessarie. In effetti, come hai osservato, servono degli estratti in casi come il nostro. Su Spotify potrai già trovarne tre. Beyond The Shores (On Death And Dying) uscirà il 27 novembre, ma si può già ascoltare una buona parte del brano.

Il disco è corpuscolare ed avvolgente sin dalla candida copertina, ricco di sfumature e cambi di umore: come muta la fase di songwriting quando si ha a che fare con una traccia così lunga? Non si corre il rischio di perdere, a un certo punto, il bandolo della matassa?
Davide: Mi fa piacere che tu abbia citato la copertina, l’artista dietro a questa e alle altre immagini che compongono artwork nel complesso è Sabrina Caramanico, talentuosa fotografa abruzzese con cui sognavo di collaborare da tempo. Conoscevo molto bene i suoi lavori ed era solo questione di tempo prima che le chiedessi di lavorare insieme. Per “Beyond The Shores” desideravo qualcosa di più organico, materico, in linea con la tematica del disco e con una proposta così differente rispetto al solito. A partire dal colore dominante, il bianco, volevamo apertamente mettere a nudo questo approccio differente. Sulla fase di songwriting credo possa raccontarti meglio Raffaele, dal mio canto posso dirti che lavorare sull’aspetto vocale e lirico è stata un’esperienza meravigliosa, quasi catartica, sebbene per niente semplice. Il rischio di perdere il bandolo della matassa come dici tu, nel caso di composizioni così lunghe ovviamente c’è, ma nel nostro caso in realtà c’è stata molta più libertà del solito in fase compositiva, ci siamo lasciati trasportare dal flusso e la cosa bella è che, man mano che andavamo avanti con la stesura, la parte strumentale e le tematiche che volevamo raccontare finivano per influenzarsi a vicenda. A livello vocale sono molto soddisfatto, probabilmente il lavoro migliore mai fatto finora.

Al di là della fase di scrittura vera e propria, mi incuriosisce anche la parte relativa alla registrazione del brano: come vi siete mossi, avete diviso la canzone in singole parti su cui avete lavorato man mano oppure lo avete registrato come se fosse un’unica lunga traccia?
R: Come dicevo prima, il brano è stato creato in un modo del tutto naturale. Dentro di noi sapevamo che sarebbe stato un susseguirsi di riff, ognuno ispirato dal precedente e così è stato. La registrazione del primo demo è avvenuta in circa cinque o sei sessioni. Ovviamente c’è stato una fase di riarrangiamento ma in linea di massima per noi è stato quasi un lavoro di getto. È stato molto bello comporre questo disco. Non mi sono mai sentito così ispirato per cosi tanto tempo ravvicinato prima di questo lavoro.
D: In studio abbiamo registrato sia questo che il prossimo lavoro, avevamo tanto materiale che abbiamo preferito immortalare tutto in questo preciso periodo storico. Col senno di poi è stata una scelta saggia e quasi profetica. Abbiamo deciso di dare priorità a “Beyond The Shores (On Death And Dying)” perché è un disco che si sposa perfettamente con il 2020 e ciò che sta accadendo intorno a noi. Proprio oggi mi è apparso un ricordo di facebook, un post di un anno esatto fa che sanciva la fine delle registrazioni vocali al Kick Recording Studio. Per me non è stato affatto semplice registrare in pochi giorni questo più un altro disco, a livello vocale è stata un’impresa ardua ma decisamente speciale.

Ancora una volta vi siete affidati alle mani sapienti di Marco “Cinghio” Mastrobuono, cosa vi ha raccomandato prima di iniziare le singole sessioni?
R: Quando hai a mezz’ora da casa il produttore che ha realizzato gli altri dischi di cui siamo fieri la scelta non può che ricadere di nuovo su di lui. Cinghio, oltre che essere un amico, è una garanzia. Ormai si può dire che ci conosce talmente tanto bene che sa esattamente cosa aspettarsi da ognuno di noi. Ma anche noi conosciamo lui e sappiamo come arrivare pronti in studio. Ovviamente le raccomandazioni non mancano come ad esempio quelle di accordare la chitarra dopo ogni singola pausa o quella di fare attenzione al plettro e al suono stridulo che può fare se non stai attento all’inclinazione. Insomma registrare non è come suonare dal vivo e lui con la sua esperienza sente cose che l’orecchio umano non può percepire.

Per la realizzazione del disco, vi siete avvalsi del piano e del violino, a chi sono stati affidati questi strumenti?
R: Il piano è uno strumento che adoro. La mia compagna ne ha uno a mezza coda e ogni tanto mi piace metterci sopra le mani. Questo non fa di me un pianista ovviamente e anche se mi è piaciuto scrivere quella parte, era necessario farlo suonare ad un pianista vero. Paolo Campitelli si è prestato volentieri ed è stato un vero piacere veder suonare quelle parti dal vivo. Per il contrabasso e il violino abbiamo chiesto un supporto ad altri due amici: Fabio e Valentina Gabbianelli entrambi grandi professionisti e bravissimi musicisti.

Rimaniamo in tema di ospiti, come è stato lavorare con Mikko Kotamäki (Swallow The Sun) e Thomas A.G. Jensen (Saturnus)?
D: Ancora oggi rimango incredulo ripensando a ciò che siamo riusciti a fare, soprattutto perché abbiamo avuto la fortuna di invitare entrambi a Roma tra gennaio e febbraio 2020, poco prima che scoppiasse una pandemia. Abbiamo fortemente voluto che Mikko e Thomas condividessero con noi parte del processo creativo, ed è stato di fondamentale importanza invitarli a Roma, renderli parte integrante del disco e non dei semplici ospiti a distanza. Loro sono stati fisicamente negli stessi luoghi in cui “Beyond The Shores” ha preso forma, solo così il disco ha potuto raggiungere l’amalgama che volevamo e che potrete ascoltare a breve. Ovviamente anche tutto il contesto di birrette, pranzi e cene e stato d’aiuto. Seguo Saturnus e Swallow The Sun da circa 15 anni e reputo Thomas e Mikko tra i migliori growler in circolazione e non solo in ambito death/doom, Mikko ha poi anche uno splendido cantato pulito che potete ascoltare in uno dei ritornelli del disco, se così li possiamo chiamare.

Vi andrebbe di presentare gli ultimi ospiti che mancano ancora all’appello?
R: Questo disco doveva avere un’attitudine diversa rispetto ai precedenti e volevamo dare un effetto corale ad alcune parti. Ci piaceva l’idea di avere una voce femminile e il panorama romano ci offriva la bravissima Elisabetta Marchetti degli Inno. Una voce formidabile che ti fa venire la pelle d’oca. Non si poteva non approfittarne. Il risultato è stato un mix di voci pulite che ti stimolano l’apertura del dotto lacrimale. Ma non è l’unica donna ad aver dato il contributo. Martina L. McLean, oltre ad aver diretto la maggior parte di video che abbiamo prodotto con Sanda Movies, ha prestato il suo formidabile scream per una linea vocale che ti lascia a bocca aperta. Ogni volta che sento quella parte devo cantarla e finisce che mi faccio male alla gola.

Avete una formazione sostanzialmente immutata, se non erro, dal vostro esordio: lavorare sempre con le stesse persone è un vantaggio (meccanismi ben oleati, grande intesa) oppure uno svantaggio (alla lunga il mancato ricambio di “teste”potrebbe portare a un ristagno di idee)?
R: Direi che la prima delle due ipotesi è quella vera. Può succedere che quando lavori sempre con le stesse persone finisci per non riuscire più a rinnovarti per via del possibile mancato ricambio. Il fatto è che ognuno di noi si confronta con mille altre persone, tra un disco e l’altro. Ognuno di noi affronta una propria evoluzione e quindi vive esperienze completamente diverse. Il fatto di lavorare con persone come Marco o Martina ad esempio è solo una garanzia di professionalità. Le idee per fortuna non mancano e il confronto è molto vario.

Quando sarà possibile, proporrete “Beyond the Shores (On Death and Dying)” per intero dal vivo?
R: Onestamente non vedo l’ora. Questo disco è un viaggio per me. Vorrei affrontarlo su un palco e vivere l’esperienza che può offrire in sede live. Spero vivamente che questo possa avvenire il più presto possibile.