Edge of Paradise – Symptom of the universe

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Gli Edge of Paradise hanno pubblicato il loro quarto album in studio “The Unknown” (Frontiers Music) lo scorso settembre, abbiamo avuto il piacere di intervistare Margarita Monet per farci raccontare qualcosa sulla sua carriera.

Ciao Margherita, benvenuta su Il Raglio del Mulo, è un vero piacere di averti qui. Quando è iniziata l’avventura di Margarita nel mondo del metal?.
Ciao e grazie mille per avermi contattata! Beh, la vita mi ha portato in questa direzione. Da piccola suonavo il pianoforte classico, facevo teatro e mi dedicavo al balletto, quindi il metal non era minimante nei miei pensieri. Quando mi sono trasferita a Los Angeles da New York, dove ho studiato teatro e musica, ho incontrato il chitarrista Dave Bates. E Dave suona rock e metal da una vita. Condividevamo passione e grinta, e avevamo la volontà di creare qualcosa di nostro, a cui dedicare tutta le nostre energie! Le canzoni che abbiamo iniziato a scrivere insieme, si sono trasformate in quello che sono oggi nel corso degli anni. Io sempre amato l’epic, la musica sinfonica e, dal momento che Dave suonava la chitarra, il suo stile heavy ci ha condotto nel rock/metal. Ma sinceramente, mai avrei immaginato di avere una band, la vita a volte ti guida in modi misteriosi!

Com’è fare metal in Europa e cosa significa far parte di una grande band come gli Edge of Paradise? A un certo punto hai mai pensato di mollare tutto e continuare con una vita normale?
La nostra sede è a Los Angeles, negli Stati Uniti, ed essere un musicista qui non è una cosa facile. Sembra che in Europa e in alcune altre parti del mondo la musica abbia molto più supporto! Qui, hai davvero bisogno di costruiti tutto da zero, oltre ad essere il migliore musicista possibile, devi essere un uomo d’affari intelligente, sapere come venderti, e in qualche modo raccattare i soldi da investire nel progetto. In questi giorni non ci sono molte etichette che fanno firmare artisti da formare, vogliono che l’artista abbia già una una sua stabilità e che guadagni dei soldi. Per questo abbiamo prenotato da soli i nostri tour, fatto tutto da soli fino al nostro album “Universe”, che è uscito in 2019, da lì in poi abbiamo ricevuto il supporto di Frontiers. Quindi la strada è molto difficile, lunga, ma molto gratificante quando vedi che la musica fai ha un impatto positivo sulla vita di qualcuno. Personalmente non ho mai pensato che potesse accadere, ma oggi fa parte di ciò che sono, questa musica è diventata un’estensione di me stessa, ovviamente io ho brutte giornate, quando mi sento scoraggiata, ma sono fortunata ad avere Dave che è una roccia e mi spinge sempre ad andare avanti!

Quali sono i principali problemi che devono affrontare le band all’interno di una scena satura come quella metal?
Direi le mode. Noi siamo sempre rimasti fedeli al nostro suono, senza adattarci alle tendenze attuali che spopolano all’interno della scena… quindi è quasi come se fossimo noi ad andare controtendenza… E devi avere Spotify dalla tua parte, con le sue playlist, è molto diverso il business adesso, anche rispetto a quando abbiamo iniziato 10 anni fa!

Secondo te, cos’è che non permette il progresso nell’underground?
Penso che il più grande sia la mancanza di fondi. Se avessimo avuto più fondi noi saremmo stati in grado di crescere molto più velocemente. E anche per quanto riguarda i video musicali, se guardi la musica pop, ci sono budget completamente divers lì, e la cosa si riflette sul contenuto: ogni video musicale è molto più elaborato, quindi ovviamente più persone lo guardano. Noi ci sforziamo sempre di creare il miglior contenuto possibile, che attiri l’attenzione, stimoli la riflessione, e che sia visivamente accattivante. Ci vogliono molti fondi… con lo streaming è molto così importante. In questi giorni, l’artista non può più fare affidamento solo sulle vendite degli album, deve essere creativo e deve trovare modi per guadagnare e reinvestire nella band per continuare ad andare avanti.

Internet oggi, con le sue piattaforme di musica digitale, è una benedizione o una maledizione secondo te?
È entrambe le cose. Da un lato, è incredibile che tu possa raggiungere persone in tutto il mondo molto facilmente, e se accedi alle playlist editoriali di Spotify e di altre piattaforme importanti, puoi ottenere una vasta esposizione in modo rapido, è l’equivalente moderno della radio. Ma se non entri in quel giro, è molto facile perdersi in un mare di band, e quel punto devi provare a costruire la tua base di fan da solo. Penso che oggi devi agire in modo intelligente quando utilizzi la tecnologia e tutte queste piattaforme.

Margarita, in quanti dischi compari e quali altri progetti hai oltre agli Edge of Paradise?
“The Unknown”, è il nostro quarto album in studio. È sicuramente la nostra migliore uscita fino ad oggi, l’album è molto dinamico, stimolante, cinematografico, potente e divertente da ascoltare. Abbiamo anche inciso un EP chiamato “Alive”,nel 2017. Inoltre ho partecipato a “Magnus”, l’album di Karlsson Heart Healer. Ma gli Edge Of Paradise sono la mia vita, quindi mi dedico tutta alla mia band.

Secondo te, una band emergente, qualunque sia lo stile del metal, può avere successo solo se ha una grande etichetta alle spalle o al contrario oggi c’è più libertà di far conoscere la propria musica senza dipendere da una label?
Ci sono degli artisti capaci di farlo da soli e sono in grado di far crescere la propria base di fan! Ognuno ha il proprio cammino da compiere e oggi ci sono delle libertà e delle risorse per farlo da soli! Noi siamo un esempio, perché abbiamo creato la band e per sette anni l’abbiamo portata avanti anni senza l’aiuto di un’etichetta. Abbiamo persino realizzato il nostro album “Universe” da soli, abbiamo firmato per la Frontiers dopo che era tutto pronto, e loro lo hanno semplicemente pubblicato! I produttori veterani sono più propensi a lavorare con artisti indipendenti di questi tempi! Quindi oggi sei decisamente più padrone del tuo destino.

Cosa pensi che debba cambiare urgentemente nell’industria musicale?
Penso che sarebbe fantastico se le etichette investissero di più nello sviluppo degli artisti rock e metal!

Cosa motiva Margarita a fare metal? Cosa la spinge verso questo tipo di arte?
Voglio semplicemente fare della musica che abbia un significato per le persone! È un modo per me di condividere il mio cuore e l’anima, creando un mondo in cui le persone possano farne parte!

Qual è uno dei sogni che Margherita non è ancora riuscita a realizzare ma per il quale
sta lavorando duramente per raggiungerlo?
Voglio avere uno spettacolo teatrale davvero epico, con la nostra astronave sul palco! Vorrei avere un grande pianoforte con il quale spuntare dal backstage per alcune canzoni tra le fiamme! E, naturalmente, voglio portare il nostro spettacolo dal vivo in ogni angolo del mondo!

Edge of Paradise released their fourth studio album “The Unknown” (Frontiers Records) last September, we had the pleasure of interviewing Margarita Monet to ask her about her career.

Hi Margarita welcome to the Il Raglio del mulo, nice to have you here, how the story of Margarita and her idea of making metal began?
Hello and thank you so much for having me! Well, life kind of lead me into this direction. Growing up I played classical piano, was in theater and danced ballet, so metal wasn’t even on my radar. When I moved to Los Angeles from New York where I studied theater and music, I met guitarist Dave Bates. And Dave played rock and metal his whole life. We had similar passion and drive, and had a vision to create something of our own, that we could dedicate all our energy to! The songs we started to write together, just shaped into what they are today over the years. I always loved epic, symphonic music, that made you feel something! And since Dave played guitar, the heavy guitars added another element, and we fell into the rock/metal genre. But I honestly never imagined I’d have a band, life leads you in mysterious ways sometimes!

How is it to make metal in Europe what it means to be part of a great band as Edge of Paradise, at some point did you think to leave everything and continue a normal life, would we say?
We are based in Los Angeles, USA, so over here to be a musician is not an easy path. We feel like in Europe and some other parts of the world, music has much more support! Over here, you really need to build it from the ground up yourself, on top of being a best musician you can be, you have to be a smart business person, know how to market yourself, and somehow get money to invest in the project. These days not many labels sign artists to develop them, they want the artist to already have a foundation and making some money. So we put everything into this, booked our own tours, did everything ourselves until our album Universe, that came out in 2019, we got support from Frontiers. So the road is very difficult, long, but very rewarding when you see that the music we make makes a positive impact on someones life. I personally never thought of giving it up, just because it’s part of who I am, this music became an extension of myself, of course I have bad days, when I Feel discouraged, but I’m lucky to have Dave that has always been a rock and keeps me moving forward!

What are the main problems facing bands within the metal genre saturated scene worldwide?
Maybe trends, because we always kind of stuck to our own sound, and sometimes it doesn’t fit the current trend, that’s going on within the scene… so it’s almost like we have to create the new trend… And you have to get Spotify on your side, with the editorial playlists, it’s a very different
business now, even from when we started, 10 years ago!

In your opinion, what is it that does not allow progress to the underground?
I think the biggest is lack of funding. If we had more funding we wouldn’t have been able to move much faster. And even looking at music videos, if you look at Pop music, they have completely different budgets, there, so it reflects on the content, every music video is so elaborate, so of course more people would watch it. We always strive to create the best content we can, that’s eye catching, thought provoking, visually enticing. It takes a lot of funding… with streaming so prominent. These days, the artist can’t just rely on album sales anymore, there has to be more creative ways to make income to reinvest in the band to keep making content…

The internet today with digital music platforms, is a blessing or a curse in your opinion?
It’s both. On one side, it’s amazing that you can reach people from all over the world so easily, and if you get on Spotify and other steaming platforms editorial playlists, you can get vast exposure quick, it’s like modern day radio. But if you can’t then, it’s so easy to get lost in the sea of other bands, so you have to keep building your fanbase all on your own. I think you have to be smart these days in the ways to use technology and all these platforms.

Margarita, how many recorded materials have participated, and what other projects do you have besides Edge of Paradise?
“The Unknown”, is our fourth studio album. It’s definitely our best music to date, the album is so dynamic, thought provoking, cinematic, empowering and so much fun to listen to. We also have EP called “Alive”, that we released in 2017. In addition I participated in Magnus Karlsson’s album “Heart Healer”. But Edge Of Paradise is my life, so I dedicate everything to my band.

In your words, an emerging band, whatever the style of metal, can only succeed if it has a great label behind its art or on the contrary, today we have more freedom to be able to make our music known without depending on a label?
Having support of a label definitely helps with exposure, and of course, if the label can help
invest, it would help greatly with making better content. But I don’t think a band can only
succeed with a help of a label. So many artists are doing it on their own, and are able to grow their fanbase! Everyone has their own journey and yes, today there is freedom and resources to do this on your own! We are kind of an example of that, because we’ve built up the band for
seven years without the help of a label, and we made our album “Universe” ourselves, we only got signed by Frontiers after we created the album, and they released it! And veteran producers
work with independent artists these days all the time! So these days, you’re definitely more of a master of your own destiny.

What do you think needs to change urgently in the music industry?
I think it would be great if labels invested more into development of artists in rock and metal genres!

What motivates Margarita to make metal? What passion moves you to make the art
of metal move?
I just want to make music that has meaning to people! It’s a way for me to share my heart and soul and create a world that people can be a part of!

Which is one of the dreams that Margarita has not yet been able to fulfill but that they are working hard to achieve at this time?
I want to have a really epic stage show, with our spaceship on stage! It has to have a grand piano, emerge from the bottom of the stage for some of the songs, and lots of fire! And of course, we want to bring our live show to every corner of the world!

Rhapsody of Fire – Il fuoco eterno

I Rhapsody of Fire tornano sul mercato e lanciano un antipasto (rinforzato) del loro prossimo album. Quello che doveva essere un semplice singolo, “I’ll Be Your Hero” (AFM Records / All Noir), si è trasformato – così come ci ha raccontato Alex Staropoli – in un vero e proprio EP pieno di chicche per i fan della band tricolore.

Benvenuto su Il Raglio del Mulo, Alex. Il vostro nome contiene da qualche anno ormai la parola “fire”, ma quanto è difficile mantenere acceso oggi quel fuoco considerando tutti i problemi che attanagliano il mondo della musica? Mi riferisco all’impossibilità di fare concerti a causa della pandemia, pirateria, scarsi guadagni dallo streaming ecc ecc…
Grazie per avermi invitato! Certamente rispetto a 20 o 30 anni fa il music business è cambiato parecchio e vivere di musica metal oggi può non essere cosi facile. Per noi il fuoco della passione, il desiderio di creare musica e di suonare per i nostri incredibili fan è sempre vivo.

A fonte di questa situazione difficile, quanto è impostante per un gruppo avere un prodotto fuori, anche solo un EP come nel vostro caso?
Il nostro nuovo EP uscito da poco, è l’apripista, ci saranno molte novità a seguire nelle prossime settimane e mesi. L’entusiasmo è alle stelle e non vediamo l’ora che i nostri fan ascoltino il nuovo studio album.

Se non erro, questo è il vostro terzo EP, quali sono i vantaggi di questo formato?
L’idea iniziale era quella di fare uscire il primo singolo, ma avendo anche altri brani disponibili, tra live e versioni alternative in lingue differenti, abbiamo deciso di fare un EP e rendere cosi il prodotto più corposo ed appetibile. Durando quasi 40 minuti, trovo sia interessante per i nostri fan, in preparazione al nuovo studio album.

Il disco si apre con “I’ll Be Your Hero”, possiamo considerare questa canzone rappresentativa dell’album che seguirà oppure il disco si muoverà su coordinate differenti?
Ogni brano è a se stante, le coordinate sono differenti e al contempo tutti i brani sono collegati da un filo conduttore importante. Elementi come la velocità, l’impatto orchestrale, la trama corale e vocale in questo disco sono stati curati al minimo dettaglio.

Come e quando è nata questa canzone?
Posso dire che l’intero nuovo album è stato scritto, arrangiato, registrato e mixato negli ultimi 2 anni. La fase compositiva è sempre complessa da descrivere. Non sempre lavoro sullo stesso brano, anzi, molto spesso lavoro su brani diversi contemporaneamente e lo trovo alquanto stimolante in quanto lavori su ogni brano sempre a mente fresca.

La seconda traccia è “Where Dragons Fly”, come mai avete voluto ripresentare questa canzone in una nuova versione e quali sono le maggiori differenze rispetto a quella originale?
Questo brano è uscito a suo tempo solo in Giappone contenuto nell’album “Legendary Years”. Abbiamo quindi pensato di rilasciarlo ora anche in tutti gli altri paesi. Tutti i brani contenuti in “Legendary Years” sono stati completamente ri-registrati e presentati in una nuova veste sonora. Con l’ingresso di Giacomo alla voce abbiamo voluto creare un disco rimettendo a nuovo alcuni dei brani più classici della nostra discografia, senza nulla togliere alle versioni originali, ci riteniamo soddisfatti del risultato, soprattutto per “Where Dragons Fly”, in cui abbiamo potuto usare strumenti veri e originali come l’arpa celtica e l’oboe barocco (non presenti nella versione originale) ed ovviamente il flauto barocco suonato da mio fratello Manuel Staropoli.

“Rain of Fury” e “The Courage to Forgive” appaiono in una versione live, entrambi I pezzi sono stati registrati a Milano durante il “The Eighth Mountain Tour” del 2019. Cosa ricordate di quella data e perché avete deciso di utilizzare proprio quei brani per questa uscita?
Suonare in Italia è sempre speciale ed abbiamo voluto celebrare quella serata a Milano con la testimonianza di questi due brani. La performance della band e l’entusiasmo del pubblico mi hanno convinto subito, cosi ho scelto quei due brani in particolare per rendere omaggio a quella serata e ai nostri fan italiani.

“The Wind, The Rain And The Moon” appare in quattro versioni differenti – inglese, spagnolo, italiano e francese. Da un punto di vista tecnico è stato difficile adeguare il brano alle differenti metriche? Vi siete limitati a una traduzione letterale del testo oppure avete apportato qualche lieve variazione?
Non è stato difficile, anche se ci vuole una certa dedizione e aiuto da persone madrelingua. Ovviamente, i testi non sono sempre facilmente traducibili, questo ti permette di creare testi alternativi in altre lingue con significati in linea con la versione originale del brano, ma espressi in modo diverso. Molto spesso, anzi sempre, la versione in Italiano ha una marcia in più!

Sul fronte live, magari in Europa, si vedono spiragli o è troppo presto per poter pensare a un vero e proprio tour?
Nei primi mesi del 2022 abbiamo varie date previste in Europa e siamo pronti a tornare on stage!! Desideriamo vedervi numerosi!

In chiusura vorrei farvi una domanda basata sulla tua esperienza: quando esplose il fenomeno Rhapsody, nella seconda metà degli anni 90, il vostro successo giovò a tutto il metal italiano, anche a gruppi con un sound molto differente dal vostro. Credete che oggi, senza entra nei dettagli della qualità della musica proposta e del cammino fatto, il successo dei Måneskin possa in qualche modo possa dare visibilità alla scena musicale italiana?
Non ne ho idea, non li ho mai sentiti. Non guardo la TV da molti anni e quindi non sono a conoscenza di un certo tipo di eventi e realtà. In Italia, soprattutto nel metal ci sono band fortissime, ci sono tantissimi gruppi e musicisti che suonano per passione e tantissime scuole di musica e altrettanti studenti che sono appassionati dalla musica. Il successo è relativo. Si può essere felici suonando uno strumento senza per forza avere successo o visibilità.

The Great Kat – Insanity and genius

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Un fiume di parole, veloce e tagliante come le sue note. The Great Kat e Katherine Thomas convivono nello stesso corpo, alternandosi. Non ci meraviglia, quindi, ascoltare la sua voce che passa dalla prima singolare alla terza persona plurale quando parla di lei, la suprema reincarnazione di Beethoven.

Benvenuta Kat, a che età hai iniziato a suonare e perché? Chi ti ha fatto conoscere il violino e la chitarra? Infine, è nato prima il tuo amore per la musica classica o per il rock e quando hai deciso di mescolare questi due generi musicali?
Prima di tutto, The Great Kat (http://www.Greatkat.Com) è:

Legenda e icona del metal
Juilliard Grad Violin Virtuoso
Violino solista della Carnegie Recital Hall
“Top 10 fastest shredders of all time”
Reincarnazione di Beethoven
L’unico virtuoso chitarra / violino dai tempi di Paganini

The Great Kat ha iniziato a suonare il pianoforte all’età di 7 anni e il violino all’età di 9 dopo aver ascoltato Beethoven sin dalla nascita. Dopo essere diventata rapidamente un virtuoso del violino, ho vinto una borsa di studio per studiare il violino alla Juilliard School e mi sono laureata con lode. Ho girato gli Stati Uniti, l’Inghilterra e il Messico come solista di violino classico e ho suonato per dignitari, come il governatore Oscar Flores Tapia a Saltillo, Coahuila in Messico e per il sindaco Ed Koch alla Gracie Mansion di New York City. Il Governatore Mario Cuomo ha conferito a The Great Kat (Katherine Thomas) il certificato di merito come “Destinatario del premio Palma Julia de Burgos in riconoscimento dei suoi eccezionali risultati musicali”. Katherine Thomas (The Great Kat) ha ricevuto un violino tedesco realizzato nel 1850 dalla Friends of Mozart Society. Ho vinto il concorso internazionale per violinisti e mi sono esibita alla Carnegie Recital Hall come violino solista. Come compositore, ho iniziato a cercare di aggiornare la musica classica con la musica popolare moderna. Ho incontrato Timothy Leary, un amico di famiglia e famoso professore di psicologia di Harvard e guru della psicologia applicata e abbiamo collaborato alla scrittura della canzone rock “Right Brain Lover”. Timothy Leary ha scritto i testi psichedelici selvaggi e io ho composto la musica e suonato il violino elettrico. Abbiamo registrato questa canzone mai pubblicata – i “Timothy Leary Papers”, conservati negli archivi pubblici di New York, contengono la canzone “Right Brain Lover” di Timothy Leary e Kat Thomas (The Great Kat). http://archives.Nypl.Org/mss/18400#c759755. Dopo la musica classica, mi sono imbattuta nell’heavy metal e ho capito che Beethoven è stato in realtà il primo metalhead, Paganini è stata la prima rock star e che metal e musica classica sono una combinazione perfetta! È stato allora che ho scelto la chitarra elettrica ed è nata The Great Kat!

Hai preso lezioni o sei stato autodidatta e quando ti sei resa conto di essere più dotata dei tuoi coetanei?
The Great Kat (Katherine Thomas) ha studiato violino, teoria, composizione, orchestra, musica da camera, direzione d’orchestra, storia della musica, solfeggio e molto altro alla scuola di Juilliard! Sono stato il primo violino dell’orchestra pre-college Juilliard, dove ho diretto un’intera orchestra sinfonica di altri musicisti di talento! Ho sempre saputo che The Great Kat era una dea immortale per il fatto che The Great Kat è la reincarnazione di Beethoven ed è impegnata in un viaggio senza sosta per fr rivivere il genio dei grandi compositori: Beethoven, Mozart, Rossini, Paganini, Bach e altri!

Perché preferisci essere una solista e non la leader di una band?
Chi se ne frega di guidare qualche band metal antica e antiquata, quando The Great Kat è l’unica rivoluzionaria in ambito musicale dai tempi Wagner, è qui per svegliarti, darti energia e stupirti con potenti creazioni classical shred! Inginocchiatevi!

Cosa ricordi dei giorni dei tuoi primi due album completi “Worship Me or Die!” (1987) e “Beethoven on Speed” (1990)?
Come è riposrtato nel famoso articolo del New York Times su The Great Kat e “Beethoven on Speed” durante l’era “Beethoven on Speed”:

“L’onda del futuro potrebbe essere Beethoven l’heavy metal di matrice Juilliard. L’album “Beethoven on Speed” della signora Kat eleva la furia a una nuova prospettiva del mondo. È costruito su assoli di chitarra elettrica speed-rock (veloce, virtuosistico, quasi tutto articolato con frenetiche strimpellate con la mano destra e maniacali movimenti della mano sinistra su e giù per la tastiera, l’estetica generale si regge sul presupposto più note al secondo è meglio). A cui aggiunge rauche imprecazioni per i suoi “schiavi” che strisciano davanti a lei e al suo genio prepotente. ” – John Rockwell, The New York Times.

“Beethoven on Speed” è la prima vera conquista da parte di The Great Kat e di tutta la musica classica e metal! Ascolta i capolavori ““Beethoven Mosh”, “Flight of the Bumble-bee”, “Funeral March”, “Beethoven on Speed” e ti sfido a non alzarti immediatamente con velocità e rabbia!

La Warner Music sta ora distribuendo questo geniale capolavoro su Spotify

“Worship Me or Die!” è il più grande capolavoro thrash della storia grazie al thrash brutale e inesorabile delle famose canzoni di Kat come “Metal Messiah”, “Satan Says”, “Ashes to Dust” e molte altre ancora.

Negli ultimi tempi stai festeggiando il compleanno dei grandi del passato come Rossini, Pablo de Sarasate, Vivaldi e altri. Il video-singolo è la nuova frontiera della musica?
Sì! Questa è la generazione di YouTube! I video sono un must per le persone per svegliarsi e capire la tua musica! Ora puoi festeggiare i compleanni dei maestri della musica con The Great Kat! Puoi procurarti la tua The Great Kat “Beethoven 250 Collection” in cd e dvd direttamente negozio di Kat all’indirizzo https://www.Greatkat.Com/katshredstore.Html#!/beethoven-250-birthday-cd- dvd-collection / c / 68206001 con “Beethoven’s Moonlight”, “Egmont”, “Eroica”, “Für Elise”, “Minuet”, “Beethoven Mosh 2”, “Pastoral”, “Beethoven 250 Mashup” e molto altro! The Great Kat ha festeggia a marzo i compleanni dei compositori classici: Vivaldi, Sarasate, Rimsky-Korsakov e Bazzini!

Infine, vorrei sapere i nomi dei compositori italiani che ami…
The Great Kat shred e adora questi compositori italiani qui sotto !! Leggi le loro biografie sul fantastico sito web di Kat all’indirizzo http://www.Greatkat.Com/54/composers.Html e guarda i video musicali su

1-ROSSINI-Italian Genius Opera Composer!
Rossini’s “William Telll Overture” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/5gEnPCYJ2Xw
Rossini’s “The Barber Of Seville” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/YG8N5RrPryc

2-VIVALDI-Italian Genius Baroque Composer!
Vivaldi’s “The Four Seasons” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/PEmqVXY1hAQ

3-PAGANINI- Italian Genius Violin Virtuoso/Composer!
Paganini’s “Caprice #24” Great Kat Video: https://music.apple.com/us/music-video/paganinis-caprice-24/368743262

4-MONTI– Italian Genius Violinist/Composer, who wrote “Czardas”!
“Czardas for Violin And Piano” Great Kat Video: https://music.apple.com/us/music-video/czardas-for-violin-and-piano/1456026177

5-BAZZINI-Italian Genius Violinist/Composer, who wrote “The Round Of The Goblins”!
Bazzini’s “The Round Of The Goblins” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/fK4tvFxlVrA

A torrent of words, as fast and cutting as her musical notes. The Great Kat and Katherine Thomas live together in the same body, taking turns. No wonder when we hear her voice passing from the first singular to the third person plural when she speaks of her, the supreme reincarnation of Beethoven.

Welcome Kat, what age did you start playing and why? Who did introduce you to violin and guitar? Was born first your love for classical music or for rock? And when did you decide to mix this two musical genres?
First of all, The Great Kat (http://www.Greatkat.Com) is:

Metal legend & icon
Juilliard Grad Violin Virtuoso
Carnegie Recital Hall violin soloist
“Top 10 fastest shredders of all time”
Reincarnation of Beethoven
The only guitar/violin double virtuoso since Paganini

The Great Kat began playing piano at age 7 and violin at age 9 after listening to Beethoven since birth. After quickly becoming a violin virtuoso, i won a full violin scholarship to study at the Juilliard School and graduated with honors. I toured the U.S., england, and Mexico as a classical violin soloist and played for dignitaries, such as governor Oscar Flores Tapia in Saltillo, Coahuila Mexico and mayor Ed Koch at Gracie Mansion in New York city. Governor Mario Cuomo awarded the Great Kat (Katherine Thomas) the certificate of merit as “Recipient of the Palma Julia de Burgos award in recognition of her outstanding musical achievements”. Katherine Thomas (The Great Kat) was the recipient of a German violin made in 1850 from the Friends of Mozart Society. I won artists international competition on violin and performed at Carnegie Recital hall as violin soloist. As a composer, i began looking to update classical music with modern popular music. I met Timothy Leary, a family friend and the famous Harvard psychology professor and mind-altering guru and we collaborated on the rock song “Right Brain Lover”. Timothy Leary wrote the wild psychedelic lyrics and i composed the music and played the electric violin. We recorded this never-released song — see “Timothy Leary Papers” at the New York public ibrary archives & manuscripts features Timothy Leary & Kat Thomas’ (The Great Kat) “Right Brain Lover” song. http://archives.Nypl.Org/mss/18400#c759755. After classical, i came across heavy metal and realized that Beethoven was actually the first metalhead, Paganini was the first rock star and that metal & classical music were a perfect combination! That’s when i picked electirc guitar and The Great Kat was born!

Did you have lessons or were you self-taught and when did you realise that you were gifted above your peers?
The Great Kat (Katherine Thomas) studied violin, theory, composition, orchestra, chamber music, conducting, music history, solfege and much more at the juilliard school!! I was the concertmaster at the Juilliard pre-college orchestra where i led an entire symphony orchestra of other talented musicians! I always knew that The Great Kat was an immortal goddess due to the fact that The Great Kat is the reincarnation of Beethoven and on a non-stop journey to wake you up to the genius of the great composers: Beethoven, Mozart, Rossini, Paganini, Bach and more!

Why do you prefer to be the solo woman on the command and not the leader of a band?
Who cares about leading some old-fashioned out-of-date metal band, when The Great Kat is the only musical revolutionary since Wagner here to wake you up, energize you, and geniusize you with powerful shredclassical creations! On your knees!!!!!

What do you remember about the days of your first two full length – “Worship Me or Die!” (1987) and “Beethoven on Speed” (1990)?
As The New York Times famous article on The Great Kat & “Beethoven on Speed” during the “Beethoven on Speed” era states:

“The wave of the future might well be heavy-metal Beethoven by way of Juilliard. Ms. Kat’s ‘Beethoven on Speed’ album elevates furiousness to a would-be world view. It is built on speed-rock electric guitar solos (fast, virtuosic, nearly everything articulated with frenzied right-hand strumming and manic left-hand skittering up and down the fret board, the general esthetic being more-notes-per-second equals better). To which she adds hoarse imprecations for her ‘slaves’ to grovel before her and her overpowering genius.” – John Rockwell, The New York Times.

“Beethoven on Speed” is the first of The Great Kat’s real takeover of all classical and metal! Listen to the masterpieces “Beethoven Mosh”, “Flight of the Bumble-bee”, “Funeral March”, “Beethoven on Speed” and i dare you to not get uplifted immediately with speed and anger! Warner music is now distributing this genius masterpiece on spotify

“Worship Me or Die!” is the greatest thrash masterpiece in history with brutal, unrelenting thrashing on kat’s famous songs like “Metal Messiah”, “Satan Says”, “Ashes to Dust” and much more.

In the last times you are celebrating the birthday of the greats of the past as Rossini, Pablo de Sarasate, Vivaldi and more. Is the video-single the new frontier of the music?
Yes! This is the youtube generation! Videos are a must-have for people to wake up and understand your music! Now celebrate the birthdays of the masters of music with The Great Kat!! Happy Beethoven’s 250th birthday (celebrated on dec 16, 2020)! Get your Great Kat “Beethoven 250 Collection” of cds & dvds on the kat store at get them all on the kat store at https://www.Greatkat.Com/katshredstore.Html#!/beethoven-250-birthday-cd-dvd-collection/c/68206001 featuring The Great Kat’s “Beethoven’s Moonlight”, “Egmont”, “Eroica”, “Für Elise”, “Minuet”, “Beethoven Mosh 2”, “Pastoral”, “Beethoven 250 Mashup” and much more! The Great Kat is celebrating classical composers birthdays in march: Vivaldi, Sarasate, Rimsky-Korsakov & Bazzini birthday!!

At the last, I’d like to know the names of the Italian composers you love…
The Great Kat shreds and loves these Italian composers below!! Read their biographies on the great kat web site at http://www.Greatkat.Com/54/composers.Html and watch music videos at

1-ROSSINI-Italian Genius Opera Composer!
Rossini’s “William Telll Overture” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/5gEnPCYJ2XwRossini’s “The Barber Of Seville” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/YG8N5RrPryc

2-VIVALDI-Italian Genius Baroque Composer!
Vivaldi’s “The Four Seasons” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/PEmqVXY1hAQ

3-PAGANINI- Italian Genius Violin Virtuoso/Composer!
Paganini’s “Caprice #24” Great Kat Video: https://music.apple.com/us/music-video/paganinis-caprice-24/368743262

5-BAZZINI-Italian Genius Violinist/Composer, who wrote “The Round Of The Goblins”!
Bazzini’s “The Round Of The Goblins” (Official Great Kat Video) https://youtu.be/fK4tvFxlVrA

Sirenia – Riddles, ruins and revelations

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I Sirenia si sono rinnovati con il loro decimo album in studio, “Riddles, Ruins & Revelations” (Napalm Records). Abbiamo fatto due chiacchiere con il mastermind Morten Veland, un uomo che non ha certo paura di combinare il metal sinfonico con le influenze più moderne.

Benvenuto Morten, come è nato il vostro decimo album “Riddles, Ruins & Revelations”?
A causa della pandemia questo si è rivelato un album impegnativo da realizzare, abbiamo dovuto fare molte cose in modo molto diverso da quello che avremmo fatto normalmente. La pandemia ha colpito l’Europa con tutta la sua forza solo pochi giorni prima l’inizio delle nostre sessioni di registrazione dell’album. Il volo di Emmanuelle è stato cancellato e non è riuscita ad arrivare in Norvegia se non sei mesi dopo. Di conseguenza l’album è stato posticipato di sei mesi. Anche realizzare video e foto promozionali è stato complicato e al momento non siamo ancora in grado di fare un tour. Quindi è una situazione frustrante quella in cui noi artisti in generale e fan ci troviamo in questi giorni.

Oggigiorno non hai paura di combinare un suono sinfonico pesante con influenze moderne, perché hai cambiato il tuo approccio alla musica in questi anni?
Ogni volta che inizio a scrivere materiale per un nuovo album, tendo a passare i primi due mesi a sperimentare e cercare una nuova direzione in cui posso portare l’album. Questa volta sono stato ispirato da molti suoni di tastiera retrò ed elementi elettronici. Questi sono elementi che sono stati presenti anche in passato, ma questa volta abbiamo decisamente dato loro un ruolo più importante. Mi è piaciuto molto fare questo album, ed è questo che è importante per me, cercando di far rimanere le cose interessanti. Ho bisogno di nuove motivazioni e ispirazione ogni volta e ho bisogno di fare cose nuove per rimanere ispirato.

L’album si conclude con una vostra versione della hit “Voyage Voyage” dei Desireless` 1986, non temi la reazione dei tuoi fan a una cover di una canzone pop?
No, assolutamente no. Se dovessimo temere le reazioni dei fan e degli ascoltatori, tanto vale smettere di fare musica. Comunque ci aspettavamo certamente feedback contrastanti su quella canzone. Ma le reazioni sono state sorprendentemente positive, devo dire. Per me non ha mai avuto senso per una band metal coverizzare un’altra band metal, dato che le versioni suonerebbero comunque troppo simili. Ho sempre preferito trovare una canzone di un genere diverso e poi trasformarla in una versione metal.

Secondo te “Riddles, Ruins & Revelations” contiene una o più canzoni che potrebbero lasciare un segno nella carriera dei Sirenia? Forse “December Snow”?
Non sono sicuro di aver capito esattamente cosa intendi, ma direi che canzoni come “December Snow”, “We come to Ruins” e “Downwards Spiral” sono una specie di canzone tipica dei Sirenia. Hanno la maggior parte degli elementi per cui siamo conosciuti negli anni.

In “Downwards Spiral” Emmanuelle è supportata dalla voce di Joakim Næss, perché ti piace lavorare con lui così spesso?
La risposta a questa domanda è abbastanza semplice: perché amiamo la sua voce. È un grande cantante e amico ed è molto bello lavorare con lui. Anche la sua voce si fonde perfettamente con la nostra musica.

Qual è la tua dipendenza n. 1?
Birra artigianale.

Dopo questo difficile 2020, pensi che la pandemia abbia dimostrato che l’arte è essenziale per la vita delle persone? La musica ancora di più?
Sicuramente credo che la musica possa essere una forza positiva nella vita della gente, e ho sentito da molte persone come la musica le abbia aiutate nei periodi difficili della vita. Penso che la musica abbia svolto un ruolo importante per molti in particolare durante questa pandemia.

Quanto è difficile la vita per un musicista lontano dal palco?
È molto difficile. Non sono stato in questa situazione dal 1991. Non che ci fosse una pandemia in quel momento, ma quella è stata l’ultima volta che sono andato per così tanto tempo senza far nulla.

Trasmetterete in streaming un release concert per “Riddles, Ruins & Revelations”?
Avevamo dei piani per quello. Ma si è rivelato così complicato e rischioso da organizzare in questi tempi, che per ora abbiamo deciso di lasciar perdere. Forse faremo uno spettacolo in live streaming in un secondo momento, ma per ora quei piani sono in sospeso. La nostra band è trasmessa in tutta Europa, in Norvegia, Regno Unito e Francia. Questo non si è mai rivelato complicato in passato, ma durante la pandemia è stato più difficile per motivi pratici. Mi mancano davvero il resto della mia band e i nostri fan. Non vedo l’ora di tornare di nuovo in tour. Un saluto a tutti i nostri fan italiani, state al sicuro e speriamo di vedervi presto.

Sirenia are renewed in darkness with their tenth studio album, “Riddles, Ruins & Revelations” (Napalm Records). We had a chat with the mastermind Morten Veland, a man who is certainly not afraid of combining a heavy symphonic sound with modern influences.

Welcome Morten, how is born your tenth album “Riddles, Ruins & Revelations”?
Due to the pandemic this turned out to be a challenging album to make, we had to do a lot of things quite different than we would normally do. The pandemic hit Europe with full force just a few days before we were supposed to begin the recording sessions for the album. Emmanuelle’s flight was canceled and she were not able to make it to Norway until six months later. As a result the album was postponed by six months. Also making videos and promo pics was complicated, and at the moment we are still not able to tour. So it is a frustrating situation that we, artists in general and fans find ourselves in these days.

Nowdays you are not afraid of combining a heavy symphonic sound with modern influences, why did you change your approach to the music in these years?
Every time that I start writing material for a new album, I tend to spend the first couple of months experimenting and searching for a new direction in which I can take the album. This time I was inspired by a lot of retro keyboard sounds and electronic elements. These are elements that have been with us in the past as well, but we definitely gave them a bigger role this time. I really enjoyed making this album, and that is what it is about for me, trying to make things remain interesting. I need new motivation and inspiration every time, and I need to do new things in order to stay inspired.

The album ends with a cover of Desireless` 1986 hit “Voyage Voyage”, don’t you fear your fans’ reaction to a pop song cover?
No, absolutely not. If we were to fear the reactions from fans and listeners we might as well stop making music. However we certainly was expecting mixed feedback on that song. But the reactions have been surprisingly good I must say. To me it never really made any sense for a metal band to cover another metal band, as the versions would end up sounding too similar anyway. I always preferred finding a song in a different genre and then turning it into a metal version.

According to you does “Riddles, Ruins & Revelations” contain one or more songs that could mark the career of Sirenia? Maybe “December Snow”?
Not sure if I understand exactly what you mean, but I would say that songs like “December Snow”, “We Come to Ruins” and ‘Downwards Spiral’ are kind of typical Sirenia songs. They have most of the elements that we are known for over the years.

In “Downwards Spiral” Emmanuelle is supported by the voice of Joakim Næss, Why do you love working with him so often?
The answer to that question is quite simple, it is because we love his voice. He is a great singer and friend and it is very nice to work with him. His voice also blends perfectly into our music.

Which is your addiction n. 1?
Crafts brew.

After this difficult 2020, do you think this pandemic has shown that art is essential for people’s lives? Music even more?
I certainly do believe that music can be a positive force in people’s lives, and I have heard from many people how music has helped them through difficult periods of the lives. I think that music has played an important role for many during this pandemic in particular.

How difficult is life for a musician far from the stage?
It is very difficult. I have not been in this situation since 1991. Not that there was any pandemic at that time, but that was the last time I went for such a long time without entering a stage.

Will you stream a release concert for “Riddles, Ruins & Revelations”?
We had plans for that. But it turned out to be so complicated and risky to arrange in these times, that we decided to drop it for now. Maybe we will do a live stream show at a later point, but for now those plans are on hold. Our band is spread all over Europe, in Norway, UK and France. This never proved to be complicated in the past, but during the pandemic it has been more difficult for practical reasons. I really miss the rest of my band and our fans. I can’t wait to be back on tour again. Cheers to all our Italian fans, stay safe and we hope to see you soon.

Winterage – L’eredità della bellezza

I Winterage, come scoprirete leggendo le parole di Gabriele Boschi (violino e maggior compositore della band), hanno voglia di riprendersi il tempo perduto tra la pubblicazione “The Harmonic Passage” e quella del nuovissimo “The Inheritance of Beauty” (Scarlet Records), ma lo vogliono fare a modo loro, senza perdere di vista il concetto di bellezza, elemento su quale si base il loro percorso artistico.

Benvenuto Gabriele, ben sei anni separano il vostro primo full-length “The Harmonic Passage” dal nuovo “The Inheritance of Beauty”, se consideriamo che tra l’EP di esordio e il suo successore sono trascorsi quattro anni, verrebbe da pensare che il vostro iter compositivo richiede molto tempo. E’ così o questi tempi dilatati sono una conseguenza di fattori esterni?
Ciao e grazie per averci ospitati! In realtà questi tempi dilatati sono stati causati dalla naturale crescita della band. Mi spiego, in modo molto schietto: avere una band nel 2020, nel pieno della decadenza annunciata della discografia, è un impegno non da poco che va incastonato nella miriade di attività multitasking che vengono richieste a noi giovani per sopravvivere. Siamo una generazione così, c’è poco da piangersi addosso! Quindi in questi anni abbiamo affiancato l’attività della band alla nostra formazione professionale, ricordo che l’età media della band è di 28 anni, giungendo ad oggi con una formazione più compatta, una mentalità più matura, e degli obiettivi più delineati. Certo, avere a disposizione molto tempo ha anche favorito la cesellatura del materiale compositivo, rendendo il songwriting più incisivo. Ma da ora in avanti posso abbastanza sbilanciarmi nel dire che non passerà più così tanto tempo tra un album e l’altro!

Mi daresti la vostra definizione di bellezza?
Con questo album abbiamo voluto mostrare un’opera d’arte, un’icona senza tempo in rappresentanza dell’autentica bellezza: la “Nascita di Venere” di Sandro Botticelli. Agganciandoci concettualmente a questo dipinto, riconosciuto internazionalmente e nei secoli come uno dei maggiori canoni di bellezza, abbiamo voluto suggerire uno sguardo sul mondo di oggi e su come è vista oggi un’opera d’arte. Con uno sguardo un po’ decadentista, ci siamo scoperti sommersi dal quasi totalizzante utilizzo commerciale dell’arte, dalla poca ricercatezza che molti “artisti” imprimevano nei loro lavori rivolgendo il loro sguardo unicamente al profitto che ne sarebbe derivato. Insomma, abbiamo percepito come traditi quei valori che a nostro parere dovrebbero essere fondanti per la creazione e la fruizione di qualcosa di artistico: un’ideale, un’ispirazione, pura e senza doppi fini, un’identità artistica che traspaia dall’opera d’arte, trascendendola. Ecco, tutto questo, forse, potrebbe essere la nostra definizione di bellezza nel 2020. Ci siamo rifatti molto alla mitologia greca ed al loro mondo, proprio perché i greci si interrogavano su quale potesse essere la rappresentazione dell’estrema bellezza e, ricercandola, con impegno e dedizione impegnavano anche tutta la vita a questo scopo, producendo capolavori che ancora oggi ammiriamo. Scusa se mi dilungo, ma è una domanda che racchiude un concetto su cui si potrebbero scrivere intere tesi di laurea! Per concludere, nel nostro ultimo brano abbiamo però suggerito un’idea che apre uno spiraglio di speranza su tutta questa visione decadentista. Il costruttore di giocattoli, attraverso i suoi balocchi, apparentemente insignificanti, vuole risvegliare nell’animo assopito delle persone questo guizzo artistico.

Alla luce di quanto mi hai detto, cosa ci lascia, o ci ha lasciato, in eredità la bellezza?
Riallacciandomi al giocattolaio di cui parlavo prima, è lui che ci spiega che l’eredità di questa bellezza appena descritta è indissolubilmente presente nell’animo umano, sopita, ma con tutte le potenzialità per divampare nuovamente. Egli spera che i suoi giocattoli con il loro guizzo bambinesco, possano essere la miccia che faccia accendere il fuoco dell’immaginazione che è presente da tempi primordiali in ognuno degli esseri umani. Concludo quindi riportando le lyric dell’ultimo ritornello del disco, un passaggio a cui tengo molto e che può riassumere la risposta a questa domanda:

AN EXTRAORDINARY WORLD RESIDES IN OUR REAL
MATTER WILL ITS ESSENCE MOST INTANGIBLE REVEAL
THE WEFT OF BEAUTY IS GLOWING FROM THE STRUCTURE OF OUR WORLD
AND THE GREATNESS OF LOVE IS SPREADING
AND NATURE IS CHANTING UNTAMED
THE PRIMORDIAL DIVINE MIGHT

Nel disco ci sono dei rimandi evidenti alla classicità, mi riferisco alla Venere in copertina o all’utilizzo di strumenti quali violini, voci liriche ecc. Come è possibile coniugare classicità e contemporaneità senza cadere nel pacchiano?
Penso che come in ogni cosa, difficilmente si può scadere nel pacchiano, quando alle spalle si ha un’idea di cui si è convinti e per la quale si lavora molto per la sua realizzazione con cognizione di causa. C’è da dire che strumenti orchestrali e metal sono coesistiti fin dal primo avvento del rock, ed il risultato in genere è stato quasi sempre piacevole. La nostra idea in questo album è stata quella di organizzare, al meglio delle nostre capacità, gli elementi portanti del nostro sound, miscelandoli nel genere power metal. Quindi orchestrazioni, citazioni della musica tradizionale irlandese, melodie di violino, citazioni dalla musica sinfonica, assoli neoclassici ed ultimamente anche un avvicinamento più importante verso la lirica ed il virtuosismo violinistico, coesistono all’interno degli stessi pezzi, organizzati da un songwriting minuzioso. Per rispondere alla domanda, penso che se “orchestri” antico e moderno con intelligenza, si possano ottenere degli ottimi risultati!

Avete lavorato con una vera orchestra, è stato difficile interagire con musicisti provenienti da un ambito musicale diverso dal vostro?
No assolutamente, abbiamo registrato le loro parti su tutto l’album in tempi record: in una giornata di studio dedicata ad ogni sezione siamo riusciti ad incidere tutto. Discorso diverso è per i cori, ci sono volute tre giornate per quelli lirici femminili, altre tre per quelli maschili ed un paio per i leggeri femminili; ma non perché fossero meno bravi i coristi, semplicemente avevano il triplo delle parti da cantare! Alla fine, i musicisti professionisti sono abituati a leggere le parti d’orchestra. Cruciale è la fase di scrittura delle parti e di progettazione della sessione di studio: più cose scrivi a casa (indicazioni di tempo, dinamica, legature, arcate, spesso addirittura le diteggiature), prima loro capiscono quello che vuoi e meno tempo perdi in studio, riuscendo così a registrare più minuti di musica. In questa fase è stato di enorme aiuto il Maestro Vito Lo Re che, grazie alla sua esperienza di direttore durante le sessioni di registrazione d’orchestra, e di compositore, ha saputo ottimizzare al meglio il tempo che avevamo e mi ha dispensato degli ottimi consigli in itinere.

Quasi a confermare la vostra visione “allargata” della musica, troviamo due produttori appartenenti a due sottogeneri del metal tra loro a prima vista agli antipodi, mi riferisco a Tommy Talamanca e Roberto Tiranti. Questa collaborazione cosa ha aggiunto ai vostri brani?
Sono state due figure di enorme aiuto per la buona riuscita del progetto. Entrambi sono dei professionisti nel loro settore e hanno subito capito come impostare il lavoro con noi. I tempi per ogni sessione erano diversi: con Roberto, le registrazioni delle linee vocali di Daniele si sono svolte con molta calma, in modo da registrare sempre al top della forma e della sua resa vocale; mentre con Tommy, sempre preservando la qualità, abbiamo fatto delle belle full-immersion di giornate di studio cercando di ottimizzare i tempi vista la mole di roba da registrare. Per esempio Luca ha inciso tutte le batterie del disco in soli tre giorni e io le mie parti di violino in uno e mezzo: anche in questo caso è stata fondamentale la preparazione e lo studio a casa!

Ma come nascono i vostri brani?
I brani di questo album vantano ancora l’alchimia compositiva dei tre fondatori della band: me, Dario e Riccardo Gisotti, oltre che l’apporto costante di tutti i membri. Ognuno di noi propone alla band delle idee, delle melodie, dei riff, che vengono discussi e “rimpastati” assieme, magari cambiando qualche accordo o qualche nota per rendere quella parte più interessante o quell’altra più struggente. Insieme si costruiscono così i pezzi e, a suon di compromessi da parte di tutti, si giunge al brano finito, che porta quindi l’apprezzamento generale. Bene o male la regola è questa, spesso invece qualcuno scrive un pezzo in autonomia e poi lo presenta alla band: è il caso di “Wisdom of Us”, brano interamente composto da Dario, o di “The Amazing Toymaker”, pezzo che posso vantarmi di aver scritto da solo.

Da dove proviene la vostra fascinazione per il folk irlandese?
Tutti noi Winterage abbiamo un lato folk nel nostro gusto musicale, che ci porta ad apprezzare le tradizionali sonorità irlandesi, chi più e chi meno. Negli anni, questa vena folk si è espansa a dismisura nel cuore del nostro (ormai ex) tastierista Dario, tanto che ha deciso di seguire unicamente quella strada. La sua conoscenza del repertorio irlandese è pressoché infinita, sa suonare migliaia di tunes, con almeno quattro strumenti diversi, e col tempo è diventato il referente ufficiale di questa influenza nella band. Anche se ora Dario non fa più parte del gruppo, questa vena folk rimarrà comunque parte integrante del nostro sound, così come lui il referente indiscusso a cui chiederemo sempre consigli, oltre che di partecipare alle future registrazioni!

Credi che il singolo, “Orpheus and Eurydice”, sia in grado di presentare a pieno la complessità del disco o inevitabilmente ne dà una visione parziale da completare necessariamente con l’ascolto dell’album?
Quel brano è stato concepito proprio con l’idea di voler unificare tutto il sound della band in un unico pezzo. Come accennavo, in questo album abbiamo voluto gestire meglio tutte le influenze diverse, integrandole meglio all’interno dei pezzi, e questo brano ne è l’esempio più calzante. Siamo molto legati a quel brano perché siamo riusciti a far conciliare le melodie tipiche del power metal, delle ritmiche aggressive, il ritornello cantabile, la parte lirica, il tune folk, l’intermezzo orchestrale, il tutto condito con delle belle scariche di doppio pedale, whistles di voce ed orchestrazioni bombastiche… ok scusa mi sono esaltato haha! Per rispondere alla domanda, è probabile che questo pezzo riassuma il sound generale della band, ma se uno ne è affascinato, l’ascolto dell’album sarà sicuramente molto più soddisfacente, anche perché l’ultimo brano della durata 16.30 minuti, suggerisce delle sonorità nuove per noi, derivanti dal musical e dalla musica per film che nel singolo non sono presenti.

Quando sarà possibile tornare all’attività live, come proporrete sul palco dei pezzi così complessi e ricchi di sfumature?
Per promuovere l’uscita dell’album volevamo organizzare nuovamente uno show in teatro con il quartetto d’archi, ma visti i tempi non ci è stato permesso. Durante i nostri live veniamo accompagnati dalle sequenze, che riproducono tutto il grande lavoro che è stato fatto in studio di registrazione, favorendo la resa sinfonica. Il mio sogno nel cassetto è quello di suonare live con orchestra e coro… ma ne deve passare di acqua sotto i ponti ancora!

Ad Infinitum – The acoustic storm

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

La symphonic metal band Ad Infinitum ha reinventato durante il lockdown il proprio debutto, “Chapter I: Monarchy”, realizzandone una nuova versione acustica, “Chapter I Revisited“ (Napalm Records). Ne abbiamo parlato con la cantante Melissa Bonny.

Benvenuta Melissa, “Chapter I Revisited” è uscito il 4 dicembre, questo album acustico era già stato programmato o è stato ideato durante il lockdown?
Quando ci siamo resi conto che probabilmente non saremmo andati in tour nel 2020, abbiamo deciso di trovare altri modi per entrare in contatto con le persone che amano la nostra musica. È così che è nata l’idea di creare il “Chapter I Revisited”.

In questa versione acustica, hai scoperto nuovi aspetti delle tue vecchie canzoni?
Sì! Adrian ha sostituito completamente le orchestrazioni con le chitarre. Questo dà un’atmosfera e un umore completamente nuovo ai brani. E Nik ha fatto un lavoro fantastico con le percussioni.

Come è cambiato il tuo modo di cantare per questa nuova versione acustica?
Ho dovuto adattarmi all’energia degli strumenti. Sono stata l’ultima a trasformare la mia parte e a registrarla. La voce è un po’ più morbida rispetto all’album originale e ho sostituito alcune delle urla con nuove melodie vocali.

Quanto è importante per voi pubblicare un album ora che la pandemia da Covid-19 ha paralizzato l’intera industria live?
Questo è il modo migliore per essere presenti, per raggiungere le persone, per rimanere in contatto con i fan.

Come trascorri le tue giornate lontano dai palchi?
Molta musica. Con gli Ad Infinitum ho pubblicato un acustico mentre scrivevo un nuovo album e spedivo il merchandising e mi occupavo della creazione dei video e così via. Questo è principalmente quello che ho fatto durante l’intero anno e quello che sto ancora facendo in questo momento, haha! Mi sto occupando anche di alcune registrazioni per altri artisti e progetti. Oltre alla musica, mi piace fare un giro in bicicletta nella foresta o in spiaggia, o semplicemente passare un po’ di tempo a casa.

Che tipo di musica ascolti in questi strani giorni?
Di recente mi sono innamorata di Myrath e Pyramaze. Ma ascolto anche tanta musica di generi diversi… È difficile elencare tutto!

A casa preferisci il formato fisico o le piattaforme digitali?
Preferisco le piattaforme digitali. Avevo così tanti CD che non riuscivo più a conservarli. Ora, compro solo formati fisici o per aiutare i miei amici che hanno dei gruppi o per averli come oggetti da collezione.

Quanto spesso ascolti le tue vecchie canzoni?
Raramente. Sono molto critica con me stessa e le prime registrazioni che ho fatto non sono più piacevoli alle mie orecchie quanto lo erano quando erano più recenti.

“Marching On Versailles” ha raggiunto oltre un milione di stream su YouTube. Ti piace questo metro di successo?
È fantastico! Per una nuova band come noi, questo significa molto. Significa che abbiamo fatto un ottimo lavoro e che tutto questo tempo, l’energia e il cuore che abbiamo investito in questo disco sono stati apprezzati.

Possiamo considerare “Marching On Versailles” una canzone rivoluzionaria?
Molte persone pensano che questo sia un omaggio alla rivoluzione francese. Ma non è così. Racconta la storia delle persone che patirono la fame, sanguinarono o morirono durante la costruzione di Versailles.

Uno dei personaggi principali della rivoluzione francese, Maria Antonietta, era una donna in un mondo di uomini. Come vivi il tuo ruolo di donna nella scena metal dominata dagli uomini?
Cerco di fare il mio lavoro nel miglior modo possibile, nello stesso modo in cui i miei compagni di band fanno il loro, senza alcuna differenza di trattamento. Trasporto il materiale come chiunque altro in tour. Quindi, ignoro i commenti ignoranti di persone che pensano che una cantante donna debba essere una principessa o una regina. E se davvero mi arrabbio, scateno il mostro che c’è in me, ahah!

Quando è nato il tuo amore per il metal?
Quando avevo 18 anni, grazie al mio ragazzo di allora. Sono felice di averlo incontrato, ovviamente!

Quando hai capito di poter essere una cantante?
Sono cresciuta pensando che questo non fosse un vero lavoro. Poi, alcuni anni fa, ho capito che puoi fare carriera nella musica se lavori abbastanza duramente, lavorare in un ufficio di una business school non mi rendeva davvero felice (al contrario) e non era quello che io volevo fare per il resto della mia vita.

Le tue prossime mosse?
Scrivere musica e preparare l’uscita del nuovo album!

Symphonic metal band Ad Infinitum have reimagined during the lockdown their debut album, “Chapter I: Monarchy”, with “Chapter I Revisited” (Napalm Records), a very special acoustic version of their first full-length. We talked it over with with the singer Melissa Bonny.

Welcome Melissa, “Chapter I Revisited” was released on 4^th December, this acoustic album was already scheduled or was studied after the lockdown?
When we realized we would probably not go on tour at all in 2020, we decided to find other ways to connect with the people who enjoy our music. That’s how the idea of creating Chapter I Revisited started.

In this new version, did you discover new aspects of your old songs?
Yes! Adrian replaced completely the orchestrations with layers of guitars. This gives a brand new atmosphere and mood to the songs. And Nik did a fantastic job with the percussions.

How is changed your way to sing for this new acoustical version?
I had to adapt to the energy of the the instruments. I was the last one to transform my part and to record. The vocals are a bit softer than on the original album and I replaced some of the screams by new vocal melodies.

How much important is for you to have out an album now that the Covid-19 pandemic has crippled the whole live industry?
That’s the best way to be present, to reach people, to stay connected with the fans.

How do you spend your days far from the stages?
A lot of music. Ad Infinitum is releasing an acoustic album while writing a new album while shipping merch while creating videos and so on. That’s mostly what I have done the entire year and what I am still doing right now haha! Also some recordings for other artists and projects. Beside music, I love to get out on a bike ride in the forest or at the beach, or simply to have some cozy time at home.

What kind of music are you listing to in these strange days?
I recently fell in love with Myrath and Pyramaze. But I also listen to so much music from so many different genre… It’s hard to list everything!

At home do you prefer physical format or digital platforms?
I prefer digital platforms. I used to have so many CDs that I couldn’t store them anymore. Now, I only buy physical formats either to help my friends who have bands or to have them as collectible items.

How often do you listen your old songs?
Rarely. I am very critical with myself and the first recordings I did are not anymore pleasant to my hears as much as they were when they were recent.

“Marching On Versailles” reached the goal of more than one million stream on YouTube. Do you like this meter of success?
It’s amazing! For a new band like us, this means a lot. It means that we did a great job and that all this time and energy and heart that we invested into this record is appreciated.

“Is Marching On Versailles” a revolutionary song?
Many people think that this is a tribute to the French revolution. But it is not. It tells the story of the people who starved, bled or died during the construction of Versailles.

One of main character of the French revolution was a woman, Marie Antoinette, in a world of men. How do you live your role of woman in the metal scene dominated by men?
I try to do my job as best as I can, the same way my band mates do theirs, without any difference of treatment. I carry the material just like anybody on tour. Then, I just ignore the uneducated comments of people thinking that a female vocalist has to be a princess or a drama queen. And if really I get pissed off, I unleash the monster in me, haha!

When is born your love for metal?
When I was 18, thanks to the boyfriend I had back then. I am grateful we met, obviously.

When did you understand you could be a singer?
I grew up thinking that this wasn’t a real job. Then, a few years ago, I realized that you can make a career in music if you work hard enough and that working in an office in a business school really wasn’t making me happy (quite the opposite) and wasn’t what I wanted to do for the rest of my life.

Your next moves?
Writing music and preparing a new album release!

Leaves’ Eyes – The last Vikings

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

I Leaves’ Eyes hanno iniziato, qualche anno fa, una nuova fase della loro storia accogliendo nelle proprie fila la nuova cantante Elina Siirala al posto Liv Kristine storico volto del gruppo. Ciò che non è cambiato è l’amore per la storia e la mitologia norrena, ancora una volta in “The Last Viking” (AFM Records) i vichinghi diventano i protagonisti assoluti, con quello che è stato l’ultimo capitolo della loro avvincente saga.

Benvenuti su Il Raglio del Mulo, Alex e Tosso. Potremmo considerare questo album la terza parte della saga iniziata con “Vinland Saga” (2005) e “King of Kings” (2015)?
Alex: Beh, con i Leaves’ Eyes siamo stati e saremo sempre immersi nella mitologia norrena, argomenti medievali, poteri della natura, paesaggi leggendari e temi mistici. In realtà non è una trilogia, ma puoi considerare gli album collegati. Soprattutto in “Sign of the Dragonhead” c’è un legame con “King of Kings” ma anche con “The Last Viking”, poiché l’ultima canzone “Waves of Euphoria” parla del re norvegese Hardrada, l’eroe di “The Last Viking”. Quindi i fan di die hard dei Leaves ‘Eyes potrebbero anche indovinare dove sarà il prossimo viaggio. Con l’album pubblicheremo anche il DVD “Viking Spririt”, un film documentario di oltre 90 minuti in cui potrai scoprire molto del fascino dello stile di vita vichingo, della storia, della mitologia norrena e della connessione con la musica dei Leaves ‘Eyes. Immagino che i vichinghi abbiano lasciato delle tracce significative in molti paesi, questo è probabilmente uno dei motivi per cui leggende, tradizioni e saghe sono ancora vive e le persone di tutto il mondo si innamorano della storia norrena. A proposito, anche la colonna sonora di “Viking Spirit” è fantastica ed è disponibile come il film nell’edizione artbook del nuovo album!

Potreste essere più dettagliati sul contenuto del concept?
Alex: Sono molto entusiasta del concept di “The Last Viking” ed è stato molto divertente lavorarci. Si tratta delle avventure di Hardrada. Immagino che ne si potrebbe facilmente creare un grande programma televisivo come Game of Thrones, forse si sono persino ispirati a questa saga. Iniziamo l’album nel momento in cui Hardrada muore e viene colpito da una freccia al collo a Stamford Bridge in Inghilterra nella battaglia per la corona d’Inghilterra. Nell’ultimo respiro tutta la sua vita ritorna in un lampo e accompagnammo gli ascoltatori nelle avventure del re nordico nei suoi viaggi attraverso paesi lontani durante la sua fuga da giovane dalla Norvegia, quando ha combattuto per il re dei rus e servito la guardia varangiana, sposato una principessa russa e poi tornato in Norvegia per diventare re. Un gran vicenda e con un impatto notevole sulla storia: dopo la morte di Harald Hardrada nel 1066, l’era vichinga è finita.

Chi è oggi, nella società moderna, l’ultimo vichingo?
Alex: La trama dell’album è ovviamente in chiave epocale e storica. Quindi è difficile trasferirlo nel nostro tempo, probabilmente potresti vedere i miei amici impegnati nella scena della rievocazione come una sorta di “Ultimi vichinghi”. Cerchiamo di mantenere vivo il modo di vivere vichingo e la loro eredità, anche se facciamo parte di questo mondo moderno. Come già accennato, il documentario “Vikings Spirit” uscirà insieme al nuovo album! Lì potrai immergerti nel moderno stile di vita vichingo.

Perché siete così attratti dalla storia vichinga?
Alex: L’era vichinga, la sua storia e le sue saghe sono sicuramente un’enorme fonte di ispirazione per me. Sono anche un combattente con spada nelle rievocazioni vichinghe. Lo faccio da molti anni, mi alleno ogni settimana, vado alle battaglie per combattere e ho amici vichinghi in tutto il mondo. Il gruppo Jomsborg, di cui faccio parte, è il più grande esercito moderno vichingo e gruppo internazionale con sedi in molti paesi e diversi continenti. Per me questa è una parte molto importante della mia vita. Quindi questo è qualcosa che sicuramente introduco nell’universo lirico dei Leaves’ Eyes.

Trovo che questo sia uno dei vostri album più completi e vari stilisticamente, sei d’accordo?
Tosso: Grazie mille. Per questo album abbiamo cercato più che mai di concentrarci sulle canzoni e di elaborarle esattamente nel modo in cui era necessario. L’attenzione e l’esperienza maturata durante le precedenti produzione di grandi dischi epici, hanno formato probabilmente le basi musicali dell’album. Amiamo sempre l’eccitante tensione che si crea tra i diversi stili musicali, cosa che è sempre stata un marchio di fabbrica per i Leaves’ Eyes. Personalmente penso che un album dovrebbe sempre rimanere interessante e presentare stati d’animo e sfumature sonore diverse, piuttosto che avere una quantità di canzoni che suonano tutte molto simili. L’esempio perfetto è la title track, “The Last Viking”, che ti porta come un ottovolante attraverso molte atmosfere diverse. L’intera band è molto soddisfatta dell’album e ha contribuito in modo attivo ad esso.

Questo è il secondo disco con Elina Siirala alla voce principale, si è raforzata l’alchimia in studio dal suo debutto con “Sign Of The Dragonhead”?
Tosso: Elina è nella band ormai da più di 4 anni, abbiamo suonato insieme molti spettacoli e tour. Questo ha ovviamente avuto un buon effetto sull’album e sul processo di produzione vocale. Tutto è molto familiare e naturale ora, quindi tutta l’attenzione è stata concentrata sulla musica ed, inoltre, Elina era già coinvolta nella fase iniziale del processo di scrittura dell’album. Penso che abbia fatto un ottimo lavoro con la sua voce potente, operistica e anche molto calda.

Liv era uno dei simboli della band, dopo quattro anni la vostra fanbase ha accettato questo cambiamento epocale?
Tosso: “Fires in the North” e “Sign of the Dragonhead” sono stati album di grande successo. Grazie a questi album abbiamo fatto alcuni dei nostri più grandi concerti e tour degli ultimi anni. Quindi posso dire che il cambiamento è stato accettato e gradito dai fan. Anche i nostri primi due nuovi videoclip per “Dark Love Empress” e “Chain of the Golden Horn” hanno ottenuto molte visualizzazioni in brevissimo tempo. Essendo io stesso un fan del metal, so che il gusto è sempre una cosa individuale. Io e Alex a volte discutiamo quale sia il miglior album degli Slayer e quale il miglior degli Iron Maiden, ahah. Quindi penso che vada benissimo avere un giudizio proprio. Ad alcune persone piace “Reign in Blood” più di “Hell Awaits” e preferiscono Paul Di’Anno invece di Bruce Dickinson. Come band siamo molto felici di essere dove siamo ora e di avere Elina come nostra prima donna, questo è tutto quello che posso dire.

Dopo il blocco per Covid 19 suonerete dal vivo questo album per intero?
Tosso: Questa è una buona domanda e una buona idea. Non sono sicuro se riprenderemo con l’album completo, molti fan chiedono anche dei classici. Ma l’idea è molto buona. Speriamo che la pandemia possa essere sotto controllo presto e che gli spettacoli dal vivo possano tornare.

Sono sempre stato incuriosito della coesistenza dei Leaves’ Eyes con gli Atrocity, come fate a capire se un riff è per una band o per l’altra? E come si può passare da Leaves’ Eyes agli Atrocity e viceversa?
Tosso: La musica di entrambe le band è abbastanza diversa. Gli Atrocity sono radicati nella musica metal estrema, piena di chitarre pesanti ed estreme, batteria e voci. I Leaves’ Eyes hanno un approccio più opulento e più vario con molti elementi diversi e, ovviamente, voci femminili. Anche dal punto di vista dei testi c’è una grande differenza. Quando scrivi la musica devi lasciarti assorbire dall’umore e dall’atmosfera di ogni band. Dal vivo abbiamo anche avuto doppi spettacoli in passato con entrambe le band che si esibivano. Quindi per me l’intro è sempre molto utile per entrare nell’umore giusto per ogni band. Probabilmente è un po’ come se uno scrittore di libri scrivesse in generi diversi come thriller o fantascienza, entrambi possono essere divertenti.
Alex: Per me è sempre molto chiaro per quale band stiamo scrivendo musica o testi. Va più o meno così, con gli Atrocity mi piace scrivere liriche sul mio lato oscuro (mio nonno era originario della Transilvania) e con i Leave’s Eyes il vichingo dentro di me prende vita (mio padre viene dalla zona della saga di Jomsborg)!

Leaves’ Eyes started, a few years ago, a new phase of their history welcoming in their ranks the new singer Elina Siirala instead of Liv Kristine, the historical face of the group. What has not changed is the love for Norse history and mythology, once again in “The Last Viking” (AFM Records) the Vikings become the absolute protagonists, with the last chapter of their gripping saga.

Welcome Alex and Tosso, could we consider this album the third part of the saga begun with “Vinland Saga” (2005) and “King of Kings” (2015)?
Alex: Well, with Leaves’ Eyes we were and will always be connected with Norse mythology, medieval topics, powers of nature, legendary landscapes and mystical themes. Actually it’s not a trilogy, but you could see the albums connected. Especially on “Sign of the Dragonhead” is a connection to “King of Kings” but also to “The Last Viking” as the last song “Waves of Euphoria” is already about Norse king Hardrada, the hero of “The Last Viking”. So Die Hard fans of Leaves’ Eyes could also guess were the next journey is going to. With the album we will also release the DVD “Viking Spririt” which is a over 90 min film documentary where you can find out a lot of the fascination of Viking Life style, living history, Norse mythology and connection to the music of Leaves’ Eyes. I guess the Vikings left many significant footprints in a lot of countries that’s probably one of the reasons that legends, traditions and sagas are still alive and people from all over the world falling in love with Viking history. By the way the soundtrack of “Viking Sirit” is also great and available like the movie on the Artbook edition of the new album!

What’s about the concept?
Alex: I am very excited about the concept of “The Last Viking” and it was great fun to work on it. It deals with the adventures of Hardrada. I guess you could easily make a big tv show like Game of Thrones out of it, maybe they got even inspired by this saga. We start the album at the moment when Hardrada dies and getting hit by an arrow in his neck at Stamford Bridge in England in the battle for the crown of England. In the last breath his whole life comes back in flashes and we are taking the listeners back into the adventures of the Norse king where he travels through far away countries, had to flee as young man from Norway, fighting for the Rus king and serving the Varangian guard, getting married to a Russian Princess and returning to Norway to become a king. What a story and what an impact to history – after Harald Hardrada’s death in 1066, the Viking age was over.

Who is today, in the modern society, the last viking?
Alex: The plot of the album story is obviously at an epochal turn of the time in history. So it is hard to transfer it in our time right now. You could probably see my friends in the reenactment scene as a kind of “Last vikings”. We try to keep the viking way of living and its heritage alive, even though we are also part of this modern world. Like mentioned already the “Vikings Spirit” documentary is coming out alongside the new album! There you can dive into modern Viking lifestyle.

Why are you so attracted from the viking history?
Alex: The viking age and its history and sagas are definitely a huge source of inspiration for me. I’m also sword fighter in the Viking reenactment scene. I’m doing this for many years, training every week, going to battles to fight and having Viking friends all over the world. The group Jomsborg which I’m part of is the biggest modern Viking army and international group out there based in many countries and several continents. For me this is a very important part of my life. So this is something which I surely bring into the lyrical cosmos of Leaves’ Eyes.

I think this is one you your most various and stylistic complete album, are you agree?
Tosso: Thank you very much. For this album we tried more than ever to focus on the songs and work them out exactly in the way it was needed. The focus on this and the experience of having mastered several epic big album productions before, are probably the musical foundation of the album. We always love the exciting tension between many different musical elements, that has always been a Leaves’ Eyes trademark. I personally think an album should always stay interesting and go through different moods and sound colors, rather than having an amount of songs, that sound all very similar. The perfect example for this is the title track “The Last Viking”, which takes you like a roller coaster through many different atmospheres. The whole band is very happy with the album and contributed to it.

This is the second album with Elina Siirala on lead voice, is changed the alchemy in studio from her debut on “Sign Of The Dragonhead”?
Tosso: Elina is in the band now for more than 4 years, we played a lot of shows and tours together. This had of course a good effect on the album and vocal production process. Everything is very familiar and natural now, so all focus could go into the music and Elina was already involved at an early stage of the album process. I think she did a great job with powerful, operatic and also very warm voice.

Liv was one of the symbol of the band, how, after four years, did your fan base accept this epochal change?
Tosso: “Fires in the north” and “Sign of the dragonhead” were very successful albums. In the course of these album we played some of our biggest shows and tours in the last years. So I can say, the change has been accepted and welcome by the fans. Our first two new videoclips for “Dark Love Empress” and “Chain of the golden Horn” also got a lot of views in very short time. As a metal fan myself, I know that taste is always an individual thing. Me and Alex sometimes argue which is the best Slayer and which the best Iron Maiden album, haha. So I think it is totally fine to have an individual taste. Some people like “Reign in Blood” more than “Hell Awaits” and prefer Paul Di’Anno instead of Bruce Dickinson. As a band we are very happy to be where we are now and have Elina as our f ront lady, that is all I can say.

After the Covid 19 will you play live this album for its entirety live?
Tosso: That is a good question and a good idea. I am not sure if we start with a complete album show, many fans also ask for some classics. But the idea is very good. Let’s hope that the pandemy can be controlled soon and live shows can come back to life again in a proper way.

I was ever curious about the coexistence of Leaves’ Eyes and Atrocity, how do you understand the one riff is for one band o for the other? And how can switch from Leaves’ Eyes to Atrocity and vice versa?
Tosso: The music of both bands is quite different. Atrocity is rooted in extreme metal music, full of heavy, extreme guitars, drums and vocals. Leaves’ Eyes has a more opulent and wider approach with many different elements and, of course, female vocals. Also lyrically there is a big difference. When writing music you have to let yourself get soaked into the mood and vibe of each band. Live we even had double shows in the past with both bands performing. Then for me the intro is always very helpful to get into the right mood for each band. Probably it is a bit as if a book writer is writing in different genres like a thriller or a science fiction movie, both can be fun.
Alex: For me it is always very clear for which band we are writing music or lyrics. Keep it that way, in Atrocity I love to write lyrics about the dark side (my grandfather was from Transilvania) and with Leaves’ Eyes the Viking inside myself comes to life (my father comes from the area of the Jomsborg saga) haha.