Supervøid – Into the supervøid

I Supervøid sono la nuova creatura formata da tre nomi di spicco del panorama italiano: Eraldo Bernocchi (Sigillum S, Somma, Metallic Taste Of Blood, Obake), Xabier Iriondo (Afterhours) e Jacopo Pierazzuoli (Morkobot, Obake). Qualche giorno fa la Subsound Records ha pubblicato “The Giant Nothing“, il disco d’esordio del trio, e noi, mossi dalla curiosità di capire cosa spinga dei musicisti impegnati su mille fronti a metter su un nuovo gruppo, abbiamo contatto i disponibili Eraldo Bernocchi e Xabier Iriondo.

Cosa spinge dei musicisti con mille impegni come voi a creare una nuova band?
EB: La passione? La follia? L’irresponsabilità? Onestamente non ne ho la minima idea. Forse la voglia di ricercare nuove strade e confrontarsi con altri in contesti differenti? Ci conosciamo tutti da tempo, nel caso mio e di Xabier da una vita, circa 35 anni, eppure continuiamo a esplorare. Credo sia questa la ragione: l’esplorazione.
XI: Il nostro è un viaggio nel quale l’idea di costruire nuove esperienze la fa da padrone, perché la vita è fatta anche di questo: scoperta e stupore. Non sono gli impegni personali/professionali a gettare acqua su un fuoco che fortunatamente continua a bruciare dentro di noi.

Un domani, quando sarа possibile farlo, vi esibirete dal vivo o l’esperienza Supervøid si svilupperà solo in studio?
EB: Assolutamente sì. Non vediamo l’ora di salire su un palco, anche perché Supervøid ha una parte di improvvisazione che vogliamo assolutamente sviluppare in una situazione live..

I Supervøid sono un gruppo di non facile collocazione stilistica, questa caratteristica nell’attuale mercato discografico è una sorta di passe-partout trasversale oppure può spiazzare l’ascoltatore sempre più ancorato all’etichette stilistiche, in alcuni casi, anche eccessivamente di nicchia?
EB: Bella domanda. In realtà non ci interessa appartenere a nulla, abbiamo faticato non poco per definire ciò che facciamo e il “genere” del disco, e ancora fatichiamo a farlo. Le scene sono delle nicchie utili a chi, giustamente, deve poter definire ciò che fa, o recensire un album. A noi non interessa. Questa volta l’album suona cosi, magari il prossimo potrebbe essere interamente ambient o puro noise.

Giа che ci siamo, voi come lo descrivereste il vostro sound?
EB: Ecco, appunto. Non lo so. C’è del metal, del blues, dell’ambient. Potrebbe essere la colonna sonora di un vecchio film di Wenders. È un disco duro ma a tratti apertamente emotivo e sognante. Onestamente non so come definirlo se non che potrebbe funzionare bene accompagnato da delle immagini.
XI: Questo è il sound del primo lavoro in studio di Supervøid. Le definizioni le lasciamo agli addetti ai lavori (i giornalisti, gli uffici stampa, i discografici, etc), il nostro compito è di creare liberi, non di dare definizioni e mettere dei paletti.

Siete formalmente un trio, però un contributo non da poco ve lo ha dato Jo Quail: lo possiamo considerare il quarto membro?
EB: Jo è un talento raro, usa il cello in modo così fuori dagli schemi, che era una tentazione troppo forte averla sul disco. Oltre a ciò, è una carissima amica, abbiamo suonato live varie volte assieme e registrato un album FM Einheit in trio. Il suo apporto a band come Mono o Amenra è incredibile. Essendo spesso in tour, abbiamo deciso di mantenerla “esterna” alla band nel caso non potesse suonare live con noi e poter usare eventuali sostituti. In realtà, è il quarto membro effettivo.

Perché avete deciso di non avere parti vocali nell’album?
EB: Abbiamo Jo. Lei è “la voce” di Supervøid.

Nonostante l’assenza di parti vocali, i titoli dei brani fanno immaginare che dietro alla vostra opera ci sia comunque una sorta concept, mi sbaglio?
EB:Siamo entrati i studio senza sapere che cosa avremmo fatto, ci legava solo la stima reciproca e la voglia di creare insieme. Mano mano che registravamo e arrangiavamo abbiamo iniziato a formarci un’idea di cosa sarebbe diventato quest’album. Ci piace l’idea che nel momento in cui inizi ad ascoltarlo tu cada in un buco nero senza fine e per un po’ ti possa dimenticare del mondo fuori.

Ho letto sulla pagina ufficiale della vostra etichette che è stata aggiunta una versione in vinile rossa a quelle giа previste, dato che le prevendite dell’album stanno andando bene. La musica fisica ha ancora un senso o comunque un è settore che si regge su sempre meno nostalgici?
EB: La musica fisica ha assolutamente senso nel momento in cui le persone come noi, e le etichette di un certo tipo, continueranno a renderla possibile. Mia figlia ha 8 anni e si sceglie i CD da ascoltare perché li ha in casa, li vede tutti i giorni. Ha un suo iPod ma ama tirare fuori i CD, guardare le copertine, riordinarli. È un esempio come tanti. E’ solo questione di avere accesso all’oggetto in sé. Certo, se si continua a pensare che la musica sia quell’orrore di Spotify, allora facciamo prima a chiudere “la baracca”. Il vinile è tornato alla grande, le cassette pure. Tornerà anche il CD, ne sono certo.
XI: Ascolto musica prodotta e registrata in tempi recenti su vinili di qualità e allo stesso tempo mi abbandono all’esperienza sonora legata all’ascolto di ceralacche (78 giri) fabbricate 100 anni fa che riproduco su antichi grammofoni a manovella, il fascino dell’oggetto trascende le generazioni o le mode.

Dicevamo delle prevendite che vanno a gonfie vele, considerando che siete una band di nuova fondazione, il pubblico sta in pratica acquistando a scatola chiusa il disco, probabilmente attratto dalla vostra reputazione. In conclusione vi chiedo, come ci si costruisce una nomea solida nel mondo dalla musica, tanto da diventare un marchio di garanzia di qualità?
EB: Forse continuando a esplorare ed essendo inflessibili con se stessi? È necessario essere critici nei proprio confronti. Passare dalla fase “è tutto valido perché l’ho pensato e registrato” a quella “non sono convinto, nel dubbio cestino tutto” è fondamentale. Fa parte del percorso. Non so se siamo un marchio di qualità o meno, so che facciamo ciò che facciamo perché ci crediamo. Magari è questo che arriva, che non significa che debba piacere a tutti.

Mr. Bison – Verso il mare e oltre

Raggiunto il traguardo del quarto album – “Seaward“ (Subsound Records) uscito ad Ottobre 2020 – i Mr. Bison impreziosiscono il loro caratteristico groove heavy psych blues con le sfumature del progressive rock e del concept album. Ne abbiamo parlato con Matteo Barsacchi, chitarra e voce del trio toscano.

Ciao Matteo, complimenti per il vostro nuovo album “Seaward”, da dove è scaturita l’idea di pubblicare un concept?
In questi ultimi anni ci siamo riappassionati agli anni 70 che avevamo lasciato un po’ in standby, soprattutto al prog rock 70, mostri sacri come King Crimson, Pink Floyd ma anche band un po’ meno conosciute come Captain Beyond e Nektar. In quegli anni molti album nascevano come concept , vedi capolavori come “Dark Side of the Moon” dei Pink Floyd o “Thick as a Brick” dei Jethro Tull, certamente lontano da noi paragonarci a band di questo livello, prendendo però in considerazione il fatto di creare un concept, anche se con una iniziale perplessità sul risultato, una volta individuato il tema, un giusto artwork e qualche buona pre-produzione in studio, tutto è andato in maniera molto naturale, con il risultato finale di “Seaward”.

“Holy Oak” è stato un album importante e molto apprezzato dalla critica, è stato difficile dare un seguito ad un lavoro di tale portata? “Holy Oak” è stato il passaggio dalle influenze Hard Blues di “We’ll Be Brief” e “Asteroid”, caratterizzate da composizioni dirette con molto Groove, a “Seaward” che fondamentalmente avevamo già in mente. Con “Holy Oak” abbiamo inserito molta psichedelica lasciando sempre una buona dose di tiro hard kock, mentre in “Seaward” abbiamo inserito molto progressive. Sarebbe stato un passaggio troppo netto senza un terzo album in stile “Holy Oak”. Siamo una band in continua evoluzione e stiamo già sperimentando cose nuove con ulteriori aggiunte di stili.

Nel vostro lavoro ci sono molte influenze che vanno dal folk al prog oltre a naturalmente l’heavy psych, da dove traete ispirazione?
La maggiore ispirazione sono ovviamente gli anni 70, come ho detto nella prima domanda, mostri sacri come King Crimson e Pink Floyd, Black Sabbath, ma anche band meno note come Captain Beyond e Nektar…. Per quanto riguarda le band di nuova generazione siamo molto ispirati da band come Elder e Motorpsycho.

Siete un trio come ce ne sono tanti nella scena heavy psych blues ma con due chitarre e senza basso, la band è nata già con questo assetto o stato qualcosa che è avvenuta con il tempo?
Agli esordi la formazione era composta da chitarra, basso e batteria, dopo pochi mesi integrammo un secondo chitarrista ma il bassista causa impegni lasciò il progetto. Io cominciai a sperimentare soluzioni sonore per fare a meno del basso, utilizzando octaver e accordature più basse, e proseguimmo così. Questa nuova soluzione ebbe un grande riscontro live ed il sound che ne usciva ci piaceva molto, quindi decidemmo di proseguire così. Negli anni ovviamente lo sviluppo e la sperimentazione sonora ci ha portato alla soluzione tecnica attuale molto più complessa ma davvero molto interessante, ossia l’utilizzo di doppio amplificatore chitarra/basso pilotati da una centralina artigianale che riesce a trasformare all’occorrenza con un click le chitarre in basso/hammond/mellotron.

Il nuovo album ha degli arrangiamenti molto ricchi, dal vivo come lo presenterete? Non deve essere facile – e lo dico da musicista – riproporre dal vivo un lavoro del genere.
Collegandomi alla domanda precedente, per quanto riguarda l’aspetto live, restiamo abbastanza fedeli al disco, con le nostre pedaliere riusciamo a gestire basso, hammond e mellotron, in più il batterista riesce a suonare live dei droni/pad che abbiamo prodotto precedentemente ed inserito come sampler da suonare.

Non sarò probabilmente il primo a dirlo ma, trovo il vostro lavoro molto vicino alle atmosfere degli ultimi Motorpsycho (che personalmente adoro): cosa ne pensate?
Beh, a mio parere i Motorpsycho sono la band di nuova generazione migliore del genere, hanno un songwriting complessissimo ma raffinato e reso di semplice ascolto dalla maestria tecnica che hanno. L’ultimo album è clamoroso, sperando non passi come messaggio polemico, mi sembra curioso che in moltissime classifiche di settore dei migliori album 2020 non siano stati neanche nominati. “The All Is One” è un capolavoro, fra l’altro ultimo capitolo di una trilogia sublime, “The Tower” e “Crucible” sono anch’essi album incredibili. E’ certo che band di questo tipo hanno bisogno di un ascolto attento e ripetuto per coglierne la grandezza. Lungi da me paragonarci a loro ma sicuramente anche la nostra musica ha bisogno di un ascolto ben focalizzato, non è musica diretta, “Seaward” è un concept album basato su un argomento ben preciso, sicuramente un ascolto consapevole sul tema e sull’artwork renderebbe l’ ascolto più’ coinvolgente.

Ci sono altre band della scena italiana che apprezzate o con cui avete in qualche modo legato magari on the road?
In Italia ci sono moltissime band meravigliose, il livello è molto alto nella scena heavy psych stoner e prog; nello stile più stoner sicuramente, Black Rainbows, e Black Rlephant, nella psichedelia direi Giobia e da Captain Trips, nell’heavy psych citerei Humulus, Tuna de Tierra e Lee Van Cleef, nel doom e post rock/metal direi Messa e Vesta…. Ma sono stato molto breve, ci sono davvero moltissime band di alto livello che non sanno muoversi bene che purtroppo non hanno grande riscontro mediatico e quindi trovano pochi spazi qui in Italia e all’estero.

Cosa ne pensate dei concerti in streaming? Può essere un’opportunità o è solo un “palliativo” a causa della situazione attuale?
Faccio davvero molta fatica ad accettare il concerto in streaming, per adesso non abbiamo ancora ceduto al farlo e spero che questa situazione riparta il prima possibile. Abbiamo avuto la fortuna di fare un release ad ottobre con pubblico seduto e distanziato, sicuramente non è lo stesso dello stare in piedi fronte palco, ma credo che sia un ottima soluzione per far ripartire pian piano le cose e soprattutto per sostenere tutto il settore, club, tecnici e musicisti.

Avete altri progetti musicali oltre ai Mr. Bison o vi dedicate esclusivamente a questa band?
Ognuno di noi ha altre cose, è importante avere side project per liberare e sviluppare tutte le idee che possono essere meno idonee ad un unico progetto.

Grazie per la disponibilità e speriamo di potervi vedere “dal vivo” il prima possibile
Ringraziamo tutto lo staff del Raglio del Mulo per questa intervista, ringraziamo inoltre tutti gli addetti al settore promozione, webzine, magazine, uffici stampa, blogger per il loro tempo prezioso alla divulgazione del meraviglioso underground Italiano.

Massimo Pupillo – La nera prigione d’acciaio

Massimo Pupillo, messi da parte per un attimo gli Zu, ha tirato fuori un lavoro autografo dal fascino alchemico e dal profondo significato filosofico. Abbiamo contattato l’autore di “The Black Iron Prison” (Subsounds Records) per saperne di più.

Ciao Massimo, “The Black Iron Prison” è il tuo esordio da solista, quando hai avvertito per la prima volta l’esigenza di fare qualcosa che non portasse la firma degli Zu?
Ciao. In realtà la prima uscita non Zu che ho fatto credo sia del 2000, con i Dogon, quindi subito a cavallo del primo album Zu. Da allora ho pubblicato qualcosa come 18 album con Zu e più di 50 in varie formazioni parallele. E’ stato sempre un senso di curiosità reciproca verso le altre persone con cui ho lavorato a stimolarmi. Poi piano piano nella mia ricerca ha iniziato a venir fuori un suono che poteva esistere anche da solo, si è rafforzato ed affinato negli ultimi anni e continua ad evolvere.

Particolare il titolo, pare quasi che saltate le catene ti legavano agli Zu, tu ti sia ritrovato in una prigione d’acciaio nero! Immagino che la mia sia una ricostruzione fantasiosa, mi può spiegare tu il vero significato del nome del disco?
Il titolo deriva da una visione espressa da Philip K Dick nella sua trilogia Valis. La Black Iron Prison è un sistema di controllo globale onnipervasivo. Non ne vedi le tracce nel mondo che ci circonda? Valis è un acronimo per vasto sistema vivente di intelligenza artificiale. Calcola che Dick scriveva di queste cose a fine anni 70, Valis fu pubblicato nel’81. E diceva chiaramente che per lui la fantascienza era solo un modo efficace di trasmettere quello che vedeva. Spero che questo invogli qualcuno a leggerlo!

A conti fatti, credi che questa esperienza da solista ti abbia fatto crescere come musicista o il tuo cammino formativo era già concluso e questo n’è l’apice?
Assolutamente no, non credo che per me nulla e nessun luogo sia l’apice. E’ una percorso formativo come lo chiami tu, continuo e virtualmente infinito. Come diceva Coltrane ci sono sempre nuovi suoni da trovare e nuove storie da raccontare, basta pulire lo specchio. A conti fatti, non ci sono nemmeno conti fatti.

Ti senti un innovatore?
Non mi vedo in quel modo. Non credo all’innovazione per sé come un valore, quindi ti risponderei di no.

Come dicevi prima, chi ha sicuramente innovato il proprio settore di competenza, anticipandone anche alcune tematiche stilistiche e contenutistiche è Philp K. Dick, cosa ti ha spinto a musicare alcune delle sue novelle? E credi che ci sia un filo conduttore tra le vostre opere?
L’unico filo conduttore può essere quello che considero Dick un maestro e anche, perdonami il parolone, un profeta. Lo puoi leggere come intrattenimento e non c è nulla di male, oppure puoi lasciare che l’ universo dickiano ti insegni a ripensare il tutto, come potrebbe fare un grande filosofo antico.

In questi anni hai collaborato con alcuni grandi nomi del rock come Mike Patton (Faith No More), Buzz Osborne (The Melvins) Thurston Moore e Jim O’ Rourke (Sonic Youth), Stephen O’ Malley (Sunn O)))) , Joe Lally , Guy Picciotto (Fugazi), Damo Suzuki (Can), Eugene S. Robinson (Oxbow), Steve MacKay (The Stooges), cosa ti è rimasto di queste esperienze che poi hai sfruttato per questo disco?
In qualunque cosa fai, se è fatta col cuore al posto giusto, ti rimane qualcosa dentro. A volte impari, a volte impari cosa non fare, a volte assorbi, a volte dai. Ma questo non può essere relegato solo alla fama delle persone con cui collabori. Non ho mai pensato in questi termini. Ogni volta collaborare era davvero una spinta comune, spesso nata dall’ amicizia e proiettata verso un lavoro, un suono, una visione o una storia da raccontare. Ma sicuramente ho imparato altrettanto sul suono passando circa sei mesi da solo col fonico degli Zu (e mastermind dei Lento) Lorenzo Stecconi ad assemblare e ricomporre tutte le parti del nostro album “Jhator”. E in tantissimi altri incontri grandi e piccoli lungo la strada.

Però per “The Black Iron Prison” hai deciso di fare tutto da solo, non ricorrendo ad ospiti, scelta conscia o inconscia?
Il tema di questo lavoro viene espresso nell’ immagine di copertina, l’ alchimista, solo (anzi a ben guardare accompagnato da un corvo nero) che medita sulla Nigredo. Esprime dei processi interiori che avvengono in solitudine e che solo in solitudine potevano essere messi su nastro.

Se le cose dovessero sistemarsi, porterai il disco dal vivo ed, eventualmente, ti farai accompagnare dai dei musicisti?
Sì. ho già presentato un live di “Black Iron Prison” al Romaeuropa Festival di quest’ anno. Ovviamente è un solo, anche se accompagnato da vicino sempre da Lorenzo Stecconi al mixer, che ha un gran lavoro a seguire tutto quel che succede.