Membrace – Resa marciana

ENGLISH VERSION BELOW: PLEASE, SCROLL DOWN!

Tra nebbie lagunari, folklore popolare, memoria storica e rabbia contemporanea, i Membrance tornano con “Resa Marciana”, un lavoro profondo e stratificato pubblicato da Ad Noctem Records. In questa intervista, Davide ci accompagna all’interno di un disco che racconta una Venezia lontana dalle cartoline, fatta di fatica, leggende, resistenza culturale e identità popolare. Un viaggio tra i fantasmi della Serenissima e le contraddizioni del presente, dove il metal diventa strumento di memoria e denuncia.

Davide, grazie per essere con noi su Il Raglio Del Mulo, e per il materiale così ricco di spunti di “Resa Marciana”. Il nuovo album dei Membrance nasce tra Venezia e Roma, con un forte lavoro di produzione autonoma e un concept profondamente legato alla storia e alla decadenza della Serenissima: in che momento preciso avete capito che questo disco sarebbe diventato una sorta di “ritratto corale” della città, più che un semplice album?
Ciao! Grazie a voi per l’ospitata. In realtà non credo lo abbiamo capito. Questo disco è venuto su da solo come tutti i precedenti lavori, con l’intento di riunire tutte le composizioni che man mano suonavamo in sala. Non abbiamo lavorato sul tematicizzare l’album, abbiamo a cuore trattare certi argomenti.

L’apertura con la ricostruzione del canto dei batipai è una scelta molto particolare, quasi antropologica oltre che musicale: cosa vi ha spinto a partire proprio da un elemento di lavoro e fatica collettiva così antico e poco conosciuto, e che funzione narrativa ha all’interno dell’economia del disco?
Beh, diciamo che volevamo attingere dal folklore veneziano non solo liricamente ma anche musicalmente. “Serenissima” prende spunto dal cantautorato acustico e dal violino che si sentivano spesso per le calli nei primi del ‘900. “E Mi Me Ne So ‘Ndao” è una cover di un pezzo folkloristico antico e così via. Ma anche i batipai avevano le loro canzoni di lavoro. Con questa idea volevamo introdurre il disco attraverso un motivo folkloristico popolano, non quello che si aspetterebbe un ascoltatore medio pensando a Venezia come un rondò o un pezzo classico, ma proprio qualcosa di reale, sudato e autentico. Così abbiamo deciso di ricostruire in studio, a suon di socchi e cori, lo stesso clima “operaio” che si respirava da sempre per la laguna e introdurre il disco. Perché questo album non è la “Venezia bella” per i turisti, noi suoniamo e cantiamo la Venezia che fa fatica!

In “Sentensa Da Resa” affrontate il crollo della Repubblica di Venezia e la sua fine politica con un approccio molto diretto e rabbioso: quanto è stato importante per voi mantenere una lettura storica quasi “politica” rispetto al resto dell’impianto più leggendario e mitologico dell’album?
Le tematiche sono interconnesse. Il filone narrativo orrorifico e leggendario spesso lo mescoliamo a quello storico perché molte storie sono diventate leggende e molte leggende si sono riscoperte storie. Parlare di Napoleone non è una divagazione. Venezia si è arresa nonostante la neutralità da quel momento in poi. Non parliamo di una semplice città arresa, ma di una Repubblica longeva quanto l’Impero Romano d’Occidente, che non viene nemmeno studiata a scuola come si dovrebbe. Da quel momento Venezia ha iniziato ad arrendersi a tutto: arresa alla gentrificazione, alla turistificazione e alla marketizzazione del posto su fiere ed eventi attira-soldi. Napoleone è stato l’inizio della fine di una cultura, di un folklore e forse anche di una lingua romanza.

Brani come “Rioba”, “Redi Tegnue” ed “El Cason Dei Sette Morti” sembrano muoversi su un confine costante tra leggenda, superstizione e memoria popolare: come avete lavorato per dare coerenza sonora a materiali narrativi così diversi tra loro senza perdere identità?
In realtà le canzoni sono venute su da sole, come anche i testi. Molte volte capita in fase di scrittura che le cose vengano su assieme, alimentandosi reciprocamente. Forse cantare nel nostro dialetto ha dato una gravosità emotiva più evidente anche per noi stessi.

“Turistificai” introduce una dimensione più contemporanea e critica verso la Venezia di oggi, tra turismo di massa, grandi navi e accessi a pagamento: quanto è stato difficile inserire un brano così attuale in un disco fortemente radicato nel passato senza spezzarne l’atmosfera generale?
Non è stato affatto difficile. Al contrario, si tratta di un pezzo che abbiamo registrato per promuovere l’Ancient Studio di Loreggia di un nostro amico. Il pezzo è stato preparato in una settimana prima di inciderlo e siamo rimasti così contenti del risultato che abbiamo voluto riregistrarlo e integrarlo nel disco successivo. Non è stato messo forzatamente però, è stato ben congeniato secondo la nostra ottica di folklore moderno: non è il solo pezzo attuale! Se ascolti attentamente “Serenissima” è una canzone attualissima dalle prime strofe. Paragoniamo Venezia a una prostituta, amata e desiderata da tutti ma che nessuno vuole sposare. Tutti la usano, la sentono propria eppure tutti, dopo averla visitata, se ne tornano a casa dicendo “bella ma non ci vivrei”. Anche “Caronte” parla con lo specchio del passato al moderno, essendo il gondoliere di sponda o di casata un lavoro da sempre umilissimo ma fondamentale per far attraversare nobili e borghesi fra i rii; oggi è un po’ il residente più facile da riconoscere una volta qui. Morto l’ultimo veneziano nessuno farà manutenzione della città e nessuno avrà facilità a muoversi in una Gardaland progettata per viverci e starci. Anche la strofa finale di “Redi Tegnue” è proiettata sull’attualità. Insomma, secondo noi fa tutto parte della stessa poetica.

In “Serenissima” e “Ca’ Dario” emerge una visione quasi romantica ma anche crudele della città, sospesa tra bellezza e rovina: vi siete mai trovati a discutere internamente sul limite tra celebrazione e denuncia di Venezia come simbolo culturale?
Sì, molte volte. Siamo grandi sostenitori della resistenza popolare dell’isola. La nostra denuncia musicale serve proprio a sensibilizzare la questione della celebrazione a fini di guadagno. Noi non celebriamo proprio niente perché oltre al passato non c’è niente da poter celebrare.

La presenza di ospiti come Luca Gerardini, Costanza Benedettelli e Ludovica Marcuzzi aggiunge una forte stratificazione vocale e narrativa: come avete scelto queste collaborazioni e quanto hanno cambiato l’identità finale dei brani in cui sono presenti?
Ti dirò, i brani erano già pronti. Stavamo iniziando le incisioni e volevamo dare più profondità ed emotività alle canzoni. Luca canta con gli In Torment I Die di Belluno, e lui in particolare è originario del Cadore, ovvero una zona di montagna veneta da sempre legata a Venezia per il rifornimento di legname. Abbiamo trovato efficace far proseguire il ritornello estremamente ironico del “Batipai” proprio da un montanaro che nel sangue sente ancora questo gemellaggio. Se nel ritornello si celebra con sarcasmo il gonfalone, Luca spiega perché tanta ironia. Costanza è un’abilissima violinista che è andata a sostituire la chitarra solista di “Serenissima” proprio per far traspirare più profondamente il lato folk della canzone. Ludovica invece ha cantato per noi un richiamo quasi spettrale: volevamo arricchisse “Redi Tegnue” con la sensazione della profondità abissale, spettri fra le rovine e sirene. Infine abbiamo invitato Marco Pedrali per “Caronte” perché, essendo un pezzo sui gondolieri ed essendo lui un cantante gondoliere molto bravo, trovavamo perfetto inserirlo nella parte più clown del pezzo!

Dal punto di vista della scrittura, “Resa Marciana” sembra un lavoro estremamente cinematografico, quasi più vicino a una colonna sonora che a un album tradizionale: avete mai pensato il disco come una sorta di film sonoro dedicato a Venezia e, se sì, in che modo avete costruito questa “regia” musicale?
In realtà non pensavamo a questo. Fa molto piacere sentire questa interpretazione così artistica!

Guardando all’intero percorso dei Membrance e a questo lavoro così concettualmente denso e stratificato, “Resa Marciana” rappresenta un punto di arrivo o l’inizio di una nuova fase narrativa e musicale per la band?
“Resa Marciana” non è né l’inizio di una fase né l’arrivo. Pensiamo sia un tassello del nostro percorso. Se un domani dovessimo scioglierci allora sicuramente sarebbe il disco “capolinea”, ma stiamo elaborando già da un po’ il seguito di quello che non siamo riusciti a dire in quest’ultimo disco: vorremmo esplorare più profondamente il folklore moderno e l’anima critica che ci caratterizza. Già su “Undead Island” avevamo parlato molto di folklore e leggende, ma adesso abbiamo cercato di mescolarlo di più anche a livello musicale. E già sul precedente “Morality’s Collapse” avevamo introdotto testi più o meno implicitamente rivolti a Venezia e alla situazione sociale. Forse questo disco può sembrare uno spartiacque, essendo l’unico così esplicito da avere un leone in copertina e tutte le canzoni cantate in veneziano, ma per noi è solo un tassello del percorso che ci piacerebbe continuare a percorrere.

Through lagoon mists, folk traditions, historical memory and contemporary anger, Membrance return with “Resa Marciana”, a deep and layered work released via Ad Noctem Records. In this interview, Davide takes us inside an album that portrays a Venice far removed from postcards and tourist clichés—a city shaped by hardship, legends, cultural resistance and popular identity. A journey through the ghosts of the Serenissima and the contradictions of the present day, where metal becomes a vehicle for memory and protest.

Davide, thanks for joining us at Il Raglio Del Mulo and for sharing so much insight into “Resa Marciana”. The new Membrance album was born between Venice and Rome, with a strong DIY production approach and a concept deeply tied to the history and decline of the Serenissima. At what exact moment did you realize this record was becoming a sort of “collective portrait” of the city rather than just another album?
Hi! Thanks for having me. To be honest, I don’t think we ever realized it. This record came together on its own, just like all our previous works, with the intention of gathering all the compositions we gradually played in the rehearsal room. We didn’t really set out to build a thematic album; we simply care about dealing with certain subjects.

Opening the album with a reconstruction of the Batipai workers’ chant is a very unusual choice, almost anthropological as much as musical. What made you start from such an ancient and little-known element of collective labor and hardship, and what narrative role does it play within the album?
Well, let’s say we wanted to draw from Venetian folklore not only lyrically but musically as well. “Serenissima” takes inspiration from the acoustic singer-songwriter tradition and violin melodies that could often be heard through the calli in the early 1900s. “E Mi Me Ne So ‘Ndao” is a cover of an ancient folk song, and so on. But the Batipai also had their own work songs. With this idea, we wanted to introduce the album through a genuinely popular folk motif—not what the average listener might expect when thinking about Venice, like a rondo or a classical piece, but something real, sweaty and authentic. So we decided to recreate in the studio, through hammers and group chants, the same working-class atmosphere that has always belonged to the lagoon and use it to open the record. Because this album isn’t about the “beautiful Venice” made for tourists; we play and sing about the Venice that struggles and works hard!

In “Sentensa Da Resa” you tackle the collapse of the Republic of Venice and its political downfall with a very direct and angry approach. How important was it for you to maintain an almost political reading of history alongside the album’s more legendary and mythological elements?
The themes are interconnected. We often mix the horror and legendary narrative thread with the historical one because many stories became legends, and many legends turned out to be real stories. Talking about Napoleon isn’t a digression. Venice surrendered despite its neutrality, and from that moment onward everything changed. We’re not talking about a simple city that surrendered, but about a republic that lasted as long as the Western Roman Empire, yet isn’t even studied in schools the way it should be. From that moment on, Venice began surrendering to everything: surrendering to gentrification, mass tourism and the commercialization of the city through money-attracting fairs and events. Napoleon marked the beginning of the end of a culture, a folklore and perhaps even a Romance language.

Songs like “Rioba”, “Redi Tegnue” and “El Cason Dei Sette Morti” seem to move constantly along the border between legend, superstition and popular memory. How did you work to give musical coherence to such different narrative materials without losing your identity?
Actually, the songs came together naturally, just like the lyrics did. Very often during the writing process, things emerge together and feed off one another. Maybe singing in our dialect gave an emotional weight that became more evident even to ourselves.

“Turistificai” introduces a more contemporary and critical perspective on today’s Venice, dealing with mass tourism, cruise ships and entrance fees. How difficult was it to fit such a current topic into an album so deeply rooted in the past without breaking its overall atmosphere?
It wasn’t difficult at all. On the contrary, it was a song we originally recorded to promote the Ancient Studio in Loreggia, owned by a friend of ours. The track was prepared in just one week before recording, and we were so happy with the result that we decided to re-record it and include it on the next album. It wasn’t forced into the record, though—it was carefully conceived according to our idea of modern folklore, and it’s not the only contemporary song on the album. If you listen carefully, “Serenissima” is an extremely current song right from the opening lines. We compare Venice to a prostitute, loved and desired by everyone but one that nobody wants to marry. Everyone uses her, everyone feels she belongs to them, and yet after visiting, everyone goes back home saying, “Beautiful, but I wouldn’t live there.” “Caronte” also uses the mirror of the past to speak about the present. The gondolier of a crossing point or noble household was always a humble but essential worker who helped nobles and bourgeois cross the canals; today, he’s probably the easiest local resident to recognize once you’re here. When the last Venetian is gone, nobody will maintain the city and nobody will be able to move around easily in a giant Gardaland that was originally designed to be lived in. Even the final verse of “Redi Tegnue” is projected toward the present day. In short, we believe it’s all part of the same poetic vision.

In “Serenissima” and “Ca’ Dario” there is a vision of the city that feels both romantic and cruel, suspended between beauty and decay. Have you ever found yourselves discussing internally where the line lies between celebrating Venice and denouncing it as a cultural symbol?
Yes, many times. We strongly support the popular resistance of the island. Our musical criticism is meant precisely to raise awareness about celebration for profit. We don’t celebrate anything at all, because beyond the past there’s really nothing left to celebrate.

The presence of guests such as Luca Gerardini, Costanza Benedettelli and Ludovica Marcuzzi adds a strong vocal and narrative layering to the album. How did you choose these collaborations, and how much did they change the final identity of the songs they appear on?
I’ll tell you this: the songs were already finished. We were starting the recording sessions and wanted to add more depth and emotion to the tracks. Luca sings with In Torment I Die from Belluno, and he comes from Cadore, a mountainous area of Veneto that has always been connected to Venice through the supply of timber. We thought it was very effective to have the extremely ironic chorus of “Batipai” continued by a mountain man who still feels that bond in his blood. If the chorus celebrates the banner with sarcasm, Luca explains the reason behind that irony. Costanza is an outstanding violinist who replaced the lead guitar on “Serenissima” specifically to make the folk side of the song shine through more deeply. Ludovica, on the other hand, sang an almost ghostly call for us. We wanted her to enrich “Redi Tegnue” with the feeling of abyssal depths, spirits among the ruins and sirens. Finally, we invited Marco Pedrali to appear on “Caronte” because, since the song is about gondoliers and he’s a very talented singer who is also a gondolier, we thought he’d be perfect for the song’s more clownish section!

From a songwriting perspective, “Resa Marciana” feels extremely cinematic, almost closer to a soundtrack than to a traditional album. Did you ever think of the record as a sort of sonic movie dedicated to Venice, and if so, how did you build that musical “direction”?
Actually, we weren’t thinking about that at all. It’s really nice to hear such an artistic interpretation!

Looking at the entire Membrance journey and at a work as conceptually dense and layered as “Resa Marciana”, does this album represent a destination point or the beginning of a new narrative and musical phase for the band?
“Resa Marciana” is neither the beginning of a new phase nor an arrival point. We see it as one piece of our journey. If one day we were to break up, then it would certainly become the “final stop” album, but for quite some time now we’ve already been working on the continuation of what we weren’t able to say on this record. We’d like to explore modern folklore and the critical spirit that defines us in greater depth. We had already spoken extensively about folklore and legends on “Undead Island”, but this time we tried to blend those elements more deeply into the music itself. And even on the previous “Morality’s Collapse”, we had introduced lyrics that were more or less explicitly aimed at Venice and its social situation. Perhaps this album may seem like a turning point, being the only one so openly focused on Venice, with a lion on the cover and every song sung in Venetian dialect, but to us it’s simply another step along a path we would very much like to keep following.