Forse era scritto nelle stelle che prima o poi gli Ahab e il capolavoro di Jules Verne “20000 leghe sotto i mari” si sarebbero incontrati. “The Coral Tombs” (Napalm Records \ All Noir) è l’ennesimo grandioso incubo marino partorito dalla band tedesca, ne abbiamo discusso con il batterista Cornelius.
Ciao Cornelius, dopo il vostro precedente acclamatissimo album “The Boats Of The Glenn Carrig”, avete impiegato otto anni per pubblicare un nuovo disco. Avete sentito il peso della responsabilità di garantire un grande successore al vostro quarto album? Assolutamente! All’inizio sembra sempre un peso. Registriamo e pubblichiamo solo musica di cui siamo convinti al 100%. I nostri album sono sempre il meglio che siamo in grado di offrire in quel preciso momento. Quindi quando pubblichiamo qualcosa, mi capita sempre di pensare “come mai faremo a incidere di nuovo un album che sia figo come questo?”. Avverto una responsabilità nei nostri confronti, in primis. Avere una band perde ogni significato non appena smetti di sfidare te stesso. E sfidarci significa scrivere canzoni che ci piacciono, in primo luogo. Che siano passati otto anni questa volta non ha cambiato tutto questo, almeno fino alla data in cui abbiamo seriamente iniziato a scrivere le nuove canzoni di “The Coral Tombs”.
“The Coral Tombs” è ispirato al capolavoro di Jules Verne “20000 leghe sotto i mari”, era scritto nelle stelle che prima o poi la vostra musica e questo capolavoro letterario si sarebbero incontrati, sei d’accordo con me? Beh, sì, haha… Anche seo libro è in circolazione da un bel po’ di tempo, tutti noi siamo stati affascinati dal film Disney nella nostra infanzia. Ma la storia non sembrava dare spazio a riff distorti e a grugniti death metal. Questa opinione è cambia quando abbiamo letto il libro. Quindi, ancora una volta, abbiamo avuto la la prova che la lettura aiuta.
Durante i tuoi tour passati, hai mai visitato Les Machines de l’île a Nantes, l’isola dove alcuni artisti hanno costruito le fantastiche macchine di Verne? Hmmmm, aspetta…. Nel nostro tour con Mammoth Storm e High Fighter siamomstati a Nantes. Ho dovuto mandare un messaggio agli altri membri della band per scoprirlo. Secondo loro, Chris e Stephan ci sono andati. Daniel ed io eravamo ovviamente ubriachi… Ma non ho prove certe, posso solo fare affidamento su quello che mi è stato detto, haha!
Un giochetto veloce veloce: Melville o Verne? Melville!
Cosa è arrivato prima, il tuo amore per la letteratura o per la musica? Questa è in realtà un’ottima domanda. Ricordo che nella mia infanzia ho letteralmente divorato libri. Ma la musica è sempre esistita, quindi davvero non posso dirlo. Ma entrambe sono state con me sin dalla prima infanzia, questo è certo!
Dal punto di vista musicale questo è forse il tuo album più vario ma anche il più estremo… Penso di sì, sì. È un po’ presto per parlare dell’album nella sua interezza, perché non ne ho ancora una visione personale. Ma pensando a quello che abbiamo fatto musicalmente, immagino che sia, in effetti, il più vero.
Come sono nate le collaborazioni con Chris Noir di Ultha e Greg Chandler di Esoteric? Stavamo cercando una voce che offrisse un netto contrasto con quella profonda di Daniel per l’intro. Poiché ci piacciono le urla assolutamente disperate di Chris, gli abbiamo semplicemente chiesto se gli sarebbe piaciuto contribuire al nostro album. Greg Chandler è un amico di lunga data degli Achab. Gli Esoteric hanno avuto una grande influenza sugli Achab, specialmente durante il periodo della fondazione. Quindi era solo una questione di tempo prima che accadesse un qualcosa di simile a questa collaborazione.
Durante il tour di quattro date di novembre, avete suonato le nuove canzoni? Come hanno reagito i vostri fan? Sì, abbiamo suonato “Colossus of the Liquid Graves” e “Mobilis in Mobili”. Alla gente pare che siano piaciute molto. In generale posso dire che ci sono alcune canzoni nel nuovo disco che sembrano funzionare molto bene sul palco. Quali sono i vostri prossimi appuntamenti dal vivo? Il 14 gennaio terremo il release party di “The Coral Tombs” in una chiesa a Braunschweig, in Germania. Abbiamo alcune date confermate e altre che sono in contrattazione, proprio ora. Ad essere onesti, ho dimenticato quali sono confermate e quali no. Quindi immagino che sia più facile per voi controllare sulla nostra homepage ahab-doom.de, haha…
Perhaps it was written in the stars that sooner or later Ahab and Jules Verne’s masterpiece “20,000 Leagues Under the Sea” would meet. “The Coral Tombs” (Napalm Records \ All Noir) is yet another great marine nightmare born from the German band, we discussed about it with the drummer Cornelius.
Hi Cornelius, after your much acclaimed album “The Boats Of The Glenn Carrig”, you needed eight years, to release a new record. Did you feel the weight of responsibility to grant a great follow up to your fourth album? Absolutely! It always feels like a weight at first. We only record and release music we are 100% convinced by. Our albums always are the best what we are able to deliver at this very point in time. So when we release something it´s always the same that I think “how are we ever gonna make an album again that is as cool as this one?”. I feel a responsibility for ourselves, in the first place. Having a band loses its point as soon, as you stop challenging yourselves. And challenging means writing songs we like ourselves, in the first place. That it has been eight years this time didn’t change, until the date when we seriously started writing new songs for “the Coral Tombs”.
“The Coral Tombs” is inspired by Jules Verne’s masterpiece “20000 Leagues Under The Sea”, It was written in the stars that sooner or later your music and this literary masterpiece would meet, do you agree with me? Well, yes, haha… This book has been around for quite some time, actually. All of us have been fascinated by the Disney movie in our childhoods. But the story never seemed to give room for heavily distorted riffs and death metal grunts. This changed, when we read the book. So, again, there is proof that reading helps, in fact.
During your past tours, have you ever visited Les Machines de l’île in Nantes, the island where some artists built Verne’s fantastic machines? Hmmmm, wait… On our tour with Mammoth Storm and High Fighter we were in Nantes. …I just had to text my bandmember to find out. According to them, Chris and Stephan were there. Daniel and me were drunk obviously… But I have no proof here, I have to rely on what I was told, haha!
Just a little game: Melville or Verne? Melville!
Did your love for literature or music come first? This is actually a very good question. I remember that I literally swallowed books in my childhood. But music always had been around, so I really can´t tell. But both of them have been with me since early childhood, that´s for sure!
From a musical point of view this is perhaps your most varied album but also the most extreme… I think so, yes. It is a little bit early to talk about the album in its entireness, because I don´t have the personal distance to it, yet. But thinking of what we did here musically, I guess it is, in fact, the most veried one.
How did the collaborations with Chris Noir of Ultha and Greg Chandler of Esoteric come about? We were looking for voice that delivers a harsh contrast to Daniel deep voice for the intro. For we like Chris´ utterly desperate screams we just asked him if he´d like to contribute to our album. Greg Chandler has been a long term friend of Ahab. Esoteric have been a major influence on Ahab, especially during the founding time. So it was just a matter of time until something like this collaboration would happen.
During the November four dates tour, did you play the new songs? How did your fans react? Yes, we played “Colossus of the Liquid Graves” and “Mobilis in Mobili”. People seemed to like them very much. Generally I can say that there are quite some songs on the new record wich seem to work very well on stage.
What’s about your next live dates? On January, 14th will play a release show for “the Coral Tombs” in a church in Braunschweig, Germany.We have a few confirmed dates and some more that are being discussed, right now. To be honest, I somehow lost, wich ones are confirmed and wich arent´. So I guess, it´s easiest to check our homepage ahab-doom.de, haha…
Non lasciatevi ingannare dal guerriero morente raffigurato nella copertina del nuovo disco dei Conan, “Evidence of Immortality” (Napalm Records \ All Noir). La band inglese è viva e vegeta e capace ancora una volta di randellare gli ascoltatori con pesanti dosi di “caveman battle doom”.
Ciao Chris (Fielding), grazie per avermi concesso questa intervista. Avete registrato “Evidence of Immortality” durante l’emergenza Covid 19, la pandemia ha cambiata la vostra routine in studio? Come è capitato per la maggior parte delle band, abbiamo trovato molto complicato ritrovarci per scrivere e suonare. Soprattutto perché Johnny, il nostro batterista, vive in Irlanda. Siamo una band che riesce più facilmente a tirar fuori del materiale quando ci scambiamo idee a vicenda in una stanza, quindi è stato un processo piuttosto frustrante inviarcele tramite e-mail. Dal nostro primo tentativo di iniziare il processo di scrittura nel dicembre 2019 fino a quando siamo entrati in studio per registrare due anni dopo, è sembrato che fosse passata un’eternità. Tuttavia, quando abbiamo effettivamente iniziato a registrare, il materiale è andato giù liscio rapidamente e spontaneamente, quindi da questo punto di vista ci è sembrato tutto normale.
Dopo aver pubblicato quattro album che vi hanno garantito una crescente notorietà, avete avvertito particolari pressioni durante la registrazione di “Evidence of Immortality”? Non proprio, penso di parlare a nome di tutti i ragazzi quando dico che eravamo solo entusiasti di sfornare del nuovo materiale e poi suonarlo dal vivo on the road.
Quale pensi che possa essere per i vostri fan la cosa più sorprendente di “Evidence of Immortality”? L’album suona sicuramente molto Conan, con una certa enfasi sulla parte heavy, tuttavia non ci piace negarci qualcosa di nuovo per consentire alla musica di progredire e non risultare stagnante. Che si tratti di aggiungere influenze grindcore oppure delle parti con synth.
L’album vede anche la partecipazione dell’ex membro Dave Perry in “Grief Sequence”, cosa hai provato a lavorare di nuovo con lui in studio? È stato fantastico lavorare di nuovo con Dave. Ho avvertito che la traccia finale “Grief Sequence” avesse decisamente bisogno di sintetizzatori, abbiamo contattato Dave perché sapevamo che sarebbe stato perfetto ed è stato un bel ritorno all’EP split su cui ha suonato nel 2011. Il suo contributo è stato immenso e ha trasformato la traccia in qualcos’altro!
A cosa si riferisce il titolo“Evidence of Immortality”? Si riferisce al fatto che anche se gli eroi muoiono nelle loro spoglie terrene, essi un giorno rivivranno per combattere nel subconscio dei guerrieri di domani.
Il soldato nella copertina disegnata da Tony Roberts non mi sembra proprio immortale… Ah! Beh è già apparso sulle copertine, in momenti di trionfo oppure di sventura, di tutti i nostri album, quindi puoi essere sicuro che tornerà di nuovo.
Potresti dirmi cinque band che hanno dimostrato la propria immortalità? Prima risposta ovvia e scontata: Black Sabbath! Led Zeppelin, Jimi Hendrix Experience, Nirvana, Iron Maiden.
Cosa ne pensi dello stato di salute dell’attuale scena doom metal? Chiaramente c’è ancora un mercato vivo per queste sonorità, dato che stiamo suonando molto, anche se non credo che rientriamo perfettamente nella definizione che molti danno di doom. Ma se includi tutti i sottogeneri a cui viene associato, dallo stoner rock alla psichedelia fino all’avant garde, allora c’è ancora molto da fare.
Ultima domanda: quale pensi sia il miglior supporto fisico per la tua musica, CD o vinile? Amo il vinile, è una sorta di ossessione per me: lo trovo un formato infinitamente frustrante e gratificante allo stesso tempo! Un disco dal suono eccezionale è una cosa che dà gioia, tuttavia uno che suona male è un incubo. È un formato con molte imperfezioni e limitazioni, tutte da considerare durante la registrazione, il missaggio e il mastering, oltre che, ovviamente, nel processo di produzione. Se fai tutto bene, dovresti avere un album dal suono eccezionale che sarà un piacere ascoltare. Aggiungi a ciò il bonus di una bella copertina. I CD suonano molto bene, ascolti alla perfezione tutto ciò che ci è registrato sopra, sono sicuramente molto più divertenti del semplice streaming.
Don’t be fooled by the dying warrior featured on the cover of Conan’s new record, “Evidence of Immortality” (Napalm Records \ All Noir). The British band is alive and well and capable once again of bludgeoning listeners with heavy doses of “caveman battle doom”.
Hi Chris (Fielding), thanks for doing this interview. You released “Evidence of Immortality” during Covid 19 emergency, did the pandemic change your studio routine? Like most bands, we found it very difficult to actually get together to write and jam. Especially as Johnny our drummer lives in Ireland. We’re a band that finds it easier to come up with material when we’re all bouncing ideas off each other in one room so it was quite a frustrating process of sending ideas over email. Since our first attempt at starting the writing process back in December 2019 until we actually got into the studio to record two years later it felt like a long time coming. However, when we actually began recording properly the material went down quickly and easily so in that respect it felt like normal.
After releasing four albums that have guaranteed you growing notoriety, did you feel any particular pressure during the recording of “Evidence of Immortality”? Not really, I think I speak for all the guys when I say that we were just excited to get the new material down and then get to play it live on the road.
What do you think for your fans will be the most surprising thing about ““Evidence of Immortality”? The album still sounds very much like a Conan album, with the emphasis on heavy – however we never like to feel that we can’t try something new to allow the music to progress and not feel stagnant. Whether that’s adding influences from grindcore to big synth sections.
The album also sees former band member Dave Perry perform on “Grief Sequence”, what did you feel to work with him in studio again? It was fantastic to work with Dave again. I felt that the final track “Grief Sequence” was really crying out for synths, we approached Dave as we knew he’d be perfect and it was a nice nod to the split EP he played on back in 2011. His contribution was immense and just made the track into something else entirely!
What does the title “Evidence of Immortality” refer to? It is a reference to whether our heroes ever really die, or whether they live on again to fight another day in the sub conscience of tomorrow’s warriors.
The soldier in the cover designed by Tony Roberts does not seem immortal to me… Ha! Well he appears again and again in various states of triumph or doom across all our albums, so you can be sure he’ll be back again.
Could you tell me five bands that have proven their immortality? Obvious and most boring answer first, but obviously: Black Sabbath! Led Zeppelin, Jimi Hendrix Experience, Nirvana, Iron Maiden.
What are your thoughts on the current state of doom metal? Clearly there’s still a healthy market for it as we’re playing a lot, although I don’t really feel like we fit with a lot of what is seen as doom. But if you include all the associated sub genres like stoner rock to psychedelic to the more avant garde end then there is a lot still going for it.
Last, question: what do you think is the best physical medium for your music, CD or vinyl? I love vinyl, it’s a bit of an obsession for me – I find the format endlessly frustrating and rewarding at the same time! A great sounding record is a thing of joy, however one that sounds bad is a nightmare. It’s a format with many imperfections and limitations, all of which need to be considered when recording, mixing and mastering the music, as well as obviously the manufacturing process. Get all that right and you should have a great sounding album that’ll be a pleasure to listen to. Add to that the bonus of a the artwork on a 12” sleeve. CD’s are fine, they sound like what you put on them, still more fun than simply streaming it.
Persino voi luridi metallari senza fede, conoscerete la parabola del “Figliol prodigo”. Così, dopo la sbandata commerciale, i lauti incassi, le copertine dei giornali generalisti, noi, come quel padre biblico, siamo pronti ad abbracciare nuovamente i Nanowar of Steel. “Italian Folk Metal” (Napalm Records \ Neecee Agency) ha sancito la pace tra band e fans, ma nuove perigliose battaglie aspettano all’orizzonte i ritrovati paladini del metallo inox!
Ciao, con “Formia” vi siete abbeverati alla fonte del successo vero, mettendovi in tasca un sacco di soldi. Subito dopo la svolta metal, vi siete ritrovati su Il Raglio del Mulo. Cosa è andato storto? Niente. Era un piano pianificato dall’alba dei tempi, ovvero almeno da Dicembre 2020. Ritrovarsi su Il Raglio del Mulo è il sogno di ogni musicista che pubblica prima canzoni metal, poi pop, poi metal di nuovo, è una cosa risaputa nella comunità.
Direi di partire subito con le domande scomode: solo qualche mese fa avete tradito il metallo, abbracciando il pop emozionale. Ora vi ritroviamo nuovamente a fare il metallo, quanto questo ritorno all’ovile è dipeso dalle vittorie dei Måneskin a Sanremo e all’Eurovision? E’ dipeso moltissimo dai trionfi dei Måneskin, il gruppo brutal death metal irredentista più apprezzato in tutta l’Istria e la Dalmazia. Ci siamo ispirati a loro talmente tanto da essere andati nel futuro, aver visto i loro trionfi, aver pianificato la non partecipazione a Sanremo e successivamente la registrazione di due singoli pop e poi uno metal.
Il nuovo album, “Italian Folk Metal”, “Requiem per Gigi Sabani in Re minore”. Un po’ tutti si sono domandati il perché di questa scelta. Potete spiegarci, finalmente, come mai avete scelto proprio il Re minore come tonalità? Non l’abbiamo scelto noi ma ci è stato imposto per legge, visto che sin dai tempi di “Non è la RAI” Antonio Ricci ha obbligato il parlamento a legiferare sullo spinoso tema “La tonalità delle canzoni che hanno la parola requiem nel titolo”. Siccome l’infingardo Antonio aveva investito tutto sulle Re Minore, ne ha tratto considerevole vantaggio economico.
Con “La Maledizione di Capitan Findus” avete toccato un argomento a me caro, da anni lotto per il ritorno dell’attore vecchio. Non mi piace proprio questo giovane che c’è ora! Immagino che sia quella la maledizione di cui parlate nel brano… No, la maledizione di cui si parla è la maledizione che perseguita i merluzzi, creature nobili da sempre perseguitate, annichilite e sterminate dalle spietate reti a strascico del pirata manigoldo e dai sospettosamente giovani amici che abbia mai solcato il Mar dei Sargassi: Capitan Findus. Conosciuto nei sette mari come Il Bin Laden della fauna ittica, il Suharto dei crostacei, il Zeljko Raznatovic “Arkan” dei gamberi e dei molluschi.
Gatto Panceri 666 ha cantanto due brani in lingua straniera, “Der Fluch des Kapt’n Iglo” in tedesco e “El Baile del Viejo que mira las Obras” in spagnolo. E’ pronto per mollarvi e partire con una carriera solista tipo Sting? No, però è pronto per vendere i biglietti della lotteria sui voli RyanAir.
Questo è il vostro primo disco per la Napalm Records, cosa ha visto in voi l’etichetta austriaca? In realtà, non lo sappiamo, loro sono ancora convinti di aver messo sotto contratto a condizioni vantaggiose una quasi omonima band americana il cui nome inizia per M…
Ora che il 5G scorre nel sangue di molti dei vostri fan, avete pensato a qualche stratagemma per far arrivare direttamente la vostra musica nelle loro teste? Sì, si chiama “cuffiette”, è un sistema innovativo che ti metti un robot nell’orecchio che ti riproduce dei suoni e quando li ascolti puoi dire “ah”.
Siamo arrivati alla fine, vi va di lasciarci con un messaggio diretto a tutti quei bambini che dopo “Formia” hanno chiesto ai genitori un cappellino di lana e che oggi si sentono traditi? Il nostro messaggio finale è: Materassa bene chi materassa ultimo!
La modern metal band greca Scar of the Sun ha recentemente pubblicato un nuovo album “Inertia” tramite Napalm Records. Dopo due album interessanti, la band sembra evolversi in una nuova direzione e ha iniziato a fare sul serio. Ne abbiamo parlato con il mio amico Terry Nikas, frontman e tecnico del suono, visto in quest’ultima veste anche con i Septicflesh.
Ciao Terry, per favore, parlami del nuovo album “Inertia”. Uno dei singoli dell’album è “I’m the Circle”, una canzone che introduce nuovi elementi nel suono della band. Cosa c’è di diverso rispetto al precedente “In Flood”? Ciao Carmine e tutte le persone presenti! Il nuovo disco è sicuramente l’album più diverso che abbiamo fatto finora. È molto più aggressivo sia nella musica che nella voce, ma è anche il più diretto e meno complesso. Abbiamo sentito il bisogno di fare un tale cambiamento perché è quello che stiamo ascoltando anche negli ultimi anni. Abbiamo smesso di usare completamente gli elementi gothic metal e tutte le parti atmosferiche sono più influenzate dal genere djent. Anche la voce pulita è influenzata dal metalcore, quindi, come puoi vedere, ci sono molti cambiamenti. Ma direi che “I Am The Circle” è sicuramente una canzone metalcore.
Sì, è assolutamente così, l’influenza metalcore è il primo elemento che ho notato. Ho notato anche che hai introdotto la voce growl. Hai sentito che la voce dovesse essere più aggressiva in questo album? Come cantante, ho sempre voluto sperimentare e aggiungere elementi. Ho aggiunto voci aggressive nel nostro album precedente, ma ora sono andato fino in fondo. Nel complesso sono stato più arrabbiato, inoltre le canzoni sono più aggressive. Sentivamo tutti il bisogno di avere voci più aggressive ed è per questo che le abbiamo introdotte per la prima volta.
Come sai, ho sempre amato le produzioni di Rhys Fulber e mi sono piaciute così tanto le precedenti uscite dei SOTS, che mi hanno ricordato l’era Paradise Lost 2002-2005. Ho ascoltato meno di tutto questo su “Inertia” e più influenze metalcore come hai detto tu. Volevi introdurre questo nel tuo sound adesso? Lo so perfettamente! Abbiamo gli stessi gusti. (AH AH) Adoriamo tutte le produzioni di Rhys Fulber, non solo quelle dei Paradise Lost, ma anche dei Fear Factory per esempio. E amo anche i suoi progetti elettronici, in quelli è un genio assoluto! Il fatto è che non abbiamo più niente di tutto ciò nella nostra musica, e in effetti il metalcore è una delle nostre principali influenze. L’altra influenza principale è il death metal svedese (e il terzo è djent), quindi volevamo aggiornare il nostro sound. Sono completamente soddisfatto del risultato finale, ma posso dirti che, se il budget sarà ok, ho in mente di lavorare di nuovo con Rhys in futuro.
L’album mi piace, però i precedenti erano più intimi e personali. Pensi che tutti i nuovi elementi del sound degli Scars of the Sun possano attirare più attenzioni del pubblico? Questa è una questione complicata. Nei nostri album precedenti, c’erano persone che dicevano che le nostre influenze sono molto evidenti, quindi il suono non è molto personale. Ora la maggior parte dice che ci siamo avvicinati al nostro suono. D’altra parte, abbiamo persone che dicono che ciò che suoniamo ora è più generico. Per me, tutto ciò che conta è se le canzoni sono buone. Non mi interessa se è generico, perché tutti possono dire che una canzone di Killswitch Engage o In Flames ora sono generiche. Inoltre le canzoni più “generiche” del nostro album sono i 3 singoli. Ma se ci pensi, i singoli dovrebbero essere generici, perché il loro lavoro è portare più persone ad avvicinarsi alla band. Il resto delle canzoni ha il nostro nuovo carattere e l’intero carattere di una band proviene dall’intero album, non dai singoli. E se ascolti tutto il nostro album, penso che il nostro nuovo carattere sia ovvio. Il nuovo carattere è questo suono aggressivo multidimensionale, suona Scar Of The Sun, ma in un modo nuovo. D’altra parte, facciamo musica che ci piace e sappiamo bene che non possiamo accontentare tutti. Nel momento in cui la band è d’accordo sul materiale, siamo felici. Ovviamente siamo d’accordo con l’opinione di ogni singola persona, è normale che le persone abbiano le proprie idee sulla nostra musica. Abbiamo alcuni che dicono che “Singularity Collapse” e “Sand” sono canzoni gotiche, dove “Singularity” è djent e Sand è pop rock / metal alternativo americano sulla scia di band come Paramore e 30 Seconds To Mars. Non possiamo fargli cambiare idea e comunque non è nostro scopo farlo.
“Inertia” è stato prodotto e mixato nel tuo studio, Zero Gravity Studios e masterizzato da Jens Bogren, attualmente la migliore scelta possible. Parlami per favore della produzione dell’album. È un enorme lusso il fatto di avere i nostri studi per molte prospettive. Prima di tutto, non abbiamo bisogno di controllare il nostro orologio quando stiamo registrando. Il fatto anche che lo studio sia completamente hi-tech ci dà accesso a tutte le attrezzature di altissima qualità e abbiamo tutto il tempo nelle nostre mani per lavorare per il miglior risultato. Inutile dire che tutti i ragazzi si sentono come a casa, anche noi proviamo lì, quindi puoi immaginare che questo è un grande vantaggio che abbiamo. Sto anche mixando, questo significa che tutti i ragazzi hanno accesso diretto per discutere piccoli dettagli che prima era difficile da spiegare attraverso infinite e-mail. Ho molta esperienza, dopo aver lavorato a lungo con band come Septic Flesh, Nightrage, Suicidal Angels, Fortid ecc in studio, quindi il mix è stato facile per me. D’altra parte, volevamo lavorare con Jens sul mastering perché volevo avere un equilibrio tra il suono moderno di cui sono fan e il suono vintage moderno di cui Jens è il maestro. Credo che il risultato finale dimostri che tutto ha lavorato nel miglior modo possibile a nostro favore.
Assolutamente sì, la produzione è un punto di forza dell’intero album. Le canzoni che mi sono piaciute di più sono “Oxygen”, “Singularity Collapse” e “Hydrogen“. Puoi descrivere la musica e i testi? “Oxygen” è un interludio, aiuta il flusso dell’album nel modo in cui è posizionato. I testi parlano di come i nostri “amici” dell’UE ci hanno portato dei “regali” , che in realtà non erano regali, ma come truffatori simili ai nostri che ci hanno portato alla bancarotta, hanno portato solo povertà, dolore e distruzione e misure che hanno distrutto il Popolo greco. “Oxygen” racconta che sappiamo tutto questo, non siamo stupidi, almeno non tutti noi. “Singularity Collapse” parla di una questione completamente diversa, del fatto che gli umani sono così arroganti da pensare che siamo il gioiello della corona della creazione e l’unica specie intelligente nell’universo! Un universo che è infinito e che il cervello umano non può nemmeno concepire. Viviamo solo per circa 80 anni, che è niente in confronto all’età dell’universo. Non siamo nemmeno un granello di sabbia e pensiamo di essere i re! Siamo così stupidi!
Parlami di più sulla scrittura delle canzoni di “Inertia”, come è avvenuta la composizione? Abbiamo iniziato a comporre subito dopo l’uscita del nostro precedente album “In Flood”. Il nostro chitarrista Greg era ispirato, così ha iniziato a portare una canzone dopo l’altra e ci sono piaciute tutte. Ad un certo punto, l’altro nostro chitarrista Alexi ha portato “Inertia” e ci siamo resi conto che le canzoni erano nella stessa direzione. Abbiamo cercato di mantenere le tracce più semplici questa volta, perché abbiamo la tendenza a comporre cose più complesse. Quindi abbiamo iniziato a provare le canzoni in studio, per controllare come funzionano e apportare tutte le modifiche di cui avevamo bisogno e allo stesso tempo ho iniziato a comporre le linee vocali. Mi ci è voluto più tempo perché ho iniziato a usare voci brutali per la prima volta e ho dovuto stabilizzare il mio suono. Il processo è stato abbastanza semplice perché non abbiamo cambiato molto nelle canzoni di Greg. Lo stesso perquelle di Alexi.
Le illustrazioni di tutti i vostri album sono state create da Achilleas Gatsopoulos. Sono legati a qualche concetto? Sin dagli esordi della band, ci siamo resi conto di avere un amore comune per il movimento Art Nouveau / Jugendstil del XIX secolo e in particolare per il pittore austriaco Gustav Klimt. Abbiamo deciso che questa sarebbe stata la base delle nostre copertine e immagini per creare la nostra identità. Vogliamo che le persone vedano le nostre copertine e capiscano direttamente che sono gli Scar Of The Sun e ha funzionato finora. Oltre a questo, tutte le copertine sono direttamente correlate ai testi degli album. Ogni volta che finiamo un album, facciamo una lunga chiacchierata con Achilleas per spiegargli di cosa parlo in ogni singola canzone. In questo modo, i testi creano alcune immagini forti nella sua mente e lui sta inventando queste incredibili opere d’arte che vedi. Queste sono le uniche connessioni che puoi davvero trovare nelle nostre opere d’arte.
I tempi non sono incoraggianti adesso, ma avevate programmato alcune date del tour? Qualche possibilità di vederti in Italia? Stiamo lavorando con il nostro agente di booking e la nostra etichetta per organizzare il tour. È ancora abbastanza presto, ma non appena sarà possibile, l’obiettivo è quello di mettersi in viaggio. Siamo una band che ama andare in tour e questa volta sta diventando ancora più importante, dal momento che abbiamo un’uscita del genere con un’etichetta discografica importante. Posso assicurarti che faremo del nostro meglio per suonare di nuovo in Italia, è passato un bel po’ di tempo dal nostro ultimo spettacolo (era a Bologna). Cercheremo di suonare lì in tour o in qualsiasi festival, se possibile, quindi speriamo che i promoter siano interessati a portarci lì.
Spero davvero che verrai qui. Ti siamo grati per il tuo tempo; è stato un piacere parlare con te. Vuoi dire qualcosa ai fan del metal qui in Italia? Grazie mille per questa intervista prima di tutto Carmine. Speriamo che tutti stiano al sicuro prima di tutto, perché la salute è la cosa più importante. Oltre a questo, vorremmo incoraggiare i fan del metal in Italia a dare un’occhiata ai nostri singoli su YouTube e se gli piace quello che ascoltano, possono dare un’occhiata al resto dell’album se vorranno. Speriamo davvero che molte persone ascoltino la nostra musica perché questo ci renderà più facile anche il tour in Italia. Grazie mille ancora e cordiali saluti da tutti i ragazzi degli Scar Of The Sun.
The Greek modern metal band Scar of the Sun have recently released a new album “Inertia” via Napalm Records. After two interesting albums, the band seems to evolve in a new direction and they started to play a serious game. We talked about this with my friend Terry Nikas, frontman and sound engineer, that worked also with Septicflesh.
Hello Terry, please, talk me about the new album “Inertia”. One of the singles of the album is “I’m the Circle”, a song that introduces new elements in the band’s sound. What is different from the previous release ”In Flood”? Hello Carmine and all people there! The new album is the most different album we have done so far for sure. It’s far more aggressive both in music and in vocals, but it is also the most direct and less complex. We felt the need to make such a change because this is what we are listening as well during the last years. We stopped using gothic metal elements completely, and all the atmospheric parts are influenced by the djent genre anymore. Even the clean vocals are influenced by metalcore, so as you can see, there are a lot of changes. But I would say that “I Am The Circle” is a metalcore song for sure.
Yes, absolutely, metalcore influence is the first elementi I noticed. I noticed also that you introduced growl vocals. Did you feel that the vocals need to be more aggressive on this album? As a singer, I always wanted to experiment and add elements. I added harsh vocals on our previous album but now I went all the way. Overall I was more angry, plus the songs were more aggressive. We all felt the need to have more aggressive vocals and that’s why we introduced them for the first time.
As you know, I always loved Rhys Fulber productions and I liked so much the previous SOTS releases, they reminded me the Paradise Lost era 2002-2005. I listened less of all this on “Inertia” and more metalcore influences like you said. Did you wanted to introduce this in your sound now? I know it perfectly! We have the same tastes. (AH AH) We love all the Rhys Fulber productions, not only on Paradise Lost, but also in Fear Factory for example. And I love also his electronic projects, he is an absolute genius in those! The thing is that we don’t have any of that anymore in our music, and indeed metalcore is one of our main influences. The other main influence is Swedish death metal (and the third is djent), so we wanted to update our sound. I am completely happy with the final result, but I can tell you, if the budget will be ok, I have in mind to work again with Rhys in the future.
I like the album, but the previous ones were more intimate and personal. Do you think all new elements of Scar of the Sun’s sound can bring more attentions of audience? This is a complicated issue. On our previous albums, we had people saying that our influences are very obvious, so the sound is not very personal. Now most say that we went closer to our own sound. On the other hand, we have people saying that what we play now is more generic. To me, all that matters is if the songs are good. I don’t care if it is generic, because everyone can say that a song from Killswitch Engage or In Flames now are generic. Plus the most “generic” songs on our album are the 3 singles. But if you think about it, singles should be generic, because their work is to bring more people to a band. The rest of the songs have our new character and the whole character of a band comes from the entire album, not the singles. And if you listen to our whole album I think that our new character is obvious. The new character is this multidimensional aggressive sound, it sounds Scar Of The Sun, but in a new fashion. On the other hand, we do music that we like and we know well that we cannot please everyone. At the moment that the band agrees on the material, we are happy. We are ok of course with every single person’s opinion, it is normal that people have their own ideas about our music. We have people that say that “Singularity Collapse” and “Sand” are gothic songs, where “Singularity” is djent and “Sand” is American pop alternative rock/metal in the veins of bands like Paramore and 30 Seconds To Mars. We cannot change their mind and it’s not our purpose to do so anyway.
Inertia has been produced and mixed in your own studio, Zero Gravity Studios and mastered by Jens Bogren, actually the best choice possible. Talk me please about the production of the album. It is a huge luxury the fact that we have our own studios from many perspectives. First of all, we don’t need to check our clock when we are recording. The fact also that the studio is completely hi tech gives us access to all the top quality equipment and we have all the time in our hands to work for the best result. Needless to say, all the guys feel like home, we also rehearse over there, so you can imagine that this is a great advantage that we have. I am mixing it as well, that means that all the guys have direct access in order to discuss small details that before was hard to explain through endless emails. I have a lot of experience anymore, after I have extensively worked with bands like Septic Flesh, Nightrage, Suicidal Angels, Fortid etc at the studio, so the mix was easy for me. On the other hand, we wanted to work with Jens on the mastering because I wanted to have a balance of the modern sound that I am fan and the modern vintage sound that Jens is the master in. I believe that the final result proves that everything worked in the best possible way in our favor.
Absolutely yes, the production is a strength point for the whole album. The songs I liked more are “Oxygen”, “Singularity Collapse” and “Hydrogen”. Can you please describe the music and lyrics? “Oxygen” is an Interlude, it helps the flow of the album the way it is placed. The lyrics talk about how our EU “friends” brought us “presents” supposedly, that they were actually not presents, but as similar crooks as our own that brought us to bankruptcy, they brought only poverty, pain and destruction and measures that destroyed the Greek people. “Oxygen” says that we know all that, we are not stupid, at least not all of us. “Singularity Collapse” now talks about a completely different matter. It talks about the fact that humans are so arrogant that they think that we are the crown jewel of creation and the only intelligent species on the universe! A universe that is infinite and that the human brain cannot even conceive. We only live for about 80 years, which is nothing in comparison to the age of the universe. We are not even a grain of sand and we think that we are the kings! We are that stupid!
Talk me more about the songwriting of Inertia, how did the composition take place? We started composing after the release of our previous album “In Flood”. Our guitarist Greg was on fire, so he started bringing one song after the other and we liked all of them. At one point in the beginning, our other guitarist Alexi brought Inertia and we realised that the songs were in the same vein. We tried to keep the songs more simple this time, because we have the tendency to compose more complex stuff. So we started rehearsing the songs at the studio, in order to check how they work and make all the changes we needed and at the same time I started composing the vocal lines. It took me more time because I started using brutal vocals for the first time and I had to stabilise my sound. The process was quite simple because we didn’t change much on Greg’s songs. Same for Alexi’s song.
Artwork of all your releases are been created by Achilleas Gatsopoulos. Are them related with some concept? Since the beginning of the band, we realized that we have a common love for the Art Nouveau/Jugendstil movement of the 19th century and specifically for the Austrian painter Gustav Klimt. We decided that this will be the basis of our covers and visuals in order to create our own identity. We want people to see our covers and directly understand that it is Scar Of The Sun and it works so far. Other than that, all the covers are directly related to the lyrics of the albums. Whenever we finish an album, we have an extensive chat with Achilleas in order to explain to him what I am talking about in every single song. This way, the lyrics create some strong images into his mind and he is coming up with these amazing artworks that you see. This is the only connections that you can find in our artworks really.
Times are not encouraging now but did you planned some tour dates? Any chance to see you in Italy? We are working with our booking agent and our label in order to book tours. It is quite early yet, but as soon as this will be possible the aim is to hit the road. We are a band that loves touring and this time is getting even more important, since we have such a release with such a record label. I can ensure you that we will do our best to play in Italy again, it’s been quite some time since our last show (in Bologna it was). We will try to play there either on a tour or on any festival if possible, so we hope that promoters will be interested in getting us there.
I really hope you will come here. We are grateful for your time; it’s been a pleasure talk with you. Do you want to say something to metal fans here in Italy? Thank you so much for this interview first of all Carmine. We hope that everyone stays safe first and foremost, because health is the most important thing. Other than that, we would like to encourage metal fans in Italy to check out our singles on YouTube and if they like what they listen, they can check out the rest of the album any way they want. We really hope to see many people checking out our music because this will make easier for us to tour in Italy as well. Thanks very much once again and best regards from all the guys in Scar Of The Sun.
Siamo ormai avvezzi all’ascoltare materiale di qualità dai Moonspell: “Wolfheart”, “Irrelectual”, “Memorial” e “Night Eternal” sono album che hanno consacrato la band nell’élite del gothic metal. Dopo il coraggioso esperimento di “1755”, escono nuovamente con qualcosa di diverso, in un periodo difficile e con un’intensa dimensione introspettiva, “Hermitage” (Napalm Records / All Noir) mostra come la band abbia sempre qualcosa di nuovo da offrire, un suono ipnotico e un fantastico nuovo viaggio. Ne abbiamo parlato con Ricardo Amorim, storico chitarrista della band.
Ciao Ricardo, secondo me con questo album la band ha tirato fuori le migliori canzoni possibili, sono più fresche e suggestive rispetto a quelle di “Extinct” e questo album può iniziare un nuovo capitolo della vostra storia: sei d’accordo? Cosa c’è di nuovo e cosa è cambiato nei Moonspell o nel processo di scrittura delle canzoni? Penso che tu abbia ragione, potrebbe essere un nuovo capitolo per la band. Quello che volevamo ottenere è la continuità logica di ciò che i Moonspell hanno iniziato con “Extinct”. Anche se abbiamo pubblicato “1775” che è un album molto più aggressivo e orchestrale a causa della sua specificità tematica, quello che vogliamo ora è scrivere musica che rifletta maggiormente una band di musicisti quarantenni che esplora diverse direzioni. Siamo sempre stati di mentalità molto aperta riguardo ai gusti musicali e, ovviamente, siamo una band metal, ma come artisti abbiamo bisogno di esplorare e sperimentare qualcosa di più della semplice pesantezza e di tamburi assordanti. Posso dire che i Moonspell sono in questo momento una band senza vincoli e l’unica cosa in cui insistiamo è preservare l’integrità e l’identità dei Moonspell.
I testi di “Hermitage” parlano dell’importanza che ha per l’umanità il prendere le distanze dalle convenzioni della modernità, di isolarsi e riflettere sul mondo che non gira solo intorno a noi. A partire da cosa esattamente abbiamo bisogno di prendere le distanze per non perdere la nostra direzione e la nostra essenza? Per te, l’eremo è l’unica soluzione per vivere meglio nel XXI° secolo? Grazie alla tecnologia siamo tutti connessi in un modo che non avremmo mai potuto immaginare prima, ma tuttavia stiamo creando più barriere che mai tra noi stessi. È spaventoso quanto l’ego e l’odio abbiano avuto un ruolo così importante nelle nostre vite. Penso che abbiamo perso di vista ciò che conta davvero ed è sempre più difficile mettere le cose in prospettiva. Non sono un profeta, solo un ragazzo preoccupato che pensa che ci sia molto rumore di fondo nelle nostre vite e molto inquinamento visivo attorno a noi, e quindi la nostra percezione delle cose può essere davvero distorta. Quando gli eremiti si isolano, lo fanno con l’unico obiettivo di trovare in se stessi abbastanza pace per purificare il proprio spirito, per poter imparare di più sul proprio ruolo nel mondo e nella vita. E questo serve come metafora per ciò che stiamo cercando di affermare col messaggio di “Hermitage”. La solitudine non è il ritiro romantico che leggiamo sui libri. È una risposta al mondo esterno, a condizioni che non siamo in grado o non siamo disposti a cambiare. Al giorno d’oggi tutto si evolve così velocemente ma in realtà non siamo pronti ad affrontare cambiamenti così rapidi che avvengono ad ogni minuto. Forse dobbiamo rallentare ed essere più consapevoli del modo in cui viviamo, almeno questa è la mia percezione. Stiamo perdendo il nostro senso di umanità ed è importante rendersene conto e cercare di trovare cosa si può fare al riguardo.
Ho amato la produzione di “Hermitage” più che negli album precedenti. Mi sono piaciuti molto i lavori di Jaime Gomez Arellano, specialmente quelli per i Paradise Lost. Li hai sentiti? In che modo il suo lavoro ha contribuito e cosa è cambiato rispetto ad altre produzioni degli album precedenti? Sì, i Paradise Lost hanno beneficiato molto del contributo di Jaime Gomez. Nelle loro stesse parole affermano che Gomez li ha fatti ritornare di nuovo i Paradise Lost. Non potrei essere più d’accordo. Ho ascoltato molto “Obsidian” e penso che sia un grande album. Quello che abbiamo davvero apprezzato nel lavoro di Gomez è proprio il fatto che predilige l’identità della band e vuole che le band suonino come se si esibissero dal vivo. Al giorno d’oggi tutto sembra così ultra prodotto che gli album tendono a sembrare senz’anima e Gomez vuole chiaramente il contrario. Mi piace dire che invece di un algoritmo, Gomez ci ha dato i battiti del cuore. Gran parte del lavoro era già praticamente fatto e Gomez fondamentalmente ha semplicemente migliorato ciò che era migliorabile nella nostra musica e ha tolto un po’ l’eccesso di suoni che stavamo usando. Il risultato è un album in cui ogni strumento respira e le canzoni ne hanno chiaramente beneficiato.
In effetti grazie alla produzione di Arellano, con “Hermitage” è come se stessi ascoltando la band che suona nella mio camera e mi ricorda alcuni album metal classici. È così solo per me o questo album è davvero più intimo di tutte le uscite dei Moonspell? Intendo non solo per i testi, ma anche per il suono. Questa era precisamente l’intenzione dietro la scrittura e la produzione dell’album. I Moonspell sono una band composta da individui cresciuti in un’epoca in cui le persone si sedevano per ascoltare un disco. Al giorno d’oggi tutto viene trasmesso in streaming e la musica non riceve l’apprezzamento che merita, quindi stiamo cercando di rivendicarlo. Vogliamo un album che si faccia ascoltare, non superficialmente. Vogliamo darvi tempo per godervi l’esperienza in modo che l’arte possa essere apprezzata appieno. Ricordo quando Gomez ha detto che ciò che è importante è captare dalle registrazioni la sensazione di un’esibizione della band come fosse dal vivo, e in questo riteniamo che abbia pienamente ragione. È molto gratificante sapere che tu e le persone come te potete provare questa sensazione. Almeno per noi significa che abbiamo fatto un buon lavoro.
Ti ringrazio davvero per la vostra musica. I miei brani preferiti di “Hermitage” sono “Common Prayers”, “Hermitage” e “Solitarian”. Puoi per favore commentarli? “Common Prayers” è una canzone semplice, con groove diretto e un ritornello orecchiabile. Se esistesse un genere denominato “Stadium Goth”, sarebbe sicuramente la categoria a cui appartiene questa canzone. Racconta una storia ispirata all’espolsione del fenomeno delle suore incinte nel XVIII secolo, in Europa e in Portogallo. Le spose di Dio erano, il più delle volte, donne della nobiltà i cui genitori non erano in grado di farle sposare al “momento giusto” e con la “persona giusta” e che rimasero incinte di uomini legati al clero e all’aristocrazia locale. Nelle demolizioni già a metà del XX secolo furono trovate diverse ossa di bambini: i figli abbandonati di Dio e della società. “Hermitage” parla di ricerca della verità nel deserto, l’isolamento personale, la canzone epica che tutti conoscono già e il nostro umile omaggio ai potenti Bathory. Un gran riffing e alcune persone hanno detto che questa potrebbe essere la nuova “Alma Mater”. Non so se son d’accordo con questa affermazione o no, ma sono davvero felice che si sia rivelata una canzone così bella. “Solitarian” melodica, straziante e ipnotica. Un tema per una ricostituzione momentanea, la virgola nella frase. Questo strumentale inizia spegnendoci per un po’, poi ci riporta all’album alla fine del tema. Come chitarrista, oserei dire che forse su questo pezzo ho avuto i migliori suoni di chitarra che abbia mai registrato in tutta la mia carriera.
Si, i suoni e la produzione sono sicuramente uno dei punti di forza dell’album e il risultato delle chitarre è davvero notevole. Vorrei chiederti qualcosa riguardo il nuovo batterista: Hugo Ribeirocome è entrato in contatto con la band e cosa c’è di diverso nel suo lavoro rispetto a quello di Mike Gaspar? Hugo è un batterista che il nostro tastierista Pedro ha conosciuto un bel po’ di tempo fa ed è stato Pedro stesso che si è preso la responsabilità di trovarci un nuovo batterista dopo che ci siamo separati da Mike. Hugo ha dimostrato di essere il ragazzo giusto, e la prima volta che abbiamo suonato insieme è stato magico. È più giovane di noi ma suona da molto tempo la batteria in gruppi rock/prog/metal portoghesi e registra anche come batterista session per numerose band di fuori. È un ragazzo molto umile ed energico che ci ha portato una boccata di aria fresca ed entusiasmo. Può suonare molti stili diversi e porta ed esplora molte dinamiche nel suo modo di suonare, il che aiuta molto la canzone. Devo dire che quando si è unito alla band, Pedro e io avevamo già scritto tutte le canzoni e programmato le parti di batteria, ma Hugo ha iniziato a lavorare con noi non solo per rendere quelle parti reali, ma anche per renderle molto musicali. Mi piace dire che riesce a far suonare la batteria melodica, invece che solo ritmica. In futuro, non vedo l’ora di iniziare a scrivere con lui da zero, perché questo ragazzo ha molto da offrire. Non c’è una differenza così grande tra i due batteristi, Hugo è un grande fan del genere musicale che proponiamo e per lui è stato molto facile assorbire lo stile di Moonspell. Tuttavia, abbiamo un livello di coerenza che non avevamo mai avuto prima.
È un vero peccato che ora non possiamo ascoltare le nuove canzoni in un vero set dal vivo. Recentemente avete suonato in un live streaming, com’è stata questa esperienza e quale canzoni da “Hermitage” ascolteremo in una set-list dei Moonspell? Con la pandemia tutto è diventato molto più difficile. Stiamo facendo del nostro meglio per mantenere viva la band e per entrare in contatto con i nostri fan in maniera più profonda. Lo streaming aiuta molto ma non è la stessa cosa. Tuttavia, siamo comunque riusciti a suonare alcuni spettacoli con un pubblico molto limitato, perlomeno c’era un pubblico. Nell’ultimo spettacolo in cui i Moonspell hanno suonato, abbiamo presentato in anteprima “Greater Good” e “Common Prayers”. Queste canzoni rendono molto dal vivo e sicuramente avranno il loro posto nella scaletta. Oltre a questo, alla fine, dovremo fare una release show per “Hermitage” e quindi tutto l’album verrà presentato dal vivo. Per quanto riguarda i tour in futuro, speriamo non richieda troppo tempo, è ancora un po’ prematuro dire quali canzoni verranno suonate perché davvero non lo sappiamo. Questa sarà una decisione presa dopo un paio di prove.
“Apophthegmata” mi ricorda così tanto un sound dei Moonspell che amo… era “Darkness And Hope”, un album straordinario che quest’anno segna il ventesimo anniversario. Quanto è stato importante questo album per il futuro sound dei Moonspell? Hai qualche episodio di cui vuoi parlare riguardo la produzione o il tour di questo album? In effetti il tempo scorre veloce. È strano rendersi conto che canzoni come “Nocturna” sono state scritte già venti anni fa. Quello che posso dire è che “Darkness and Hope” è un album che è stato registrato in un periodo incerto per noi, ma che ci ha fatto riconquistare molte persone che erano rimaste deluse dai nostri esperimenti sugli album “Sin/Pecado” e “Butterfly Effect”, e che ha apportato una nuova generazione di fan. Era un album registrato in Finlandia e quando eravamo lì, uscivamo molto con i nostri buoni amici di Amorphis e alcuni componenti degli HIM. Credo che sia stato abbastanza terapeutico per noi perché eravamo scettici sul nostro futuro, e quei ragazzi finlandesi ci hanno ricordato l’importanza che i Moonspell hanno sulla scena. Secondo noi, “Darkness and Hope” ha dei momenti molto belli ma non è un album brillante, comunque… era l’album di cui avevamo bisogno per recuperare la fiducia in noi stessi.
Grazie per la bella chiacchierata Ricardo, vuoi aggiungere qualcosa ai fan italiani dei Moonspell? Grazie mille per questo confronto con te e i tuoi lettori. I tempi sono davvero strani, ma teniamo la testa a galla e speriamo in giorni migliori. Non vediamo l’ora di suonare per voi e torneremo sicuramente in Italia. Nel frattempo, siate resilienti e statemi bene!
I Sirenia si sono rinnovati con il loro decimo album in studio, “Riddles, Ruins & Revelations” (Napalm Records). Abbiamo fatto due chiacchiere con il mastermind Morten Veland, un uomo che non ha certo paura di combinare il metal sinfonico con le influenze più moderne.
Benvenuto Morten, come è nato il vostro decimo album “Riddles, Ruins & Revelations”? A causa della pandemia questo si è rivelato un album impegnativo da realizzare, abbiamo dovuto fare molte cose in modo molto diverso da quello che avremmo fatto normalmente. La pandemia ha colpito l’Europa con tutta la sua forza solo pochi giorni prima l’inizio delle nostre sessioni di registrazione dell’album. Il volo di Emmanuelle è stato cancellato e non è riuscita ad arrivare in Norvegia se non sei mesi dopo. Di conseguenza l’album è stato posticipato di sei mesi. Anche realizzare video e foto promozionali è stato complicato e al momento non siamo ancora in grado di fare un tour. Quindi è una situazione frustrante quella in cui noi artisti in generale e fan ci troviamo in questi giorni.
Oggigiorno non hai paura di combinare un suono sinfonico pesante con influenze moderne, perché hai cambiato il tuo approccio alla musica in questi anni? Ogni volta che inizio a scrivere materiale per un nuovo album, tendo a passare i primi due mesi a sperimentare e cercare una nuova direzione in cui posso portare l’album. Questa volta sono stato ispirato da molti suoni di tastiera retrò ed elementi elettronici. Questi sono elementi che sono stati presenti anche in passato, ma questa volta abbiamo decisamente dato loro un ruolo più importante. Mi è piaciuto molto fare questo album, ed è questo che è importante per me, cercando di far rimanere le cose interessanti. Ho bisogno di nuove motivazioni e ispirazione ogni volta e ho bisogno di fare cose nuove per rimanere ispirato.
L’album si conclude con una vostra versione della hit “Voyage Voyage” dei Desireless` 1986, non temi la reazione dei tuoi fan a una cover di una canzone pop? No, assolutamente no. Se dovessimo temere le reazioni dei fan e degli ascoltatori, tanto vale smettere di fare musica. Comunque ci aspettavamo certamente feedback contrastanti su quella canzone. Ma le reazioni sono state sorprendentemente positive, devo dire. Per me non ha mai avuto senso per una band metal coverizzare un’altra band metal, dato che le versioni suonerebbero comunque troppo simili. Ho sempre preferito trovare una canzone di un genere diverso e poi trasformarla in una versione metal.
Secondo te “Riddles, Ruins & Revelations” contiene una o più canzoni che potrebbero lasciare un segno nella carriera dei Sirenia? Forse “December Snow”? Non sono sicuro di aver capito esattamente cosa intendi, ma direi che canzoni come “December Snow”, “We come to Ruins” e “Downwards Spiral” sono una specie di canzone tipica dei Sirenia. Hanno la maggior parte degli elementi per cui siamo conosciuti negli anni.
In “Downwards Spiral” Emmanuelle è supportata dalla voce di Joakim Næss, perché ti piace lavorare con lui così spesso? La risposta a questa domanda è abbastanza semplice: perché amiamo la sua voce. È un grande cantante e amico ed è molto bello lavorare con lui. Anche la sua voce si fonde perfettamente con la nostra musica.
Qual è la tua dipendenza n. 1? Birra artigianale.
Dopo questo difficile 2020, pensi che la pandemia abbia dimostrato che l’arte è essenziale per la vita delle persone? La musica ancora di più? Sicuramente credo che la musica possa essere una forza positiva nella vita della gente, e ho sentito da molte persone come la musica le abbia aiutate nei periodi difficili della vita. Penso che la musica abbia svolto un ruolo importante per molti in particolare durante questa pandemia.
Quanto è difficile la vita per un musicista lontano dal palco? È molto difficile. Non sono stato in questa situazione dal 1991. Non che ci fosse una pandemia in quel momento, ma quella è stata l’ultima volta che sono andato per così tanto tempo senza far nulla.
Trasmetterete in streaming un release concert per “Riddles, Ruins & Revelations”? Avevamo dei piani per quello. Ma si è rivelato così complicato e rischioso da organizzare in questi tempi, che per ora abbiamo deciso di lasciar perdere. Forse faremo uno spettacolo in live streaming in un secondo momento, ma per ora quei piani sono in sospeso. La nostra band è trasmessa in tutta Europa, in Norvegia, Regno Unito e Francia. Questo non si è mai rivelato complicato in passato, ma durante la pandemia è stato più difficile per motivi pratici. Mi mancano davvero il resto della mia band e i nostri fan. Non vedo l’ora di tornare di nuovo in tour. Un saluto a tutti i nostri fan italiani, state al sicuro e speriamo di vedervi presto.
Sirenia are renewed in darkness with their tenth studio album, “Riddles, Ruins & Revelations” (Napalm Records). We had a chat with the mastermind Morten Veland, a man who is certainly not afraid of combining a heavy symphonic sound with modern influences.
Welcome Morten, how is born your tenth album “Riddles, Ruins & Revelations”? Due to the pandemic this turned out to be a challenging album to make, we had to do a lot of things quite different than we would normally do. The pandemic hit Europe with full force just a few days before we were supposed to begin the recording sessions for the album. Emmanuelle’s flight was canceled and she were not able to make it to Norway until six months later. As a result the album was postponed by six months. Also making videos and promo pics was complicated, and at the moment we are still not able to tour. So it is a frustrating situation that we, artists in general and fans find ourselves in these days.
Nowdays you are not afraid of combining a heavy symphonic sound with modern influences, why did you change your approach to the music in these years? Every time that I start writing material for a new album, I tend to spend the first couple of months experimenting and searching for a new direction in which I can take the album. This time I was inspired by a lot of retro keyboard sounds and electronic elements. These are elements that have been with us in the past as well, but we definitely gave them a bigger role this time. I really enjoyed making this album, and that is what it is about for me, trying to make things remain interesting. I need new motivation and inspiration every time, and I need to do new things in order to stay inspired.
The album ends with a cover of Desireless` 1986 hit “Voyage Voyage”, don’t you fear your fans’ reaction to a pop song cover? No, absolutely not. If we were to fear the reactions from fans and listeners we might as well stop making music. However we certainly was expecting mixed feedback on that song. But the reactions have been surprisingly good I must say. To me it never really made any sense for a metal band to cover another metal band, as the versions would end up sounding too similar anyway. I always preferred finding a song in a different genre and then turning it into a metal version.
According to you does “Riddles, Ruins & Revelations” contain one or more songs that could mark the career of Sirenia? Maybe “December Snow”? Not sure if I understand exactly what you mean, but I would say that songs like “December Snow”, “We Come to Ruins” and ‘Downwards Spiral’ are kind of typical Sirenia songs. They have most of the elements that we are known for over the years.
In “Downwards Spiral” Emmanuelle is supported by the voice of Joakim Næss, Why do you love working with him so often? The answer to that question is quite simple, it is because we love his voice. He is a great singer and friend and it is very nice to work with him. His voice also blends perfectly into our music.
Which is your addiction n. 1? Crafts brew.
After this difficult 2020, do you think this pandemic has shown that art is essential for people’s lives? Music even more? I certainly do believe that music can be a positive force in people’s lives, and I have heard from many people how music has helped them through difficult periods of the lives. I think that music has played an important role for many during this pandemic in particular.
How difficult is life for a musician far from the stage? It is very difficult. I have not been in this situation since 1991. Not that there was any pandemic at that time, but that was the last time I went for such a long time without entering a stage.
Will you stream a release concert for “Riddles, Ruins & Revelations”? We had plans for that. But it turned out to be so complicated and risky to arrange in these times, that we decided to drop it for now. Maybe we will do a live stream show at a later point, but for now those plans are on hold. Our band is spread all over Europe, in Norway, UK and France. This never proved to be complicated in the past, but during the pandemic it has been more difficult for practical reasons. I really miss the rest of my band and our fans. I can’t wait to be back on tour again. Cheers to all our Italian fans, stay safe and we hope to see you soon.
La symphonic metal band Ad Infinitum ha reinventato durante il lockdown il proprio debutto, “Chapter I: Monarchy”, realizzandone una nuova versione acustica, “Chapter I Revisited“ (Napalm Records). Ne abbiamo parlato con la cantante Melissa Bonny.
Benvenuta Melissa, “Chapter I Revisited” è uscito il 4 dicembre, questo album acustico era già stato programmato o è stato ideato durante il lockdown? Quando ci siamo resi conto che probabilmente non saremmo andati in tour nel 2020, abbiamo deciso di trovare altri modi per entrare in contatto con le persone che amano la nostra musica. È così che è nata l’idea di creare il “Chapter I Revisited”.
In questa versione acustica, hai scoperto nuovi aspetti delle tue vecchie canzoni? Sì! Adrian ha sostituito completamente le orchestrazioni con le chitarre. Questo dà un’atmosfera e un umore completamente nuovo ai brani. E Nik ha fatto un lavoro fantastico con le percussioni.
Come è cambiato il tuo modo di cantare per questa nuova versione acustica? Ho dovuto adattarmi all’energia degli strumenti. Sono stata l’ultima a trasformare la mia parte e a registrarla. La voce è un po’ più morbida rispetto all’album originale e ho sostituito alcune delle urla con nuove melodie vocali.
Quanto è importante per voi pubblicare un album ora che la pandemia da Covid-19 ha paralizzato l’intera industria live? Questo è il modo migliore per essere presenti, per raggiungere le persone, per rimanere in contatto con i fan.
Come trascorri le tue giornate lontano dai palchi? Molta musica. Con gli Ad Infinitum ho pubblicato un acustico mentre scrivevo un nuovo album e spedivo il merchandising e mi occupavo della creazione dei video e così via. Questo è principalmente quello che ho fatto durante l’intero anno e quello che sto ancora facendo in questo momento, haha! Mi sto occupando anche di alcune registrazioni per altri artisti e progetti. Oltre alla musica, mi piace fare un giro in bicicletta nella foresta o in spiaggia, o semplicemente passare un po’ di tempo a casa.
Che tipo di musica ascolti in questi strani giorni? Di recente mi sono innamorata di Myrath e Pyramaze. Ma ascolto anche tanta musica di generi diversi… È difficile elencare tutto!
A casa preferisci il formato fisico o le piattaforme digitali? Preferisco le piattaforme digitali. Avevo così tanti CD che non riuscivo più a conservarli. Ora, compro solo formati fisici o per aiutare i miei amici che hanno dei gruppi o per averli come oggetti da collezione.
Quanto spesso ascolti le tue vecchie canzoni? Raramente. Sono molto critica con me stessa e le prime registrazioni che ho fatto non sono più piacevoli alle mie orecchie quanto lo erano quando erano più recenti.
“Marching On Versailles” ha raggiunto oltre un milione di stream su YouTube. Ti piace questo metro di successo? È fantastico! Per una nuova band come noi, questo significa molto. Significa che abbiamo fatto un ottimo lavoro e che tutto questo tempo, l’energia e il cuore che abbiamo investito in questo disco sono stati apprezzati.
Possiamo considerare “Marching On Versailles” una canzone rivoluzionaria? Molte persone pensano che questo sia un omaggio alla rivoluzione francese. Ma non è così. Racconta la storia delle persone che patirono la fame, sanguinarono o morirono durante la costruzione di Versailles.
Uno dei personaggi principali della rivoluzione francese, Maria Antonietta, era una donna in un mondo di uomini. Come vivi il tuo ruolo di donna nella scena metal dominata dagli uomini? Cerco di fare il mio lavoro nel miglior modo possibile, nello stesso modo in cui i miei compagni di band fanno il loro, senza alcuna differenza di trattamento. Trasporto il materiale come chiunque altro in tour. Quindi, ignoro i commenti ignoranti di persone che pensano che una cantante donna debba essere una principessa o una regina. E se davvero mi arrabbio, scateno il mostro che c’è in me, ahah!
Quando è nato il tuo amore per il metal? Quando avevo 18 anni, grazie al mio ragazzo di allora. Sono felice di averlo incontrato, ovviamente!
Quando hai capito di poter essere una cantante? Sono cresciuta pensando che questo non fosse un vero lavoro. Poi, alcuni anni fa, ho capito che puoi fare carriera nella musica se lavori abbastanza duramente, lavorare in un ufficio di una business school non mi rendeva davvero felice (al contrario) e non era quello che io volevo fare per il resto della mia vita.
Le tue prossime mosse? Scrivere musica e preparare l’uscita del nuovo album!
Symphonic metal band Ad Infinitum have reimagined during the lockdown their debut album, “Chapter I: Monarchy”, with“Chapter I Revisited” (Napalm Records), a very special acoustic version of their first full-length.We talked it over with with the singer Melissa Bonny.
Welcome Melissa, “Chapter I Revisited” was released on 4th December, this acoustic album was already scheduled or was studied after the lockdown? When we realized we would probably not go on tour at all in 2020, we decided to find other ways to connect with the people who enjoy our music. That’s how the idea of creating Chapter I Revisited started.
In this new version, did you discover new aspects of your old songs? Yes! Adrian replaced completely the orchestrations with layers of guitars. This gives a brand new atmosphere and mood to the songs. And Nik did a fantastic job with the percussions.
How is changed your way to sing for this new acoustical version? I had to adapt to the energy of the the instruments. I was the last one to transform my part and to record. The vocals are a bit softer than on the original album and I replaced some of the screams by new vocal melodies.
How much important is for you to have out an album now that the Covid-19 pandemic has crippled the whole live industry? That’s the best way to be present, to reach people, to stay connected with the fans.
How do you spend your days far from the stages? A lot of music. Ad Infinitum is releasing an acoustic album while writing a new album while shipping merch while creating videos and so on. That’s mostly what I have done the entire year and what I am still doing right now haha! Also some recordings for other artists and projects. Beside music, I love to get out on a bike ride in the forest or at the beach, or simply to have some cozy time at home.
What kind of music are you listing to in these strange days? I recently fell in love with Myrath and Pyramaze. But I also listen to so much music from so many different genre… It’s hard to list everything!
At home do you prefer physical format or digital platforms? I prefer digital platforms. I used to have so many CDs that I couldn’t store them anymore. Now, I only buy physical formats either to help my friends who have bands or to have them as collectible items.
How often do you listen your old songs? Rarely. I am very critical with myself and the first recordings I did are not anymore pleasant to my hears as much as they were when they were recent.
“Marching On Versailles” reached the goal of more than one million stream on YouTube. Do you like this meter of success? It’s amazing! For a new band like us, this means a lot. It means that we did a great job and that all this time and energy and heart that we invested into this record is appreciated.
“Is Marching On Versailles” a revolutionary song? Many people think that this is a tribute to the French revolution. But it is not. It tells the story of the people who starved, bled or died during the construction of Versailles.
One of main character of the French revolution was a woman, Marie Antoinette, in a world of men. How do you live your role of woman in the metal scene dominated by men? I try to do my job as best as I can, the same way my band mates do theirs, without any difference of treatment. I carry the material just like anybody on tour. Then, I just ignore the uneducated comments of people thinking that a female vocalist has to be a princess or a drama queen. And if really I get pissed off, I unleash the monster in me, haha!
When is born your love for metal? When I was 18, thanks to the boyfriend I had back then. I am grateful we met, obviously.
When did you understand you could be a singer? I grew up thinking that this wasn’t a real job. Then, a few years ago, I realized that you can make a career in music if you work hard enough and that working in an office in a business school really wasn’t making me happy (quite the opposite) and wasn’t what I wanted to do for the rest of my life.
Your next moves? Writing music and preparing a new album release!
Reduci da un periodo non proprio felice, i Nachtblut hanno riversato su disco tutte le proprie riflessioni. Il risultato è una natura morta, dal titolo “Vanitas” (Napalm Records), che il batterista Skoll ci ha raccontano nelle minime sfumature.
Benvenuto su Il Raglio del Mulo, Skoll. Le “vanità” sono delle nature morta – molto diffuse tra gli esponenti della scuola pittorica olandese del XVII secolo – contenenti simboli lugubri messi là a ricordare della inevitabilità della fine. Possiamo considerare questo nuovo album una sorta di natura morta? Sì e no. Le nostre canzoni e l’album hanno molta energia, quindi sono tutto tranne che morte o oggetti inanimati. Ma in effetti, l’album tratta aspetti legati alla mortalità, alla fine e alla transitorietà. Inoltre, nella tradizione dello stile “Vanitas”, mettiamo in discussione alcuni punti di vista su scelte o stili di vita. Abbiamo approfondito questi temi ma non abbiamo fatto dieci canzoni solo sulla morte. L’album tocca molti aspetti della vita: “Vanitas” è divertente e stimolante allo stesso tempo.
Come è nato “Vanitas”? Abbiamo iniziato a pensare per la prima volta a un nuovo album in concomitanza con gli ultimi spettacoli del nostro Apostasie Tour 2018, ma ci è voluto un po’ per raccogliere tutte le idee. Come tutti i nostri dischi, anche “Vanitas” è un’istantanea delle cose che avevamo in mente in quel preciso momento. Purtroppo, questa volta abbiamo dovuto affrontare anche la perdita di persone care. Naturalmente, riflettere sulla caducità e sulla mortalità in in una situazione del genre è cosa ovvia. Ma abbiamo anche incluso le esperienze che abbiamo fatto negli ultimi anni durante i tour in diversi paesi, incontrando ogni tipo di persone. Forse è per questo che il disco appare così riflessivo.
Il primo singolo è “Das Puppenhaus”, una canzone che ricorda i Rammstein: possiamo parlare di scuola tedesca industrial goth? Tutti nella band ascoltano i Rammstein, quindi immagino che abbiano un’influenza su di noi. Ma non siamo degli imitatori. Abbiamo abbastanza canzoni per dimostrare che il nostro suono è unico. Se ti piace definire quella canzone german industrial goth school, per me va bene. Personalmente non sono un fan delle etichette, quindi alla fine non importa come viene bollata una canzone fintanto che noi e le persone là fuori ci divertiamo.
Vi ispirate ai grandi compositori d’opera tedeschi del passato? Sì, e penso che tu possa avvertire una certa loro influenza nelle nostre canzoni. Forse un po’ di più nei dischi precedenti, ma tutti ascoltiamo anche musica classica. Non ci limitiamo ai soli compositori tedeschi, ad esempio Vivaldi è molto apprezzato nella band.
“Vanitas” è l’album più vario della tua carriera? Sono d’accordo, con Vanitas offriamo molte sfaccettature e varietà. Nonostante tutte le diversità, siamo comunque riusciti ad avere un suono omogeneo, c’è un’atmosfera di base su “Vanitas”. È un vero sollievo lasciarsi alle spalle tutte le critiche di quelli che dicono “non puoi farlo, perché non è dark metal”. La nostra risposta è: “sì, possiamo!”. Se ci piace avere una melodia o uno strumento folk in una delle nostre canzoni e in quella successiva un sintetizzatore degli anni ’80, è quello che faremo. Penso che sia anche rigenerante, niente è più noioso di un album in cui ogni canzone suona come quella precedente.
Per voi che vi siete esibiti durante il Wacken Open Air e il Summer Breeze Open Air, quanto è difficile la vita durante il blocco dei concerti? Solo pochi giorni fa gli Anathema hanno annunciato il proprio scioglimento a causa della difficile situazione economica causata dalla pandemia di Covid 19. È difficile, il 2020 è stata un’enorme delusione se parliamo di festival e concerti. Comunque non possiamo cambiarlo. L’unica cosa che possiamo fare è aspettare e incrociare le dita che il 2021 sia migliore. Molte band cercano nuove alternative, come i concerti con posti a sedere, ma per noi non funziona. Nei nostri spettacoli c’è sempre stato molto movimento e interazione sul palco come davanti al palco, ad esempio stage diving e mosh pit con i fan. Quindi aspetteremo fino a quando potremo dare di nuovo il 100%: vai alla grande o stai a casa!
Avete mai suonato in Italia? Sì, l’abbiamo fatto. Finora abbiamo suonato due spettacoli in Italia, uno a Bolzano e l’altro a Brescia. Sarebbe bello tornare o, in generale, suonare di più in Italia. Le ultime volte sono state più che divertenti!
Come è cambiato il vostro pubblico dai primi giorni? Onestamente non so se qualcosa è cambiato. Ovviamente al giorno d’oggi stiamo raggiungendo molte più persone. Abbiamo sempre avuto un buon mix tra la gente che ascolta la nostra musica. Dai gothic ai trve metalhead, troverai un’intera gamma tra i nostri fan.
Non avete mai pianificato un cambio di look senza trucco, come, per esempio, i Kiss negli anni ’90 o qualche band black metal nei ’00? No, non ci abbiamo mai pensato. Fa parte della band, parte di noi. È importante per noi passare a in un’altra dimensione e lasciarci alle spalle la vita di tutti i giorni, concentrarci solo sul momento e sulla performance sul palco. Il trucco non riguarda il diventare qualcun altro o l’immagine di qualcun altro, ma l’impegno.
Out from an hard moment, Nachtblut poured all their reflections on record. The result is a still life entitled “Vanitas”(Napalm Records), which drummer Skoll told us in the slightest nuances.
Welcome on Il Raglio del Mulo. Vanitas is a still-life painting of a 17th-century Dutch genre containing symbols of death or change as a reminder of their inevitability. Is this new album a still-life? Yes and no. Our songs and the album having a lot of energy, so it’s everything except dead or just an object. But indeed, the album deals with aspects of mortality, death and transience. Also, in the tradition of the Vanitas art, we’re questioning views on things, choices, or certain lifestyles. We expand here and didn’t make 10 songs just about death. The album reaches into many aspects of life. Vanitas is enjoyable and thought-provoking at the same time.
How is born “Vanitas”? We first thought about a new album at one of our last shows of our Apostasie Tour 2018, but it took us a while to gather all ideas. Like all our records, also Vanitas is a snapshot on things that were on our mind at that very moment. Sadly this time we also had to deal with losing beloved persons. Of course, reflecting about transience and mortality in that situation is obvious. But so did we include experiences we made over the last years touring different countries, meeting all kinds of people. Maybe that’s why the records seems to be that thoughtful.
The first single is “Das Puppenhaus”, a song in the vein of Rammstein: Can we speak of German Industrial Goth school? Everyone in the band is listening to Rammstein, so I guess they have an influence on us. But we are not a copycat. We offer enough songs to prove our unique sound. If you like to call that song German Industrial Goth school, it’s fine for me. I’m personally not a fan of labels, so in the end it doesn’t matter to me, how the song is labeled as long as we and the people out there enjoying it.
Are you inspired by the great German opera composers of the past? Yes we are. I think you can hear some influence in our songs. Maybe a bit more in the previous records, but we all listen to classical music as well. We don’t limit ourselves to just German composer, for example Vivaldi is very popular in the band.
Is “Vanitas” the most various album of your career? I would agree on that. With Vanitas we offer a lot of facets and variety. By all the diversity the album has, we still managed to have a homogeneous sound, so there is a fundamental vibe on Vanitas. It’s also very relieving, leaving behind all those “you can’t to that, because it’s not Dark Metal”. Our response to that is – yes we can! If we like to have a folky melody or instrument on one of our songs and on the next one a 80s synthesizer, that’s what we will do. I think it’s also refreshing, nothing is more boring, than an album on which every song sounds like the previous one.
You performed during Wacken Open Air and Summer Breeze Open Air, how is difficult the life for a band during the stop of the live concerts? Just few days ago Anathema announced their hiatus due the difficult economic situation due the Covid 19 pandemic. It’s hard, 2020 is a huge disappointment if it comes to festivals and shows. Anyway we can’t change it. The only thing we can do is waiting and crossing fingers that 2021 will be better. A lot of bands trying new alternatives, like seated concerts, but this doesn’t work for us. In our shows there always have been a lot of movement and interaction on stage as in front of the stage, e.g. stage diving and mosh pits with fans. So we will wait until we can give 100% again – go big or go home.
Did you ever play in Italy? Yes we did. We played two shows so far in Italy, one in Bozen and the other one in Brescia. It would be great to come back or in general playing more shows in Italy. It was more than enjoyable the last times!
How is changed your audience from your first days? Honestly I don’t know if something changed. Obviously we’re reaching way more people nowadays. We always had a good mix of people listening to our music. From pale Gothics to trve Metalheads, you will find the whole range among our fans.
Have you never planned a change of look without painting, like Kiss in ‘90 or some black metal band in the ‘00? No, never did we think about that. It’s part of the band, part of us. It’s important for us to transition to this state of leaving everything, everyday life, behind us and just focus on the moment and the performance on stage. The make up is not about becoming someone else or portraying someone else, it’s about commitment.
Il Raglio del Mulo 