Knowledge Through Suffering (K.T.S.) – La dolorosa strada che porta alla conoscenza

La schizofrenia artistica di Umberto Poncina ha dato vita a una creatura dalle personalità multiple, tanto che si può parlare dei Knowledge Through Suffering e dei K.T.S. quasi fossero due band differenti. In occasione della pubblicazione del nuovo album, “Concealment” (Brucia Records \ Anubi Press), è stato lo stesso Umberto a parlarci di questa dualità.

Ciao Umberto, innanzi tutto come preferisci che venga chiamata la band, K.T.S. o Knowledge Through Suffering?
Ciao! Pur essendo di fatto indifferente, l’idea per una sorta di doppia identità nasce da alcune differenze di sound raggruppate sotto lo stesso nome, e la stessa considerazione vale anche per il doppio logo. Per ragioni di praticità l’acronimo è inoltre ovviamente più rapido e comodo da utilizzare.

Nel luglio del 2020 pubblicavi “Teeth and Claws”, tre brani per una decina di minuti in tutto. Oggi ti ripresenti con “Concealment”, un disco che contiene sempre tre canzoni ma il minutaggio è notevolmente salito, in pratica triplicato. Un cambio di attitudine o una cosa casuale frutto dell’ispirazione del momento?
Rimanendo vicini alla tua precedente domanda si tratta ancora una volta di un processo di espansione e mutamento del suono e dei mezzi con cui porto avanti la mia proposta musicale; non si è dunque verificato un cambio profondo, tantomeno casuale. Il nucleo concettuale rimane sempre fedele a sé stesso, essendo un progetto esclusivamente individuale – in altre parole, le uscite presentano e presenteranno sempre affinità compositive dovute al semplice fatto di avere in comune lo stesso autore. Tuttavia, esse presenteranno a loro volta notevoli differenze, come quelle che hai individuato.

Quali credi siano le caratteristiche della tua musica che possano innescare quel meccanismo di sofferenza che porta alla conoscenza?
Onestamente non credo di poter rispondere a questa domanda: la musica è come giustamente fai notare un mezzo, e l’unico soggetto che può in tal senso decretare l’utilità del mezzo non è il suo creatore, bensì colui che ne usufruisce. 

A questo punto non posso esimermi da chiederti una tua definizione di “conoscenza”…
Posto che chiaramente lo stesso termine assumerà significati diversi a seconda del contesto, per “conoscenza” possiamo intendere in maniera abbastanza neutra l’insieme di informazioni ricevute grazie all’esperienza e assimilate nella loro totalità da un’intelligenza in grado di potervi pervenire. La sofferenza, sia essa personale o altrui, rappresenta purtroppo in tal senso uno dei metodi esperienziali più utili e al contempo terribili, e questo progetto musicale vuole concentrarsi proprio su questa sua duplice natura.

“Concealment” significa occultamento: cosa ci viene occultato e da chi?
Senza scendere troppo nei dettagli, il disco si basa fondamentalmente su alcune interpretazioni mistiche medioevali del testo di Genesi. Queste interpretazioni gravitano attorno a dinamiche di creazione divina che ciclicamente si risolvono in vergogna e rimorso per il risultato. L’assoluto decide in tal senso di nascondere e occultare ripetutamente la sua opera di creazione, di cui l’Uomo è ovviamente il rappresentante più gravoso, fallendo però ripetutamente. La narrazione si basa su tale ciclicità di occultamento e dispiegamento.

Quale è stato quel giorno in cui solo Dio fu esaltato?
Il primo! E a onor del vero anche l’ultimo, quando giungerà…

La seconda traccia, “Let the Earth Sprout”, ha un titolo che quasi lascia trasparire un filo di speranza, è così?
No, purtroppo non è così. Proseguendo nella narrazione del disco, il proliferare sulla Terra di forme di vita rientra in uno dei già citati tentativi insoddisfatti di creazione da parte del divino. Questo è nello specifico il secondo movimento narrativo, a cui ovviamente corrisponde il secondo pezzo del disco. La Terra produce dunque forme di vita vegetali e animali, venendo popolata dal suo stesso frutto. Apparentemente può sembrare un avvenimento positivo, ma il divino reagisce diversamente – per ragioni che lascio scoprire a chi vorrà approfondire il disco e le sue tematiche.

Il disco si conclude con “Of Flesh”, “di carne”, che mi ha fatto pensare subito a quello squarcio, quella ferita aperta, che appare sulla copertina. C’è realmente un nesso o si tratta di una mia errata interpretazione?
Sì, il nesso è realmente presente: lo squarcio, la ferita, più in generale l’apertura è simbolo di violenza e al contempo di nascita, può rappresentare la morte ma anche la vita. Tutto il disco ruota attorno a questa ambiguità di significato e, ovviamente, all’ascoltatore più curioso spetta la libertà di interpretarlo in un senso o nell’altro.

Hai intenzione di, se fosse possibile date le attuali restrizioni, proporre il disco dal vivo?
No, per il momento direi di no. Suono da diverso tempo in altri gruppi dalle modalità e dinamiche più convenzionali, incluso l’aspetto live. Questo progetto nasce proprio per creare uno spazio riservato invece a tutto ciò che non rientra nelle attività standard di un gruppo vero e proprio – non a caso è di fatto una “one man band”. K.T.S. è al momento un’entità per certi aspetti piuttosto privata, e pertanto al momento non prevede apparizioni in pubblico.

Transport League – Criminal energy

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

Gli svedesi Transport League non si sono mai guardati indietro da quando, nel 1994, sono stati formati dall’ex cantante dei B-Thong Tony Jelencovich. La band ha attraversato molte difficoltà nel corso degli anni, ma il groove è sempre rimasto intatto come dimostra il nuovo album “Kaiserschnitt” (Mighty Music).

Ciao Tony, siamo nel bel mezzo di nuova ondata di pandemia come state reagendo tu e gli altri ragazzi?
Bene, siamo ben saldi nella nostra passione per la musica e siamo anche una squadra compatta e forte. Non ci resta che lanciare la monetina e trovare altre opportunità.

Il vostro precedente album, “A Million Volt Scream”, è uscito nel 2019 all’inizio di settembre: siete riusciti a promuovere il disco dal vivo o siete stati bloccati dall’emergenza covid?
Abbiamo fatto appena quattro spettacoli ed è stato un peccato. Non abbiamo avuto altra scelta che metterci a lavoro sui nuovi brani e prenotare lo studio. I nostri fan ci hanno aiutato con i finanziamenti e oltre a questo abbiamo venduto un sacco di merchandising. Amiamo i nostri fan.

“Kaiserschnitt” è nato durante il lockdown? L’album è stato influenzato dal tuo isolamento?
Sì, il titolo ha sicuramente a che fare con l’emergenza, e sembrava perfetto in questi tempi strani.

“Kaiserschnitt” sta per “taglio cesareo”: questo titolo ha un significato positivo o negativo? È un nuovo inizio o una rottura con il passato?
Ha un significato totalmente neutro. Beh, abbiamo prodotto noi stessi l’album, è stata una sfida, ma il risultato è ottimo. Abbiamo usato i Grand Recordings per batteria, voce e mix e El Bastardo Studios (studio Henrik Danhages) per chitarre e basso. Tutto progettato da Dan Johansson (ex Mary Beats Jane) e Henrik Danhage (Evergrey). Il mix è fatto da Svein Jensen.

Avevi un’idea di come volevi che suonasse l’album, o ciascuna delle tracce e l’intera opera hanno preso forma in fase di realizzazione?
Abbiamo parlato con Svein Jensen che ha mixato l’album su come volevamo che fosse il suono e il mix. La nostra idea era di avere più chitarre rispetto ai due album precedenti. Il suono è un colpo diretto in faccia ricco di energia e atmosfera rock’n’roll.

Durante l’ascolto sento un susseguirsi di stati d’animo diversi: è questo il tuo disco più ricco di emozioni?
Forse lo è, le canzoni sono arrivate facilmente e noi abbiamo seguiato il flusso.

Qual è il tuo segreto per mantenere il vostro sound fresco ma fottutamente Transport League?
Hahaha, beh, siamo semplicemente noi. Cerchiamo di mantenere la nostra energia ma cerchiamo di trovare nuovi approcci come sempre. Io sono il principale autore di riff insieme a Peter, ma tutti noi della band svolgiamo una parte molto importante nella creazione del suono e dell’arrangiamento. Siamo ragazzi dalla mentalità aperta.

Trovare Sal Abruscato (ex-Type O Negative, A Pale Horse Named Death) in “March, Kiss, Die” e Christian Sture (Heal) nella title track. Come sono nati questi contributi?
Abbiamo fatto un tour di supporto agli APHND nel 2019 e io e Sal siamo rimasti in contatto da buoni amici. Gli ho chiesto se era interessato a fare da guestvocals, e il resto è storia, il risultato è ottimo. Christian Sture è il grande cantante dei GBG che ammiro, e anche il suo contributo è di prim’ordine.

Sei e sei stato coinvolto in molte band, ma cosa hanno di unico i Transport League per te?
Questa è la mia creatura dal 1994. I Transport League ha subito molti colpi nel corso degli anni, ma non ci siamo mai arresi.

The Swedes Transport League never looked back since, in 1994, they were formed by ex-B-Thong vocalist Tony Jelencovich. The band has gone thru many charges thru the years, but the groove has always remained as evidenced by the new album “Kaiserschnitt” (Mighty Music).

Hi Tony, in the midst of the current new pandemic  wave how are you and the rest of the guys holding up?
Well, we are strong in our passion for music and we are also a tight and strong unit. We just had to flip the coin and look for other opportunities.

Your previous album, “A Million Volt Scream”, was release in 2019 at begging of September:  did you manage to promote the record live or were you blocked by the covid emergency?
We did like 4 shows and it´s a pity. We had no other option than to wrap up the songwriting and book the studio. Our fans helped us with funding  and we sold a lot of merchandise on top of that. We love our fans.

“Kaiserschnitt” si born during the lockdown? Was the album influenced by your isolation?
 Yes, the title has to do with emergency for sure, and it just felt perfect in these strange times.

“Kaiserschnitt” stand for “caesarean section”: does this title have a positive or negative meaning? Is it a new beginning or a break with the past?
It just has a meaning, totally neutral.  Well, we produced the album ourselves to it was a challenge, but the outcome is great. We used Grand Recordings for drums, vocals & mix and El Bastardo Studios ( Henrik Danhages studio) for guitars & bass. Everything engineered by Dan Johansson ( ex Mary Beats Jane) & Henrik Danhage ( Evergrey). Mix is done by Svein Jensen.

Did you have an idea of how you wanted the album to sound, or did each of the tracks and the whole thing take shape as it was being developed?
We had some talks with Svein Jensen who mixed the album about how we wanted the sound & mix to be. Our idéa was to have more guitars upfront than on the previous two albums. The sound is in your face with great energy and rocknroll vibe.

While listening, I feel a succession of different moods: is this your most emotional record?
Maybe it is, the songs just comes along easily, and we go with the flow.

Which is your secret to maintain your sound fresh but fuckin Transport League?
Hahaha, well, it is just us, we try to maintain in our energy but try to find new approaches as always. I am the main riff master along side with Peter, but all of us in the band are a very important part of the sound and arrangement. We are open-minded boys.

We can find Sal Abruscato (ex-Type O Negative, A Pale Horse Named Death) on  “March, Kiss, Die” and Christian Sture (Heal) on the title track. How were born these contributes?
We toured as support to APHND in 2019, and me and Sal stayed in contact as good friends. I asked him if he would be interested in doing to guestvocals, and the rest is history, the outcome is great. Christian Sture is a great vocalist from GBG which i admire, and his contribution is also top notch.

You are and were involved in many band, but what have unique to you Transport League?
This is my baby since 1994. Transport League has gone thru many charges thru the years, but the groove has always remained.

Neker – Louder, slower and Neker

A Neker piace il rumore. A Neker piace la lentezza. A noi piace Neker. A noi piace il suo nuovo album, il secondo, “Slower” (Time to Kill Records).

Ciao Neker, partiamo subito con le domande più intelligenti: è nato prima il tuo amore per i baffi o quello per gli ampli rumorosi?
Direi, decisamente, che è nato prima l’amore per gli ampli rumorosi.

“Slower” è il secondo capitolo a nome Neker, quando hai rilasciato il primo disco avevi intenzione di dare continuità al progetto oppure per te, in quel momento storico, si trattava di una pubblicazione estemporanea?
Ho sempre pensato di continuare, anzi il progetto è nato proprio per continuare. Venendo dalle esperienze con le band nelle quali c’era sempre discontinuità e si finiva inesorabilmente per smettere di suonare ho deciso di andare avanti da solo.

“Slower”, ma più lento di cosa o di chi?
Di niente in particolare. Lento come una colata lavica!

I tuoi brani nascono sempre da riff di basso oppure ti capita anche di comporre partendo dalla chitarra?
In realtà compongo quasi sempre con la chitarra! La chitarra mi da subito l’idea dell’impronta e del colore che può lasciare un riff.

I Neker, inevitabilmente, vengono ricondotti alla tua figura, ma si ci troviamo innanzi a una vera e propria band: mi presenteresti i tuoi due compagni?
Beh credo che vengano condotti alla mia figura perché “i Neker” semplicemente non esistono, Neker sono io. Ma sicuramente ho i miei musicisti di fiducia: come per Jhon Zorn c’è Marc Ribot per me alla chitarra c’è Alessandro Eusebi e come per Ozzy c’era Mike Bordin per me alla batteria c’è Daniele Alessi!

Dopo l’uscita di “Louder” nel 2017, avevate intrapreso un ottimo cammino live che vi aveva portato persino in Canada. Sul più bello sono arrivati i blocchi sanitari e avete dovuto interrompere il vostro percorso. In termini pratici, quanto credi che questa situazione abbia compromesso la crescita della tua band?
Non credo che abbia compromesso la mia crescita o quella della mia band credo solo, in termini pratici, che abbia “rotto i coglioni”.

Questa situazione frustrante ha in qualche modo inciso sui pezzi contenuti in “Slower”?
No, il disco era già stato registrato prima della pandemia.

Nelle note promozionali appare una tua dichiarazione “Non ho grandi messaggi da dare posso solo esprimere ciò che provo o raccontare storie. Credo che la gente sia satura di messaggi e abbia solo bisogno di buona musica in cui perdersi.” Credi di avercela fatta a creare con “Slower” buona musica in cui perdersi?
Lo spero, ma questo forse dovreste chiederlo a chi l’ha ascoltato! Personalmente, “Slower” è un lavoro che mi fa impazzire e in cui mi ci perdo volentieri come non mi era mai successo prima con qualcosa di mio!

In chiusura ti chiedo se hai già individuato l’aggettivo che darà il nome al prossimo disco…
Non sei il primo a farmi questa domanda! Al momento ti direi che sono ancora indeciso su vari nomi, non per forza aggettivi!

Bleeding Eyes – Ai piedi del Golgota

Nicola Anselmi ci introduce nel nuovo album dei Bleeding Eyes, un mondo dalle tinte grigie e poco allettante. “Golgotha” (Go Down Records) è un’opera che si presta in modo perfetto a ricoprire il ruolo di colonna sonora di questi strani giorni post prima ondata Covid.

Benvenuto Nicola, partirei subito con un ammissione: non credevo che l’italiano con certe sonorità potesse sposarsi al meglio, invece voi in questi anni avete dimostrato che mi sbagliavo. Come siete arrivati alla consapevolezza che lo nostra lingua fosse credibile in questo contesto? Frutto di esperimenti andati bene o scelta consapevole sin dall’inizio?
Ciao, subito un grazie per lo spazio concesso. La scelta dell’italiano ci è subito venuta naturale ed è per noi eticamente corretta. Ci offre la possibilità di esprimerci al meglio e musicalmente si amalgama molto bene con il nostro sound. Ci piace molto anche l’inglese in realtà, infatti cerchiamo a seconda del brano di alternare una lingua o l’altra. Alla fine l’urgenza comunicativa non ha linguaggi prestabiliti.

Pian piano avete alternato inglese e italiano nei vostri dischi, nel nuovo “Golgotha” utilizzate quasi esclusivamente il nostro idioma, come mai?
In “Golgotha” utilizziamo la nostra lingua madre maggiormente, ma in due pezzi, sempre per una questione legata al brano e alla sua composizione, Simone Tesser (voce) canta in inglese.

Questa scelta potrebbe penalizzarvi all’estero?
Non crediamo, siamo convinti che la nostra scelta “espressiva” non ci creerà problemi con l’estero anzi, è una caratteristica che potrebbe destare curiosità in molte persone.

Quanto è importante oggi la parola nella vostra musica?
Molto, i testi e la musica sono un tutt’uno e hanno la stessa importanza.

Il Golgota  è uno dei simboli più forti della cristianità: a cosa si deve la scelta di questo titolo e qual è il vostro rapporto con la religione?
È il simbolo del calvario che molte persone affrontano ogni giorno in una società neoliberista dominata dall’unica vera religione, il dio denaro.

Facendo i necessari distinguo cronologici e stilistici, il vostro album, in alcuni passaggi, mi ha ricordato due lavori del passato: “La Bibbia” de Il Rovescio della Medaglia e “666” degli Aphrodite’s Child. Vorrei sapere se in qualche modo questi dischi, così lontani dal vostro sound, vi hanno in qualche modo, conscio o inconscio, influenzato e quali sono le reali muse ispiratrici di “Golgotha”.
Grazie per il complimento, apprezziamo molto queste band. In realtà siamo in cinque e ascoltiamo moltissima musica differente. Dai Sabbath ai Neurosis tutto ciò che è pesante ci piace assai.

Avete estratto un singolo dal disco, “Confesso”, come mai avete scelto questo brano e credete che una singola canzone possa rappresentare questi disco che, di per sé, è una sorta di blocco unico?
Abbiamo scelto “Confesso” perché forse racchiude tutte le nostre sfumature compositive. Dalla psichedelia lieve che sfocia in un crescendo di rabbia e pesantezza.

Dal punto di vista visivo avete collaborato ancora con il fotografo Lorenzo Ferraro, utilizzando alcuni sui scatti relativi ai giorni della Tempesta Vaia. Come siete entrati in contatto con lui?
Con Lorenzo siamo amici da molto tempo, è un artista incredibile e gli siamo molto grati per lo scatto che ci ha donato. L’immagine catturata da Lorenzo subito dopo il passaggio della devastante tempesta Vaia ben si lega con il mood del disco e del nostro modo di concepire la musica
In ogni caso vi consigliamo di guardare i fantastici lavori di Lorenzo Ferraro
http://www.lorenzoferrarofotografo.it/

In qualche modo l’evento nefasto protagonista delle foto si ricollega alle tematiche trattate nel disco?
Assolutamente, il calvario e la devastazione etica e sociale contemporanea per noi è ben rappresentata dalla fotografia di Lorenzo.